Black Sabbath : el final ha llegado

El día de hoy, 16 de noviembre de 2016, toca Black Sabbath en el Foro Sol de la Ciudad de México como parte de su gira de despedida de los escenarios. Los culpables de que exista la obscuridad en la música han decidido despedirse y hoy será la última oportunidad de verlos en vivo. Los arquitectos del heavy metal se jubilan, pero aún tenemos la suerte de escuchar sus últimos acordes y darles las gracias por su legado a través del aplauso y la ovación.

¿Y cuál sería la razón para ver a un viejo loco come murciélagos que es manipulado por su mujer (Ozzy Osbourne), a un excéntrico anciano de bigote que golpea en los bares a la menor provocación (Geezer Butler) y a un senil tipo con los dedos cortados que acaba de salvarse del cáncer (Tony Iommi)? Pues aquí van nuestros motivos...

A finales del 2011 comenzó a escucharse el rumor de que los miembros originales de Black Sabbath se volverían a juntar tras su  Reunion de 1998 y The last supper de 1999. Todo fue confirmado en noviembre de dicho año cuando anunciaron una serie de conciertos y la grabación de un disco con temas nuevos con Rick Rubin tras el intento fallido hecho en el 2001. Sin embargo, y como siempre ha ocurrido con la banda, las cosas se tornaron distintas.

En enero de 2012 Tony Iommi fue diagnosticado con un linfoma y en febrero Bill Ward se bajaba del barco alegando por diferencias económicas con el resto de sus compañeros. Tras muchas dudas y misterios alrededor de Black Sabbath, todo concluyó con la presentación de Osbourne, Butler y Iommy junto con Tommy Clufetos en la batería, músico experimentado que había tocado en la banda de Ozzy (además de con Alice Cooper, Ted Nugent y Rob Zombie). Pero por si fuera poco, al fin vería la luz un disco con temas inéditos de los tres supervivientes de la alineación original del grupo desde el contradictorio Never say die! de 1978.

13 fue publicado a través de Vertigo el 13 de junio de 2013. El disco recupera aquellos viejos riffs de los años setentas así como las obscuras letras nacidas de la retorcida mente de Geezer Butler, sin embargo, el material nos muestra al melodioso Ozzy Osbourne de los ochentas, una producción bajo los cánones ya establecidos por Rick Rubin y el apoyo como músico de sesión a Brad Wilk, baterista de bandas como rage Against the Machine, Audioslave y The Last Internationale. Sin aquella fuerza sonora que tienen los primeros discos de Black Sabbath donde las distorsiones naturales de los instrumentos lograban hacer vibrar las bocinas a través del volumen y unos cuantos pedales analógicos, para este 13 escuchamos a una banda grabada bajo la estética sonora de la última década del siglo pasado donde la guitarra eléctrica se escucha muy limpia, el bajo en un segundo plano y los platillos de la batería bastante agudos (¿acaso tenemos de referencia el famoso álbum negro de Metallica?).

Sin embargo, los ocho tracks que conforman esta placa van más allá del resultado final obtenido en los estudios de grabación. La magia que alguna vez tuvieron tres de los miembros fundadores de Black Sabbath se escuchaba otra vez por los amplificadores, el misticismo de los ambientes creados por los riffs de Tony Iommi regresaban intactos tras décadas de naufragios sin remedio, el recuerdo de esa banda fundadora de aquello que llamamos metal y doom se materializaba en un presente con la promesa de regreso a los escenarios. Ochos temas colosales, ya sea en tiempo o en construcción melódica, nos hacen retornar la esperanza por tener en el nuevo siglo a los maestros de la obscuridad entre nosotros.

Una muestra de lo que es 13 se escucha en su primer track, "End of beginning". Este tema es un heredero directo del riff de clásico "Black sabbath" del primer disco de la banda, ya que recupera la densidad y letargo que rompió con los ritmos dominantes del ya lejano 1970 y que ahora en el 2013 vuelven a sacudir con su intensidad y su sensación abismal. Como podría esperarse, la melodía se transforma en un caballo desbocado que abre paso a los fundamentales solos de guitarra de Iommi y  tras de ellos la eterna persecución de las figuras del bajo de Geezer. Ocho minutos que nos pasean por todo el camino recorrido por la banda maldita, un recorrido por las posibilidades sonoras de un grupo con más de cuarenta años de carrera bajo tensiones, vicios y mucha pasión por la obscuridad.

Este tema fue utilizado en unos de los capítulos de la serie norteamericana CSI: Crime Scene Investigation, lo que motivó a que Black Sabbath tocará en el set de filmación cuando se grabó el último programa de la temporada. Dicha presentación fue grabada y se convirtió en el video oficial de "End of beginning" con la intención de promocionar el disco recién estrenado. En sus imágenes podemos observar a la gente de la producción televisiva levantar las manos al ritmo del apocalíptico tema que critica a la tecnología y la postura del ser humano ante ella, pero ello queda muy lejos de los verdaderos fanáticos de la banda quienes podrían haber disfrutado del poder de los de Birmingham y comprender el mensaje de sus líricas.

"¿Es éste el final del comienzo o el inicio del final? ¿Estás perdiendo el control o estás ganado? ¡Es tu vida real o sólo una pretensión? Para encontrar el motor para la solución tendremos que reiniciar el sistema, reanimar la secuencia y rebobinar el futuro a través del pasado. Tu vida está sobrecargada, es necesario limpiarla para alcanzar los secretos de su código propio, ahí donde está tu identidad.  No sabes qué camino tomar y quizá estés perdido y confundido, pero ésta es tu segunda oportunidad. El tiempo y el espacio se han transformado. Almas cibersónicas que tienen en el hombre a su huésped, analizan y clonan de manera implacable hasta que finalmente te dejan libre. No deseas ser un robot fantasma, así que necesitas levantarte y resistir para ser dueño de tu destino. No observes hacia el pasado vive el ahora, mañana será demasiado tarde..."

Ha llegado el gran día y tan sólo quedan algunos segundos para despedirnos de la banda que cambió el curso del rock. Será acompañada esta noche por Rival Sons, grupo que se ha diluido hasta ser una caricatura hipster de sí mismos hasta abandonar la posibilidad de ser una de las mejores bandas del vintage rock en esta década; pero podemos confiar en los maestros de la obscuridad y sus razones para escogerlos como teloneros. Varias generaciones estaremos presentes en el Foro Sol esta noche, gritaremos a todo pulmón cada tema y gritaremos cada vez que Ozzy nos lo pida, pero el mejor  momento de la velada será cuando México ovacione a Black Sabbath cuando sus últimos estertores se escuchen en las bocinas del lugar...

Saturn : otro tributo sueco al heavy metal

Los amplificadores Orange son encendidos para dejar escapar el lamento de una guitarra Fender a través de un slide metálico que resbala sobre sus cuerdas. Por algunos segundos el blues árido corre por las venas, pero todo se elimina cuando el resto de los instrumentos entran a escena para soltar la carrera de un caballo eléctrico desbocado, un descendiente directo del viejo metal británico de finales de los setentas, un bólido que sube hasta las estrellas para recordar los primeros instantes del heavy metal agresivo, crudo y directo. Respiramos un poco y descubrimos a los culpables de esta regresión... Saturn.

Formados en la estratégica ciudad de Boras, Suecia a finales de 2012, Saturn se sumó al conjunto de bandas escandinavas que se embarcaron en el rescate del famoso New Wave of British Heavy Metal como tendencia musical que inspira la creación de nuevos temas para los amantes del género. Enriquecidos por su gusto por el blues, el space rock y otras lineas progresivas, el grupo construyó una cápsula sonora para regresar en tiempo y llevarnos de paseo a través de rápidas guitarras encontradas y ritmos voraces llenos de intensidad.

Bajo el recuerdo de bandas clásicas como Deep Purple, Black Sabbath y UFO en mezcla perfecta con el incipiente metal de los primeros discos de Iron Maiden y Judas Priest, Saturn muestra su amor por dicho sonido con una única intención: divertirse. Largas cabelleras, pantalones entubados de mezclilla y "atrapa-sueños" sobre los micrófonos forman parte de la imagen de una banda que fácilmente se adueña del escenario y se anexa al selecto grupo sueco de nuevo metal junto con Horisont, Hypnos y Black Trip.

Fue así que Linkan Lindgren y Robin Tidebrink en las guitarras eléctricas, Ted Carlsen en la batería y Oscar Pehrson en el bajo y vocales crearon Ascending (Live in space), su álbum debut publicado en 2014 por Rise Above Records. El disco es un conjunto de ocho temas que van desde el frénetico heavy metal de "So, you have chosen death" y el sentimiento bluesero de "Over the influence", pasando por los aletargados ritmos de "Tower of terror" y la cósmica "The last man in space".

Quizá el track que condensa todas las posibilidades sonoras de Saturn es "Rokktori", único sencillo del disco. Sus acordes nos llevan desde el incipiente blues hasta el NWOBHM y los primeros instantes del power metal alemán más nostálgico posible. Ritmo entrecortado que cabalga a toda velocidad y que en algunos instantes se permite jugar con sintetizadores galácticos que le ofrecen una mística muy espacial. La energía del tema lo obligaba a convertirse en single seguro, una pequeña muestra de lo que podíamos esperar del Ascending (Live in space) y un gancho para escucharlos en vivo.

Gracias las explosivas melodías de este primer disco, Saturn empezó a girar por su natal Suecia hasta tener la posibilidad de tocar en Alemania. Es así como la banda ha podido alternar con grupos como Hypnos, MaidaVale o Heat, además de formar parte del cartel del festival Sankt Hell que realizó los últimos días de 2015 en Hamburgo junto con Greenleaf, Wolvespirit, Zodiac y Sons of Morpheus.

En diciembre de 2015 fue presentado a través del canal de You Tube de la disquera Rise Above Records el video promocional para "Rokktori", un trabajo visual realizado por Jim Nedergard que muestra a Saturn bajo un estética vintage tocando en un pequeño antro, en un "deshuesadero" de automóviles y dentro de una vagoneta que corre a toda velocidad por arenosos caminos al ritmo de la melodía. Vale la pena resaltar un misterioso antifaz blanco con el logo del grupo sobre la frente que aparece en los lugares menos esperados.

El recuerdo nos llevó a Saturn y su mágico Ascending (Live in space), pero afortunadamente no todo a quedado en un explosivo debut. La banda se metió a los estudios de grabación entre junio y julio de 2016 para crear lo que será su segundo disco, mismo que ha sido mezclado en setiembre del mismo año. Será cuestión de algunos meses que vea la luz el nuevo y esperado material, así que aprovechemos la ocasión para regresar la mirada y volver a disfrutar de los que este cuarteto sueco sabe hacer.

Montenegro : un arrabal instrumental para la mente

El cambio es la única constante en el universo. La transformación nos muestra las múltiples caretas que las cosas tienen en sí. Todo es trastocado y como lo relata la teoría del caos, el más mínimo movimiento puede desencadenar grandes consecuencias... algunas desastrosas, otras maravillosas. El onírico mundo de la música no se escapa de esta condición obligatoria, por lo que la mutación se convierte en una musa inspiradora que crea obras maestras a través de poder revolucionario e innovador. Y para muestra, un ejemplo: Montenegro.

Nacidos en la Gran Buenos Aires, Argentina, cuatro jóvenes crearon un proyecto en el 2010 que fusionara toda la imaginación gaucha hasta los derroteros del stoner más denso, aquel heredero de los viajes ácidos de la psicodelia antigua. La idea terminó condensada en cuatro colosales temas bajo el título de Confusos recuerdos después del coma, material presentado en abril de 2013. Al año siguiente se enfrascaron en una enorme obra conceptual inspirada en el cuento del siglo XIX El matadero de Esteban Echeverría, la cual terminó unida en un mismo disco con otro tema de semejantes intenciones hecha por los rusos The Grand Astoria. Sin embargo, las cosas han tornado y la historia de hoy es diferente.

Las modificaciones en la alineación de Montenegro llevó a la banda a un cambio dentro de su concepto musical, aunque su esencia pesada se mantuvo a flote como idea original. Luciano Marchisio en el bajo y Gonzalo Rubio García en la guitarra han servido de pilares para un proyecto sonoro conciso basado en la experimentación, la virtuosidad y el sentimiento. Reclutando al baterista Arístides Catalano y olvidando por completo las vocales, el grupo se ha convertido en un power trio sin contemplaciones que permite fluir las sensaciones a través de melodías sin lírica y ensoñaciones distorsionadas llenas de electricidad.

Por si la nueva idea musical de la banda no fuera temeraria, Montenegro se subió a los escenarios para plasmar en un plato su poder, su magia y su versatilidad a través de la espontaneidad que tiene tocar en vivo más allá del calor y el refugio técnico de un estudio. Es así que llega a nuestros oídos en julio de 2016 el tercer material del grupo, ocho temas bautizados simple y certeramente como Vivo. 

Grabado en la noche del 13 de mayo de 2016 en el Detroit Club, aquel pequeño local de Morón donde también grabaron los lísergicos Los Planeta Rojo, el grupo aprovechó la cercanía con el público fiel y abierto al cambio para desarrollar temas instrumentales más allá de lo hecho en sus materiales anteriores. El material fue registrado por Ignacio Gracia y mezclado por Jose Luis Álvarez Rodríguez en el Estudio La Villa Records, para que fuera finalmente masterizado por Gustavo Sammartin en el Estudio Urbano. Gracias a su trabajo, hoy tenemos la oportunidad de viajar cuantas veces queramos con un instante en el tiempo captado y recopilado en un material de descarga directa desde la página de Bandcamp de Montenegro. (Escucha y descarga "Vivo") 

Los nuevos aires que soplan sobre Montenegro han permitido que la banda suelte las amarras y naveguen más allá de las fronteras argentinas, pero que al mismo tiempo, nos muestran la multiplicidad de culturas que viven en la república gaucha, collage vivo que crea y recrea una identidad. La música sirve de pasaporte mágico que nos arrastra a vuelos imaginarios por tierras maravillosas enmarcadas por noches cósmicas, extravagantes sonidos que juegan con nuestras neuronas por medio de tiempos precisos que cambian de velocidad a la menor provocación, visceral juego de armonías que demuestran la energía de interpretar los sueños con la única arma posible... un instrumento musical.

Aprovechando las bondades que los medios tecnológicos y las redes electrónicas brindan a los románticos amantes de la música, nuestros ojos ahora tienen la oportunidad de participar del viaje que es Vivo de Montenegro. En octubre de 2016 ha sido lanzado el video promocional de "Cayengue", trabajo visual que permite trasmitirnos lo que es la banda sobre la tarima, acompañados tan solo de sus amplificadores y su imaginación vertida en un tema de momentos sublimes llenos de energía y magia. Humo, reflectores y cables rodean a un power trío en una demostración de habilidad e inspiración que no requiere de palabras para teletrasportarnos a otros espacios, a otras épocas y a otras vidas.

"Cayengue" es un tobogán que nos deja caer por notas insistentes y un caleidoscopio que explota en una tormenta multicolor, pero que un remanso permite que todo se vuelva un baile exótico entre el ritmo enigmático y nuestra alma, un ácido tango de arrabal lleno de pasión, de cadencia y de erotismo. La velocidad incrementa hasta que todo revienta en un orgasmo sonoro que nos empapa en acordes, distorsiones y reverberaciones. El poder de la interpretación en directo logra expandir los sentidos a través del volumen en las bocinas del local, ambiente único que sólo el poder de la mente intenta repetir gracias al atrevimiento de quienes arrancaron ese instante al fugaz presente. 

Estos forajidos de la pampa han logrado evadir este plano de la realidad para llevarnos por un recorrido astral sin más límites que nosotros mismos. La espectacular portada de Leandro Almendro nos invita a seguir al conejo blanco construido por Montenegro, a cruzar el vértice para caer por un abismo desconocido y tentador. Los caballos de Tersa Buongiorno nos dan la bienvenida a un panorama misterioso donde el ser humano queda desnudo ante sí mismo, único culpable de sus miserias y sus glorias. Por lo pronto, tres argentinos abren la puerta para cualquiera se anime a entrar a esta galaxia instrumental... en nosotros está la decisión de cruzar el umbral y romper nuestras propias cadenas. 

Red Fang : rescatando las cervezas robadas

Luego de tres años de silencio discográfico pero lleno de ruido sobre los escenarios, regresan los norteamericanos de Red Fang con su cuarto álbum titulado Only ghost a través de Relapse  Records. Tras una larga gira promocional para su Whales and leeches donde alternaron con bandas como Black Tusk, Orange Goblin, In Flames y Opeth, los originarios de Portland, Oregon regresan a las andadas con una colección de diez temas desbocados que seguramente golpearán los tímpanos de aquellos que gustan del llamado stoner metal.

Para una banda más que establecida como Red Fang, el anuncio de un nuevo disco puede convertirse en un arma de doble filo: o el nuevo material es una repetición de lo alcanzado hasta el momento o puede ser un rompimiento con todo lo anterior para ofrecer nuevos caminos musicales. Sin embargo, Only ghost es un desarrollo del sonido de la banda, donde las melodías son directamente construidas y su producción logra explotar todas las capacidades que han desarrollado con el paso de los años.

Como pocas bandas lo han logrado, Red Fang mantienen su alineación original, lo que genera una estabilidad sonora y compositiva para un grupo que se ha convertido en un estandarte del rock fuerte y directo de los Estados Unidos. Desde 2005 tenemos a Bryan Giles en una guitarra, Aaron Beam en el bajo, David Sullivan en la otra guitarra y a John Sherman en la batería, un cuarteto bastante firme que sigue demostrando su gusto por tronar bocinas y pasársela bien haciendo lo que más les gusta.

Para esta ocasión, la producción de su material corre a cargo de Ross Robinson, reconocido por su trabajo en los controles técnicos con gente tan variada como The Cure, Slipknot, At the Drive-In, Sepultura, Korn o Vanilla Ice. Pero para asegurar la calidad del disco, las grabaciones fueron mezcladas por el experimentado Joe Barresi, ingeniero de sonido que ha trabajado para Melvins, Queens of the Stone Age, Fu Manchu, Clutch, Tomahawk, Bad Religion y Apocaliptica. Creo que con antecedentes como éstos, la calidad sonora del Only ghost está asegurada.

Como primera prueba a su cuarto disco, Red Fang nos regala "Shadows", una granada que inmediatamente explota en las manos gracias a su riff distorsionado y ritmo endemoniado que no frena ni un segundo. Tres minutos de golpes salvajes en la batería y guitarras marcado una melodía estridente que termina por morder y no soltar. El bajo marca la figura a pesar de que por instantes pareciera deshacerse por las bocinas gracias a su efecto demoledor. El primer sencillo del Only ghost es infeccioso, directo y sin contemplaciones.

Y como ya es una costumbre, los videos que acompañan a los singles de la banda son unas pequeñas joyas gráficas que funcionan gracias a su buena dosis de buen humor. Desde los caballeros con armaduras hechas con latas de cerveza que protagonizan "Prehistoric dog" hasta los jueces del peculiar concurso de guitar-air de "Hank is dead", pasando por explosivos y destructivos retos automovilísticos  de "Wires", el director Whitey McConnaughy vuelve a crear una historia bizarra ideal para acompañar el lanzamiento de "Shadows".

En esta ocasión, los integrantes de Red Fang se van a la tranquilidad de los bosques norteamericanos para disfrutar de algunas cuantas cervezas. Obviamente, primero necesitan abastecerse en un mini-super de los insumos alcohólicos necesarios; pero cuando arrancan su vagoneta le pegan un ligero golpe al vehículo de unos nerds/geeks. Una vez en la tranquilidad de la naturaleza, la hielera repleta de latas de cerveza comienza a moverse hasta que huye de los borrachos músicos. Lo anterior desata una guerra contra un invisible enemigo, quien hasta el final muestra su rostro.

El primer tema  develado del Only ghost es sin duda un gancho, una droga adictiva que nos hace pedir una dosis mayor. Stoner metal reducido a una pequeña píldora de gran poder infeccioso que logra su cometido por sí sola, pero su empaque gráfico de historia chusca termina por acertar en el centro de la diana. Aquí están los cuatro veteranos que realmente le ha sabido tomar el pulso a lo que el público espera de una banda de rock en esta década: riffs poderosos, actitud y mucha cerveza. Combinación sencilla pero difícil de equilibrar, pero Red Fang tienen la fórmula perfecta para mezclar los ingredientes explosivos. Tomen asiento, abran una fría lata y permitan que estos tipos les vuelen los tímpanos...

Prophets of Saturn : cazando ácidas brujas

Una reverberación se escapa por las bocinas, puede ser el volumen o quizá sea feedback. De la nada, dicho zumbido se transforma en un riff de guitarra ahogado en fuzz al que es imposible dejar pasar por desapercibido. Unos cuantos remates en la batería y ante nosotros se levante un impresionante muro de sonido, una locomotora sonora sin freno ni control. El sonido explota y un fuerte viaje ácido nos arrastra a tétricos parajes difíciles de asimilar de manera inmediata. Buscamos a los culpables del escándalo y los encontramos bajo un extraño y cósmico nombre: Prophets of Saturn.

Formados durante 2012 en Leicester, una de las ciudades más antiguas de Inglaterra, la banda buscó su propio sonido a partir del hard rock vintage, la psicodelia pesada, el doom setentero y el stoner más crudo. Su álbum debut de abril de 2013 es un fiel testigo de esta bizarra mezcla sonora, pero el trabajo logrado en su Retronauts publicado en julio de 2015 por HeviSike Records consigue el equilibrio entre distorsión, melodía y magia necesarias para un grupo bipolar que funde el arco iris lisérgico de la experimentación (teniendo a Sleep como referente) y la lúgubre obscuridad del misticismo (teniendo a Black Sabbath como referente).

Sin embargo, el sonido logrado en el Retronauts no es una casualidad. Tras la salida de Jonathan Meacock (su primer bajista), el resto de los integrantes de Prophets of Saturn comenzó a componer de manera individual, hasta que los temas fueron terminados en conjunto cuando se integró Max Mead como nuevo bajista; al grado que él fue quien grabó y mezcló lo que hoy escuchamos en el disco. Por si fuera poco, la masterización final del material corrió a cargo del experimentado Tony Reed a través de su HeavyHead Recording Co. (guitarrista de Mos Generator, quien ha trabajado en los discos de Desert Suns, Red Wizard, Seedy Jeezus, Doctor Doom, Goya o Doublestone).

De esta manera, el baterista Duncan Torrance, el guitarrista Ben Shore y el vocalista/letrista George Sanderson retomaron el camino para sus "profetas" para enfrentarlos a un nuevo universo de esoterismo y acidez a través de temas directos que tuvieran la posibilidad de ser "estirados" a través de la improvisación y la libertad musical llevada hasta sus últimas consecuencias.

Retronauts son cuatro puertas que viajan por el tiempo y el espacio, abiertas por cuatro tipos para que cualquier incauto viajero se arriesgue a cruzar por ellas. La advertencia está hecha desde la portada del disco, una fuerte imagen realizada por Goatess Doomwych que muestra una bruja cósmica sobre un gran altar cósmico dedicado a la muerte. Sin embargo, al escupir las primeras notas desde las bocinas, sabemos que estamos frente un fuerte viaje sin regreso.

Como sencillo se lanzó el tema más pequeño en duración del disco, canción que no esconde su descendencia directa del Electric Wizard más denso. Los poco más de tres minutos de "Witchrider" son un golpe directo al rostro que no permite hacer nada más que recibirlo y gozar su fuerza, su estruendo y su toxicidad. Colosal sonido inquebrantable que tan sólo permite que una chillona voz con efecto a la Ozzy Osbourne nos cuente sobre brujas que vagan por los bosques olvidados de las Midlands de la gran isla británica. Tres palabras pueden resumir al single: densidad, crudeza y acidez.

A través del canal de YouTube de Prophets of Saturn, en octubre de 2015 fue lanzado el video promocional de "Witchrider" dirigido por Brendan Grimley, el cual es un fuerte paseo por lúgubres ambientes que sólo la madre naturaleza nos puede regalar y que son utilizados por una hermosa bruja para perder a estos hijos de Sabbath mientras nos lee la suerte a través del Tarot. Una figura de rostro oculto en una máscara de temible ave y refugiada en su larga túnica obscura nos persigue hasta que, irremediablemente, comenzamos una huida sin control; pero una vez en sus garras, será imposible regresar a la realidad.

Esto es un poco de Prophets of Saturn, una banda que no sólo se refugia en el confort del estudio ya que tiene la capacidad de llevar su monstruoso sonido a los escenarios, mismos que ha compartido con bandas como Goatess, Windhand o Admiral Sir Cloudsley Shovell. Esta es una pequeña dosis de su lisérgico sonido, aquel que provoca fuertes viajes entre la distorsión fuzz y el ocultismo pesado de esas bandas que fundaron el doom. Estas son algunas notas que penetran la sangre con facilidad, causan adicción y nos hacen desesperar por un poco más...

Dead Witches : desde el amor hasta un supergrupo

Desde hacía ya varios meses, Virginia Monti, vocalista y líder de Pschydelic Witchcraft, presumía en las distintas redes sociales su relación con Mark Greening, quien fuera baterista de Electric Wizard (banda de la pareja de Jus Oborn y Liz Buckingham) y With the Dead (banda de Lee Dorrian, ex-vocalista de Cathedral y de Napalm Death), además de forma parte ahora de la re-encarnación de Ramesses. Con unos antecedentes musicales de tal magnitud, era de esperarse que pronto se produjera un proyecto musical más allá de la relación de pareja de la italiana y el inglés.

A mediados de julio de 2016 se anunció por medio de Facebook y un canal de YouTube la conformación de una nueva banda creada por Monti y Greening junto con el guitarrista Greg Elk y el bajista Carl Geary. Una tabla de Ouija nos guíaba sobre su alfabeto para decirnos letra a letra el nombre del nuevo grupo sobre el cual se crearía una gran expectativa: Dead Witches. 

Pasaron algunos meses sin que supiéramos mucho del nuevo grupo hasta que durante octubre de 2016 se develó el misterio rápidamente. El cuarteto se metió a grabar en Chuckalumba Studios en Dorset, Inglaterra a principios del mes, y quince días después, anunciaron de manera oficial la firma de la banda con la disquera Heavy Psych Sounds, con la cual publicarían su álbum debut a principios de 2017. De esta manera, el ruido sobre Dead Witches crecía sin saber a qué sonaría su música y sin el título del disco siquiera.

Sin embargo, una pequeña nota de condolencia publicada el 29 de octubre en la página de Facebook del grupo sacudió lo que en tan poco tiempo había logrado. En dichas líneas se leía una despedida al guitarrista Greg Elk por su fallecimiento. Esto podría romper todos los planes de la banda en cuanto publicación de su disco y promoción, pero todo quedaba en un profundo silencio y una incertidumbre sobre el futuro del proyecto de Monti y Greening.

Pero como podríamos esperarlo de dos almas errantes como las que soportan a Dead Witches, la noche de Halloween nos fue regalado un denso dulce a quienes hemos seguido esta peculiar historia de música y amor a través de las redes sociales. El 31 de octubre fue presentado el sencillo "Mind funeral", primer tema del que será el álbum debut del grupo, mismo que aún no tiene título definido (bien podría ser Ouija, bien podría ser de manera homónima Dead Witches).

Bajo la escuela de las distintas bandas donde ha militado Mark Greening, Death Witches guerda ese sabor a doom de guitarras lentas y rasposas, un bajo ahogado en fuzz y una batería cortante que golpea a la menor intención. Hipnótico ritmo que nos lleva a las profundidades con su muro instrumental infranqueable que abarca todo el espectro sonoro posible. Quizá quien nos sorprende es Virgia Monti, quien se aleja de voz melodiosa directa influenciada por su gusto por la vieja psicodelia y las primeras bandas de occult rock que orientaron su composición con su proyecto personal Pschydelic Witchcraft, para obscurecerse más allá de su imagen de bruja amante de lo todo lo esotérico. Las notas son arrastradas, casi gemidas como si la maldad y el dolor tomaran posesión de la vocalista.

El video promocional que acompaña a "Mind funeral" fue lanzado desde el canal de YouTube de la banda y fue elaborado por la propia Virgia Monti. En este trabajo visual podemos observar diversos extractos de películas y documentales donde se mezclan perfectamente rituales satánicos, posesiones demoníacas, exorcismos y cementerios con imágenes católicas como cruces, misas, iglesias y sacerdotes. Una omnipresente tabla Ouija y su puntero piramidal se mueven sin control mientras la sensual Bettie Page baila como si el maligno hubiera entrado en su cuerpo.

El primer sencillo de Dead Witches suena a Windhand, a Uncle Acid & the deadbeats y a Electric Wizard, pero será mejor que aguardemos a febrero cuando sea publicado el disco completo y podamos así realmente hacer un veredicto a su estilo y su cercanía con otras bandas del género. Por el momento, recordemos al guitarrista Greg Elk que ha dejado este plano de la realidad y pulsemos nuevamente sobre el botón de play en el video para escuchar el pedazo de tema que se sacaron de la nada esta pareja maldita, una relación que no podía dejar de crear música bastarda, poderosa y abismal.

Pesta : infección doom desde Brasil

El clásico de la literatura El Decamerón, obra creada por Boccaccio que nos cuenta cómo diez jóvenes se refugian a las afueras de Florencia, Italia en 1348 para escapar de los horrores vividos en la Europa del siglo XIV por la epidemia de la peste, enfermedad que sirvió de inspiración para un grabado de 1801 realizado por el pintor italiano del neoclásico Luigi Sabatelli. Ahora en 2016, dicha ilustración sirve de portada ideal para el álbum debut de la banda brasileña Pesta. 

Para esta ocasión, la peste juntaría a cinco jóvenes originarios de Belo Horizonte para crear ocho tenebrosas historias de locura, enfermedad y muerte bajo el nombre de Bring out your dead, material editado por Burning London Records y publicado en enero de 2016. Como un paso adelante al Here she comes, primer EP de la banda presentado un año antes, Pesta se establece sonoramente y construye un material maduro, pesado y completo en concepto, lírica y proyecto.

Herederos de un lugar netamente metalero con bandas como Sepultura, Sarcófago, Witchhammer y Chakal, desde 2014 Pesta busca construir un sonido propio a través de su gusto por el doom tradicional de los años setentas como Black Sabbath y Pentagram en mezcla con sonidos mucho más densos como Trouble, Cathedral o Sleep. El proyecto nació a través de dos viejos compañeros de escuela, Anderson Vaca en el bajo y Daniel Rocha en la guitarra, el grupo realmente terminó de conformarse cuando se integraron Thiago Cruz en las vocales, Flávio Freitas en la batería y Marcos Resende en la guitarra. 

Grabado en Engenho Studio durante diciembre de 2015, Bring out your dead muestra el poderoso sonido que juega con los densos riffs del doom clásico y la energía del stoner metal, un coloso sonoro difícil de derrumbar. A través de atmósferas abismales, Pesta nos lleva por los diversos horrores de la humanidad hasta sumergirnos en aquella sensación de dolor, asco y terror que sólo las pandemias provocadas por las enfermedades contagiosas logran despertar. 

Como primera prueba de este disco tenemos al tema inicial del disco: "Black death". Cierta cepa de la peste que infectó en la Europa del siglo XIV se distinguió por su contagio a la sangre, lo que provocaba grandes manchas obscuras en la piel de los enfermos, quienes tenían la muerte asegurada. De ahí nació la idea de la "muerte negra", imagen que fácilmente podría revocarnos a uno de los cuatro jinetes que narra el Apocalipsis galopando sin control por las feudos medievales.

"Una plaga camina hacia nosotros y la gente huyó de las ciudades llenas de miedo, sin embargo, la enfermedad se calmó y enseguida la muerte estaba por todos lados. Los hombres se odian entre sí, los padres abandonan a sus hijos enfermos, las esposas han quedado atrás, los esposos han sido enterrados. Varios se negaron a huir, pero los hogares pagaron con la muerte. Frailes y monjas tuvieron que cuidar de los pacientes. Monasterios y conventos pronto quedaron desiertos ya que también quedaron severamente afectados. Muchos querían confesar sus pecados y expresar su última voluntad, pero viviendo en el miedo no pudieron entenderlo. Sin embargo, las casas de los muertos quedaron abiertas con todas sus pertenencias de oro y joyas. Con los brazos abiertos, la muerte negra los estaba esperando... sólo quedaron cuerpos abandonados en las casas porque no hubo alguien quien les hiciera un funeral"

Con la imagen distorsionada de un hombre bajo una túnica negra y una máscara de gran pico como aquellas que se utilizaron en el siglo XVII para acercarse a la gente enferma por peste, observamos el video promocional de "Black death", el cual fue publicado en julio de 2016. En dicho trabajo visual podemos ver una amplia colección de imágenes sobre rituales satánicos, paganismo, orgías sexuales, brujas en las hogueras, escenas de guerra, asesinos seriales, cementerios y campos abandonados a la muerte, mientras la banda demuestra toda su fuerza enfundados en playeras con logotipos de los grupos que admiran cada uno de sus integrantes. 

Un riff de guitarra distorsionado y lento repta por el suelo. Tres golpes y el resto de los instrumentos siguen la melodía como si se tratara de una danse macabre. La tétrica introducción se resguarda en sus lúgubres golpes, pero de su eco surge un caballo desbocado de ritmo hipnótico que anuncia la llegada de la peste. El hombre busca huir de la infección, un escape a la muerte y una loca carrera contra la enfermedad. Un descompuesto solo de guitarra se escapa de la densidad creada por la banda, acordes mórbidos que se alejan de la comprensión en un sopor de fiebre y delirios sin control.

Este es tan sólo un ejemplo del abismal sonido de Pesta (el disco fue grabado, mezclado y masterizado por André Cabelo, guitarrista de Chakal) y las líricas de las cuales son capaces (algo que no es de extrañar si son escritas por un historiador como Anderson Vaca, bajista del grupo). La banda busca la más mínima oportunidad de tocar (ya han coincidido con Necro, por ejemplo), pero las grandes distancias de su natal Brasil les dificulta alternar con gente de su perfil como Son of a Witch (de Natal), Stone House on Fire (de Volta Redonda) o Ruínas de Sade (de Brusque). Sin embargo, la fuerza que están logrando crear las bandas de doom y stoner metal brasileñas sin duda los llevará a establecer una identidad en su país, misma que muy pronto los llevará a cruzar las fronteras.  Por lo pronto, nos quedamos disfrutando de las profundidades logradas en Bring out your dead mientras esperamos que en 2017 Pesta nos regala un poco más de su sabor doomy que nos gusta tanto de los sonidos pesados, distorsionados y aletargados.