tag:blogger.com,1999:blog-6234729709696035332024-03-13T07:42:38.452-07:00EARTHQUAKER : Rock y letrasEarthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.comBlogger658125tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-25032035698741300982021-06-10T04:30:00.000-07:002021-06-10T05:12:07.344-07:00Monster Magnet : una antropología al áspero sonido del God Bull<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-BotqFcbhhVI/YLgcBqIe54I/AAAAAAAAPss/QG1pjduxT2Y6v89YK9dUIC_o1B9u5glXQCLcBGAsYHQ/s700/a3590427698_16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-BotqFcbhhVI/YLgcBqIe54I/AAAAAAAAPss/QG1pjduxT2Y6v89YK9dUIC_o1B9u5glXQCLcBGAsYHQ/s320/a3590427698_16.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>¿Acaso no sería una salida fácil publicar un álbum de covers y versiones de otros artistas para salir de la pausa musical dentro de una pandemia que ha frenado de manera repentina los estudios de grabación y los eventos públicos? La respuesta no es tan sencilla como lo parece en primera instancia, ya que si recibiéramos un material sin mayor propuesta que el simple hecho de tocar las viejas canciones, todo quedaría reducido a una forma sencilla de mantenerse bajo los reflectores mientras llega la ansiada normalidad. Sin embargo, cuando nos encontramos frente un material que intenta asimilar lo hecho por otros desde la perspectiva sonora propia, las cosas cambian radicalmente gracias a la posibilidad de escuchar un esfuerzo por adueñarse aquello que es ajeno hasta transformarlo en algo irreconocible. Eso es lo que ha hecho Monster Magnet.</p><p>Publicado durante mayo de 2021 a través de la reconocida disquera Napalm Records, <i>A better dystopia</i> es un intento por compartir aquella música oculta bajo el peso y el paso de los años desde la muy particular ótica de la banda comandada por Dave Wyndorf, logrando conjuntar una colección de temas muy sucios y distorsionados que durante 48 minutos no dejan de golpear las neuronas por medio de cuerdas electrificadas ahogadas en overdrive y fuzz. Ante una propuesta tan arriesgada, nos damos a la tarea de bajar la aguja y permitirnos que el ruido haga su tarea...</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-76GqTaTKh-A/YMFNRzAh1oI/AAAAAAAAPuk/WWDkrFmmHvQNZAs50SrnKZTptYhbZoygACLcBGAsYHQ/s1024/Monster-Magnet-21-1024x683.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="683" data-original-width="1024" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-76GqTaTKh-A/YMFNRzAh1oI/AAAAAAAAPuk/WWDkrFmmHvQNZAs50SrnKZTptYhbZoygACLcBGAsYHQ/w400-h266/Monster-Magnet-21-1024x683.jpg" width="400" /></a></div><p>Cuando recibimos <i>Mindfucker</i> en marzo de 2018 (reseña-review) tuvimos la oportunidad de escuchar a un Monster Magnet revitalizado a través de su poderoso y escandaloso space rock lisérgico, pero tras el paso del tiempo, todo comenzó a enfriarse hasta provocar el olvido de la banda afincada en New Jersey. Sin embargo, y tomando como pretexto el forzoso encierro, Dave Wyndorf secuestró a sus compañeros para darle forma a una serie de canciones seleccionadas que le permitieran a sus seguidores conocer de manera directa las influencias sónicas de la agrupación, logrando así la comprensión de su sonido y hasta de su concepto lírico.</p><p>Primero nos encontramos al God Bull en una pose al puro estilo del omnipresente Aleister Crowley, pero en honor a la verdad, la bella dama de la izquierda en plena oposición a la momificada figura de la derecha, terminan por sacudirnos las pupilas junto con la saturación de colores chillantes que irritan la mirada. Tras este desafío visual, lo único que queda es aceptar el auditivo a través de una letanía psicotrópica e introductoria llamada "The diamond mine" de Dave Diamond, la cual es secundada por el sabor proto-punk cósmico de "Born to go", un tributo casi obligado a Hawkwind. Pero si lo que pudiéramos esperar del resto de <i>A better dystopia </i>es un viaje sonoro similar, Monster Magnet nos sorprende de manera grata con su furiosa versión al one-hit-wonder de J.D. Blackfoot "Epitaph for a head", donde las voces se acercan peligrosamente a otro exponente del stoner cósmico de la costa este: Neil Fallon de Clutch.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-izgMQFEzkSg/YMFOAGXEgRI/AAAAAAAAPuw/H5vx3RnO22EDz2D5C3mwb8f0fAjqFCOSgCLcBGAsYHQ/s850/Monster-Magnet-Motorcicle-Straight-to-Hell-Single-2021.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="476" data-original-width="850" height="224" src="https://1.bp.blogspot.com/-izgMQFEzkSg/YMFOAGXEgRI/AAAAAAAAPuw/H5vx3RnO22EDz2D5C3mwb8f0fAjqFCOSgCLcBGAsYHQ/w400-h224/Monster-Magnet-Motorcicle-Straight-to-Hell-Single-2021.jpg" width="400" /></a></div><p>Sin lugar a dudas, el trabajo antropológico de Monster Magnet para descubrir y compartir las raíces del stoner y el hard rock áspero es lo que vale la pena de su nuevo trabajo, obligando al escucha a retornar a los originales y comprobar que todo se encuentra de manera embrionaria en dichos materiales perdidos por el paso del tiempo y la poca difusión. Ahí está el crudo riff de "Solid gold hell" de la banda australiana Scientists o la intensidad de la sarcástica "Mr. Destroyer" con su figura hipnótica que sólo es quebrada por su estribillo que obliga a gritar <i>fight fight fight</i>!! Y si por si fuera poco el rescate de la banda norteamericana, Dave Wyndorf y los suyos nos regalan una versión limpia de la eterna When the wolf sit" de Jerusalem, aquel grupo apadrinado por Ian Gillan de Deep Purple.</p><p>Una mención especial merece la versión que hace Monster Magnet al clásico fundamental que es "Be forewarned" de Pentagram, aquella banda elemental para el doom que cambió su nombre a Macabre y de la que todos hacen referencia pero a la que pocas veces se han acercado a tributar. Además de bajar la intensidad general del material sonoro, podemos comprender todo lo que Dave Wyndorf le debe a Bobby Liebling, ya sea en su poder escénico como en su imaginación lírica. Sin embargo, es necesario mencionar que <i>A better dystopia </i>se distingue por mostrarnos inimaginables influencias para la banda de New Jersey como lo es la desconocida pero fundamental "Situation" de Josefus con sus pasajes progresivos de hard rock intenso, el sucio rock de garage en el que se fundamenta "It's trash" de The Cave Men, el noise punk de la reciente "Motorcycle (Straight to hell) de los Table Scraps, o la áspera psicodelia obscura contenida en "Welcome to the void" de Morgen. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/dC-UwU8xK68" width="320" youtube-src-id="dC-UwU8xK68"></iframe></div><p>Una de las versiones hechas por Monster Magnet en su <i>A better dystopia </i>que fueron elegidas como sencillos promocionales acompañadas del arte de Joe Tait, fue "Learning to die", un track original de la mítica banda setentera Dust conformada por Richie Wise,Kenny Aaronson y Marc Bell, quien después sería conocido por su trabajo con The Ramones. Las afiladas guitarras de Garrett Sweeny y Phil Caivano nos bombardean sin clemencia bajo un tiroteo en estéreo muy interesante. Al unísono, las líneas de bajo en manos de Alec Morton ofrecen una base perfecta para que a cada pausa marcada por las estrofas la voz de Dave Wyndorf se luzcan en su esplendor mientras escuchamos líricas que reflexionan sobre la muerte. Por si fuera poco el trabajo de Bob Pantella en las percusiones no hace extrañar a lo logrado por el temprano Marky Ramone, ofreciendo de esta manera la fuerza necesaria dentro de un track que se distingue por sus fuertes cambios melódicos. Tras la escucha de este tributo, nos queda claro cómo el sonido de Monster Magnet ha alcanzado su estruendo e intensidad mientras bebe directamente del subterráneo sonido del hard rock áspero del pasado, aquel que es necesario rescatar del olvido.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-MdnL-CQ3H8E/YMFPUbqS0mI/AAAAAAAAPvE/AK6SvY9BKgw8_7UvFeA_i5hN72VwzHc_gCLcBGAsYHQ/s971/monster-magnet-learning-to-die.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="537" data-original-width="971" height="221" src="https://1.bp.blogspot.com/-MdnL-CQ3H8E/YMFPUbqS0mI/AAAAAAAAPvE/AK6SvY9BKgw8_7UvFeA_i5hN72VwzHc_gCLcBGAsYHQ/w400-h221/monster-magnet-learning-to-die.jpg" width="400" /></a></div><br /><p><i>A better dystopia </i>puede ser considerada una cápsula en el tiempo, una posibilidad de retorno bajo la perspectiva de la actualidad sonora, o quizá también, una justificación auditiva que hace explícitas las influencias y las herencias. Sin embargo, el último álbum de estudio de Monster Magnet logra de manera irónica colocar nuevamente a la banda bajo los reflectores mientras se establece su sonido a través de una serie de canciones que tuvieron su momento y ahora vuelven a la luz bajo un audiorama definido por uno de los grupos más fundamentales dentro de la escena stoner de la costa este norteamericana. El pretexto ideal para rascar en la tierra por aquellos tesoros perdidos se encuentra ante nosotros, ahora es el momento afinar el oído mientras disfrutamos el propio regreso de Dave Wyndorf en este plano de la realidad...</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/--jYF6DXX9Nc/YMFO5chRI8I/AAAAAAAAPu8/A-LrI2ea15w0E3hCklongXzqs9qMfOWCgCLcBGAsYHQ/s1500/A13%252B6fsllWS._SL1500_.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1477" data-original-width="1500" height="394" src="https://1.bp.blogspot.com/--jYF6DXX9Nc/YMFO5chRI8I/AAAAAAAAPu8/A-LrI2ea15w0E3hCklongXzqs9qMfOWCgCLcBGAsYHQ/w400-h394/A13%252B6fsllWS._SL1500_.jpg" width="400" /></a></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-50460800676342681072021-06-03T05:00:00.001-07:002021-06-03T05:00:00.169-07:00Dunbarrow : un onírico navío que surca aguas de zozobra<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-JT2J7MVpL6U/YLYi0eKCA_I/AAAAAAAAPr8/uBXKbeIJ9LURMOw14GaEmbZiWyXpY1TdwCLcBGAsYHQ/s2048/184131517_255530439338427_8452326470094006330_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="2048" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-JT2J7MVpL6U/YLYi0eKCA_I/AAAAAAAAPr8/uBXKbeIJ9LURMOw14GaEmbZiWyXpY1TdwCLcBGAsYHQ/s320/184131517_255530439338427_8452326470094006330_n.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Misteriosos y lúgubres personajes se asoman a través de aquella imponente ilustración. Su retadora pose es tan amenazante que hasta podríamos esperar que en cualquier instante salieran del plano para venir a nuestra caza y degollarnos. Aunque oculten sus intensiones, esos terribles individuos muestran los horrores y esfuerzos de una vida azarosa llena de intrigas y desazón que han sido lanzados a la mar de la vida. Nuestra mente juega alrededor de un millón de historias alrededor de una imagen, pero el sonido que en su interior se resguarda nos tomará de la mano hacia una lúgubre aventura que sabrá orientar nuestro navegar dentro de aquel onírico navío que surca aguas de zozobra. </p><p>Tras aquella impresionante ilustración de corsarios, encontramos una desgarradora colección de relatos sombríos musicalizados por Dunbarrow, aquella banda noruega que ya en dos ocasiones anteriores nos han maravillado los tímpanos gracias a su proto-doom vintage que sabe construir lúgubres atmósferas donde la incertidumbre y la melancolía se posa para reinar con todo su poder. Armonías concisas que saben acompañar esas líricas misteriosas que se levantan frente a nosotros para hablar sobre los sentimientos obscuros del hombre ante la soledad, la impotencia y lo desconocido. </p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-j1NOdofO1QM/YLYx1qFV_6I/AAAAAAAAPsE/VSSUIyNSQ6wmCLwA3NgBCfMSCC5W77saQCLcBGAsYHQ/s961/0023005469_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="582" data-original-width="961" height="243" src="https://1.bp.blogspot.com/-j1NOdofO1QM/YLYx1qFV_6I/AAAAAAAAPsE/VSSUIyNSQ6wmCLwA3NgBCfMSCC5W77saQCLcBGAsYHQ/w400-h243/0023005469_10.jpg" width="400" /></a></div><p><i>III </i>es un hermoso disco de contundentes melodías y letras hirientes. Sin salirse de la fórmula sonora lograda en en su debut más aquel manejo introspectivo sobre contar historias reflexivas del individuo y sus monstruos interiores que escuchamos en <i>II</i> (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2018/10/dunbarrow-el-sombrio-e-introspectivo.html">reseña-review</a>), Dunbarrow nos ofrece en su tercer entrega un material más sombrío en sus líricas, pero de manera irónica, más directo en su composición gracias a sus riffs hipnóticos y armonías que obligan al escucha a levantar su copa para entonar los adictivos estribillos. Aún así, las borrascosas tierras narradas por el quinteto de Haugesund requieren ser alcanzadas y conquistadas tras una complicada navegación por mares turbulentos y pantanosas marismas.</p><p>Mientras una tenue llovizna cae, las guitarras comienzan su lacónico canto hasta crear un denso ambiente que nos obliga a prestar atención ante el inminente peligro. De manera inesperada, todo se transforma en una melodía infecciosa donde la muerte se pasea de manera graciosa a través del relato cantado a forma de juglar por Espen Andersen bajo el sugerente título de "Death that never dies". Este inaugural track nos ofrece un golpe certero al contener en su constitución diversos elementos armónicos que cambian de manera constante, logrando finalmente crear una tensión en el escucha con la intención de mantener su interés hasta aquella climática coda de riff hipnótico que no cesa en repetirse una y otras mientras un piano hecho por el músico invitado Auver Gaaren juega sobre la improvisación salvaje.</p><div style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-C2-jEeV5t5Q/YLfL27v9jUI/AAAAAAAAPsU/RFu5Qo4_T_obxu-Coy4GeXaFLlDo95XqACLcBGAsYHQ/s2048/75464345_2644595722275045_7863767111007469568_n.jpg"><img border="0" data-original-height="1367" data-original-width="2048" height="268" src="https://1.bp.blogspot.com/-C2-jEeV5t5Q/YLfL27v9jUI/AAAAAAAAPsU/RFu5Qo4_T_obxu-Coy4GeXaFLlDo95XqACLcBGAsYHQ/w400-h268/75464345_2644595722275045_7863767111007469568_n.jpg" width="400" /></a></div><p>Luego de escuchar un arranca tan poderoso en su interpretación y tan impresionante en su consfrmación melódica, uno podría esperar ya pocas sorpresas en el resto del álbum, pero al lograr Dunbarrow establecer de manera definitiva su estilo, <i>III</i> tienen más momentos hermosos aguardando el instante preciso para ser revelados. Si bien es innegable que la congelante "Worms of winter" es un tributo directo al Black Sabbath más clásico a partir de su riff inicial y la línea melódica de su estrofa, el quinteto noruego encuentra la forma para crear una atmósfera propia para hacernos caer en su hechizo. Quizá "Lost forever" siga los mismos principios de composición, pero esta canción logra desmarcarse a través de baja su velocidad hasta lo abismal y rozar con el doom más clásico gracias a sus aletargados acordes secos y ásperos.</p><p>Sin embargo, <i>III </i>se distingue de sus antecesores por sus temas más crudos en su intensidad y por su sonido más actualizado sin perder aquel tufo vintage que se eleva desde los suelos gracias a sus composiciones míticas. Los riffs asesinos de "When it's all over" demuestran estas características, por lo que bien se podría en el track favorito de los amantes del proto-doom del nuevo siglo, aunque el tema tiene la capacidad de explotar otras venas sembradas por el primigenio heavy metal setentero. Aunque "Curse" busca mantener la misma esencia, este tema retorna sus pasos hacia el Dunbarrow de su álbum debut de largas líricas malditas e instrumentaciones que sólo sirven para acompañar la historia, aunque <i>III </i>todavía tiene elementos para sorprendernos gracias a la rastrera "Turns to dust" donde las guitarras de Erick Øvregård y Kenneth Lønning simulan un enjambre enojado que envuelve al oyente mientras las comprimidas notas graves del bajo de Sondre Berge recorren el mástil para ofrecer una vibración difícil de simular. Y si aún no tenemos elementos para sorprendernos, Dunbarrow nos ofrece una balada folk de sabores míticos y hasta medievales que poco a poco se sumerge en la zozobra general del álbum hasta ahogarnos en aguas abismales de las que será imposible escapar.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/kYI8iGsEbBw" width="320" youtube-src-id="kYI8iGsEbBw"></iframe></div><p>"<i>Fue en una noche fría y azotada por el viento muy alejada del camino y el trayecto. A través de la tierra árida fue mi vuelo desde la ira eterna del pecado. Más allá del paso de las inclinadas colinas, rara vez me detuve a descansar. Por encima de la línea de los árboles aún más respiró mi ardiente pecho.</i></p><p><i>Aunque mi viaje me lleve entre la montaña y el mar, en mi corazón estarás...</i></p><p><i>Hacia picos dentados tan cubiertos de nieve, ese peligro contenía cada paso, pero desde lejos brillaba una luz y dentro de una cueva me arrastré. Las luces continuaron desde lo profundo y me llevó a un santuario sobre el cual caen estruendosas aguas cristalinas, reflexiones reclinado.</i></p><p><i>A través de salas de piedra y árboles de verde, dentro de mi corazón estarás...</i></p><p><i>Y pronto esas voces me hablaron como una sombra formada desde la piedra, mi rosa imagen en el espejo desde la obscuridad la tenía que conocer</i></p><p><i>Ahí colgando desde un hilo sobre la escala que mis pecados midieron. Era espada, esa sombra se balancea sobre un pozo de tesoro...</i>" </p><p>Un alma desolada divaga entre sus pensamientos y la soledad hasta que la atmósfera se torna pesada y enrarecida. Certeros golpes bajo el control de Pål Gunnar Dale marcan el tiempo de una canción venenosa de guitarras cremosas que construyen una melodía entrecortada que de manera inmediata entra a las neuronas para no abandonarlas. "In my heart" tiene todos los elementos de un hard rock de medio tiempo que juega con el misterio y la desazón a partir de acordes bien colocados y una lírica que de manera inmediata nos recuerda los escenarios creados por Edgar Allan Poe a través de sus cuentos como "Corazón delator", "El retrato oval", "Berenice" o "Ligeia". Viejas imágenes a blanco y negro retomadas de aquel "Meshes of the afternoon" de Maya Deren retan a la imaginación mientras la tensión crece, permitiendo al mismo tiempo que cada una de las guitarras nos regalen un solo intenso y mágico. Ahí está el Espen Andersen narrando una tétrica historia que sólo Richard Chapell (ex-vocalista de la banda) podría escribir con aquella combinación de ambientes mórbidos y pensamientos aterradores. Sin duda, "In my heart" es la mejor manera de adentrarse a los espesos océanos del <i>III.</i></p><p><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://1.bp.blogspot.com/-x1u_zQWs43c/YLf7vUEQ6UI/AAAAAAAAPsc/NAmhN7ftAIAha67MM_rKIRVPd4MfpW7bgCLcBGAsYHQ/s1440/182287368_254487812776023_3543989742324563573_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1440" data-original-width="1440" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-x1u_zQWs43c/YLf7vUEQ6UI/AAAAAAAAPsc/NAmhN7ftAIAha67MM_rKIRVPd4MfpW7bgCLcBGAsYHQ/s320/182287368_254487812776023_3543989742324563573_n.jpg" /></a></i></div><i><br /></i>Dunbarrow ya no es una sorpresa para nadie, ya que sus dos discos anteriores nos mostraron a una banda madura bajo un concepto sonoro definido de temas inquietantes hechos bajo líricas llenas de zozobra y melodías interesantes que saben mutar para construir atmósferas obscuras. Sin embargo, la publicación de III a través de la disquera Blues for the Red Sun nos ha demostrado que la banda ha perfeccionado ese estilo para ofrecernos un material mágico que sabe jugar con nuestros sentimientos y pensamientos. Sin lugar a dudas hay temas que entran como cuchillos sin contemplación, pero también existen melodías que requieren mayor paciencia para ser degustadas con lentitud para lograr descifrar todos sus elementos ocultos. Para aquel que nunca se haya acercado a los noruegos de Dunbarrow, sólo nos resta decirle que se está perdiendo de una de las bandas más importantes del hard rock obscuro de Escandinavia, aquel que es heredero de Witchcraft y Graveyard, pero que hoy ha logrado superado su innegable legado...<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ihKdKyCRdyo/YLf-Dg5VDTI/AAAAAAAAPsk/S4yA_XSBGS8v1X1dhj7SnBt9vNHGvT9IgCLcBGAsYHQ/s2048/72477253_2644600865607864_7154706158337392640_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1367" data-original-width="2048" height="268" src="https://1.bp.blogspot.com/-ihKdKyCRdyo/YLf-Dg5VDTI/AAAAAAAAPsk/S4yA_XSBGS8v1X1dhj7SnBt9vNHGvT9IgCLcBGAsYHQ/w400-h268/72477253_2644600865607864_7154706158337392640_n.jpg" width="400" /></a></div><p></p>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-10626983740623134572021-05-28T05:30:00.001-07:002021-05-28T05:47:03.843-07:00Jess and the Ancient Ones : la siniestra y precipitada nostalgia nórdica<p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-5j1gN-PSGU0/YLDa-bPKOAI/AAAAAAAAPpw/owqO9Zmd0gEigzC39P8wxkiHol8dOknbwCLcBGAsYHQ/s2048/149038151_247337853626987_906877157498116082_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="2048" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-5j1gN-PSGU0/YLDa-bPKOAI/AAAAAAAAPpw/owqO9Zmd0gEigzC39P8wxkiHol8dOknbwCLcBGAsYHQ/s320/149038151_247337853626987_906877157498116082_n.jpg" /></a></div><p>Cuando una banda ha logrado establecer su sonido, cada nuevo álbum se puede convertir en un gran reto. Las decisiones se tornan complicadas al querer elegir entre mantener el estilo alcanzado o dar el siguiente paso en su evolución musical. Hoy nos encontramos con el cuarto álbum de estudio de Jess and the Ancient Ones, un grupo originario de Finlandia que se ha distinguido durante el paso de los años por ofrecer un hard psych con matices clásicos en base a teclados lisérgicos y guitarras afiladas, pero en esta ocasión han optado por revitalizar su propuesta sin perder la esencia que los identifica.</p><p><i>Vertigo</i> es una obvia continuación en lo alcanzado en <i>The horse and other weird tales</i> de diciembre de 2017. Si bien se pueden palpar texturas más actualizadas, el nuevo álbum mantiene aquel tufo vintage de psicodelia inspirada en el surf garage en perfecta combinación con ambientaciones místicas heredadas de las líricas obscuras del occult rock. Existe un constante halo de nostalgia dentro de la atmósfera general del material discográfico, pero dicha zozobra caen en una extraña contradicción con las psicotrópicas armonías infecciosas; provocando finalmente una sensación de confusión y adicción. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-TS473SksoWk/YLDbFBOcpiI/AAAAAAAAPp0/5F51E1GEhjAId_aTPzFbn-BaD9fDRWkFACLcBGAsYHQ/s2048/187252822_10158299612282877_6082246089096962214_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1365" data-original-width="2048" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-TS473SksoWk/YLDbFBOcpiI/AAAAAAAAPp0/5F51E1GEhjAId_aTPzFbn-BaD9fDRWkFACLcBGAsYHQ/w400-h266/187252822_10158299612282877_6082246089096962214_n.jpg" width="400" /></a></div><p>Publicado en mayo de 2021 a través de la disquera Svart Records, <i>Vertigo </i>supone un crecimiento para la banda de Finlandia gracias a la confección de temas elaborados con fuertes cambios melódicos, líricas angustiosas, diálogos intercalados entre los puentes sonoros, arreglos instrumentales interesantes y el hechizo de las voces de la hermosa bruja que sirve de referente obligado para la banda: Jasmin Saarela. Aun con ello, es necesario recorrer los pasillos multicolores que construye Jess and the Ancient Ones con mucho cuidado, ya que todo se puede tornar nebuloso y provocar el inevitable extravío.</p><p>Sin embargo, el gran responsable de que la banda ofrezca esta combinación adictiva es Thomas Corpse, aquel guitarrista de figuras hipnóticas de fuzz incisivo que escribe esas líricas fantasmagóricas como queda bien demostrado en la incendiaria "Burning of the velvet fires", la desbocada inauguración sonora de <i>Vertigo</i>. Para completar la escena, nos encontramos con los teclados de Timo Keinänen, quien al autonombrarse como Abrahammond comprendemos su valor en el estilo hipnótico de la banda; pero una vez que escuchamos "World paranormal", todo se transforme en una unidad indivisible que sabe crear canciones adictivas que en ningún momento pierden el interés por ser escuchadas.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-fx60evvitJQ/YLDbLJ_sQxI/AAAAAAAAPp4/C8XG9aKE0P0C3TKzXAeRCS5eJI9y3x6MgCLcBGAsYHQ/s2048/135713467_224452422582197_6586763809617124281_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1457" data-original-width="2048" height="285" src="https://1.bp.blogspot.com/-fx60evvitJQ/YLDbLJ_sQxI/AAAAAAAAPp4/C8XG9aKE0P0C3TKzXAeRCS5eJI9y3x6MgCLcBGAsYHQ/w400-h285/135713467_224452422582197_6586763809617124281_n.jpg" width="400" /></a></div><p>Jess and the Ancient Ones se complementa a través de su poderosa base rítmica soportada en la exactitud de las percusiones de Jussuf Af Grann y las graves líneas de bajo a cargo de Fast Jake, quienes muestran su trabajo en esa pequeña joya llamada "Love zombie", track que en su conformación brinda el suficiente espacio para que cada integrante de la banda pueda mostrar sus capacidades interpretativas y al mismo tiempo termine siendo una alocada carrera hacia la ultratumba. Algo semejante nos ocurre con "What's on your mind" cuando su melodía desbocada se arroja al abismo de su estribillo mientras se pregunta Jess que hay dentro de la cabeza del oyente como si se tratara de un reto... ¿o quizá una burla ante los efectos de las sustancias lisérgicas?</p><p><i>Vertigo</i> termina de manera sosegada a través de "Strange earth illusion", una larga melodía de once minutos y medio donde la banda de Finlandia nos muestra su cara más progresiva posible, ya que bien el track pasa por diversos y violentos cambios de intensidad como si se tratara de una pequeña suite que contiene en un su interior múltiples posibilidades sonoras bajo una misma historia. Sin embargo, el cuarto álbum contiene mucho más aire fresco que su colosal cierre en temas interesantes como "Born to kill" y su tensión sostenida jamás sofocada, aunque "Talking board" nos retorne a los primeros instantes del Jess and the Ancient Ones de psicodelia obscura contenida en aquel maravilloso EP debut de 2013, <i>Astral Sabbath</i> (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2015/08/astral-sabbat-de-jess-and-ancient-ones.html">reseña-review</a>).</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/WRtcHiVbZis" width="320" youtube-src-id="WRtcHiVbZis"></iframe></div><p>Bajo la misma estética retro-obscura que sirvió de plataforma sonora a la banda de Kuopio, <i>Vertigo </i>ofrece su primer mordida por medio de la incendiaria "Summer tripping man" y sus insistentes figuras que saben contenerse en los momentos precisos para otorgar múltiples colores a la interpretación. Aun así, por momentos parece que el track caerá en el abismo gracias a su loca carrera que parece nadie podrá detener, dejando de esta manera al pobre escucha ante una constante sensación de caída por un socavón. Y efectivamente, aquí es donde podemos comprender el nombre del álbum, pues la vehemencia y la aceleración de varios de sus temas provocan un mareo interno hasta que el descenso hacia nuestro propio interior se torna algo inevitable.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-iQ_lfPuqR0s/YLDljNU6BsI/AAAAAAAAPqE/rPUdkA67R18tfD2hxIPA9G85bapoBtniwCLcBGAsYHQ/s768/Jess-and-the-Ancient-Ones-blanco-y-negro-768x512.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="512" data-original-width="768" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-iQ_lfPuqR0s/YLDljNU6BsI/AAAAAAAAPqE/rPUdkA67R18tfD2hxIPA9G85bapoBtniwCLcBGAsYHQ/w400-h266/Jess-and-the-Ancient-Ones-blanco-y-negro-768x512.jpg" width="400" /></a></div><p>El trabajo visual de Giuliano di Girolamo realizado para "Summer tripping man" ofrece de manera concreta con sus ilustraciones lo que es el cuarto álbum de Jess and the Ancient Ones: un avión a máxima potencia que a la más mínima provocación deja caer sus proyectiles de destrucción masiva mientras la muerte cabalga a toda velocidad. Debemos tener cuidado, pues dejarnos llevar por la nebulosa portada de <i>Vertigo</i> hecha a base de una áspera imagen de un tornado grisáceo nos podría condicionar a la escucha de un álbum sombrío de música aletargada, pero una vez que baja la aguja sobre los surcos del vinilo, sabemos que estamos ante caleidoscópico derrumbe que sólo encontrará sosiego hasta lo último de su verdadera profundidad: el alma de quien se atreva a escucharlo. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-vWSlEOqv6jU/YLDls6EotOI/AAAAAAAAPqI/PKEqqrTr73wq36UqyU7dIbMLNrhMc06fACLcBGAsYHQ/s1280/jess-and-the-ancient-ones.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="853" data-original-width="1280" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-vWSlEOqv6jU/YLDls6EotOI/AAAAAAAAPqI/PKEqqrTr73wq36UqyU7dIbMLNrhMc06fACLcBGAsYHQ/w400-h266/jess-and-the-ancient-ones.jpg" width="400" /></a></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-13648062054300182402021-05-26T05:00:00.001-07:002021-05-26T05:04:05.523-07:00Bretus : entre el mito y la leyenda<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-65k49zpjUoc/YKuTV5OVXuI/AAAAAAAAPmE/Tmiw4WuFOWIDdyYh8xLemgJZLYT6JX0uQCLcBGAsYHQ/s1628/170391234_5326488517393343_4651578675319285825_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1470" data-original-width="1628" src="https://1.bp.blogspot.com/-65k49zpjUoc/YKuTV5OVXuI/AAAAAAAAPmE/Tmiw4WuFOWIDdyYh8xLemgJZLYT6JX0uQCLcBGAsYHQ/s320/170391234_5326488517393343_4651578675319285825_n.jpg" width="320" /></a></div><br /><p></p><p>La aparición de aquella enfermedad virulenta que ha tenido la capacidad de alcanzar la categoría de pandemia, ha ofrecido la oportunidad a la memoria para rescatar de sus rincones algunas imágenes y referentes sobre otras epidemias y horrores que han azotado al planeta. Las historias que han sido contadas desde los tiempos remotos, ofrecen relatos tétricos donde la imaginación hace mutar a la realidad hasta dotarle de una esencia mística y hasta que hace nacer del miedo y el temor a personajes y entidades de las cuales será imposible huir...</p><p>Luego de aquel momento de definición que significó <i>Aion Tetra</i> de 2019, la banda de doom clásico Bretus ha creado un álbum bajo los preceptos definidos de su estilo sonoro con la finalidad de ofrecer un audiorama a una selección de cuentos fantásticos y fantasmagóricos de su Italia natal. Si bien el cuarteto del ventoso puerto de Catanzaro se ha distinguido por crear una colección de odas inspiradas en las películas de horror y suspenso que forman parte del conocido cine giallo de gente como Mario Bava, Dario Argento o Lucio Fulci, pera esta ocasión el grupo se ha concentrado entre los mitos y las leyendas para lograr crear un disco ahogado en zozobra que a pesar de la pesadumbre no pierde su fuerza e intensidad a cada acorde realizado.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-RwErub2qgaI/YKuY4p_IN-I/AAAAAAAAPmM/WSeaSL9W1SgFam_b1cJfSiOSdDzoQnO-ACLcBGAsYHQ/s1599/band.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1599" height="300" src="https://1.bp.blogspot.com/-RwErub2qgaI/YKuY4p_IN-I/AAAAAAAAPmM/WSeaSL9W1SgFam_b1cJfSiOSdDzoQnO-ACLcBGAsYHQ/w400-h300/band.png" width="400" /></a></div><br /><p>Tras dos misteriosa notas sumergidas en la congoja total, el ambiente se transforma a partir del ruido eléctrico que hace explotar las bocinas en un primitivo doom de ritmo constante, que como si se tratara de una tormenta eléctrica a la mitad de la noche, ilumina de manera breve y fugaz a la pesada penumbra que se posa sobre nosotros. A través de la inaugural y poderosa "Celebration of gloom", nos encontramos ante <i>Magharia</i>, el quinto álbum de Bretus que ha sido publicado en mayo de 2021 por medio de las disqueras The Swamp Records (CD), Overdrive Records (Vinil) y Burning Coffin Records (cassette). Una vez escuchada esta afilada sentencia de melodía sostenida, la mordida suelta su veneno adictivo para evitar cualquier retorno posible de sus neblinas envolventes de sonido y terror.</p><p>Es innegable la influencia del cuarteto italiano con la vieja escuela del doom tradicional de bandas como Candlemass, Saint Vitus o Witchfinder General, pero poco a poco Bretus ha ido construido un estilo propio por medio de certeras melodías que utilizan como base ritmos aletargados creados a partir de colosales acordes y primitivas percusiones. Y para que no que quede alguna duda al respecto, <i>Magharia </i>nos ofrece en "Moonchild's scream" una muestra de su poder bajo su atmósfera sombría que los distingue mientras todo fluye hasta dejarnos abandonados y sumidos en la más densa obscuridad de los tan temidos bosques europeos a la mitad de la noche.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ngYlG5_vMIQ/YKvm-5WmwQI/AAAAAAAAPmU/z_FiMhK_9KwYDRFMFpjD6C6Nt745j5FMgCLcBGAsYHQ/s1252/153612191_5123083364400527_8301158556306374682_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1252" height="384" src="https://1.bp.blogspot.com/-ngYlG5_vMIQ/YKvm-5WmwQI/AAAAAAAAPmU/z_FiMhK_9KwYDRFMFpjD6C6Nt745j5FMgCLcBGAsYHQ/w400-h384/153612191_5123083364400527_8301158556306374682_n.jpg" width="400" /></a></div><p>Dentro del tufo sombrío y fantasmal que satura el <i>Magharia</i>, el álbum ofrece algunos instantes llenos luminosidad que, de manera irónica, le ofrece más poder y magia a su esencia tenebrosa. La intensidad de "Headless ghost" creada a partir de fuertes cambios melódicos, las armonías afiladas de "Sinful nun" o los sonidos distorsionados hasta el feedback de "The bridge of damnation" que contrastan a la perfección con su abismal tonada, son una muestra de la dicotomía perfecta que onstruye a su alrededor una niebla de intriga ante lo desconocido y los seres que lo habitan.</p><p>No podía faltar un un puente sonoro de remanso para generar suspenso y tensión, y ésto lo podemos escuchar en la breve "Necropass", quizá un minuto que ofrece la oportunidad para recuperar el aliento para seguir hacia este muestrario de fantasmas y almas en pena. Sin embargo, lo mejor se encuentra en el cierre de <i>Magharia </i>por medio del track que lo bautiza, pues luego de una introducción bajo los preceptos de "Necropass", escuchamos una melodía insistente que está escondida entre teclados y sintetizadores hechos por Ghenes al abandonar la guitarra y que no se habían mostrado en el resto anterior del álbum. El tema se transforma misteriosamente en una sucesión de acordes que denotan temor ante los secretos ocultos en la obscuridad, aunque va pasando el tiempo y todo se torna aun más extraño debido a los efectos sonoros sobre las percusiones de Striges. Ocultas se encuentran las cuatro hirientes cuerdas graves de Janos, las cuales no pierden la oportunidad de ofrecer un soporte al tema, aunque los constantes cambios melódicos se transforman en un verdadero reto, terminado todo en un largo pasaje instrumental que reta al amante del doom clásico para que rompa sus cadenas y se abra a nuevas posibilidades sonoras.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/zCLmdYdVsuc" width="320" youtube-src-id="zCLmdYdVsuc"></iframe></div><br /><p>Las guitarras toman el control y sólo nos queda la opción de recibir su vómito a través de las bocinas desgarradas. Riffs hirientes y concretos que saben clavarse en la mente para no abandonarla a pesar de su intensidad. Unos ligeros teclados dotan de mayor obscuridad hasta que finalmente que caemos rendidos y de rodillas ante una melodía venenosa sin mayores posibilidades de transformación. "Cursed island" tiene todos los elementos para convertirse en la primera mordida al <i>Magharia </i>gracias a su vigor constante donde fluyen entes misteriosos y seres fantasmales que alteran los sentidos hasta el grado de provocar su pérdida. La poderosa voz de Zagarus cruza el plano sonoro con su desgarradoras notas vocales mientras nos narra una historia tenebrosas de una isla maldita perdida a la mitad de la nada mientras todo se torna espantoso. Doom sin contemplaciones ni experimentaciones, sonidos abismales y desgarradores que son directos dardos a las neuronas.</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-FvetS8SFR4o/YKztTTrE9DI/AAAAAAAAPmc/ZRBpB3hEJcQM-YHVqVgZkblzId-0Su99gCLcBGAsYHQ/s1345/79880637_3329427693766112_9115518544694476800_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1068" data-original-width="1345" height="318" src="https://1.bp.blogspot.com/-FvetS8SFR4o/YKztTTrE9DI/AAAAAAAAPmc/ZRBpB3hEJcQM-YHVqVgZkblzId-0Su99gCLcBGAsYHQ/w400-h318/79880637_3329427693766112_9115518544694476800_n.jpg" width="400" /></a></div><br />Bretus ha creado otra obra de arte dentro de los sonidos obscuros ahogados en vehemencia, pero es necesario permitir el fluir de cada uno de sus temas para que poco a poco nos vayan creando una perfecta atmósfera de zozobra y nos coloque en la antesala de la ultratumba. <i>Magharia </i>repta por los suelos hasta que de manera inesperada te atrapa en un marasmo de sonidos y texturas ásperas del que será imposible escapar, aunque se requerirá tener la paciencia y los oídos finos para poder descifrar los secretos que resguarda en su interior. Permitamos que la música hable por sí sola mientras los portales del más se abren ante nosotros para dejar que deambulen por este plano de la realidad aquellas melancólicas entidades llenas de rabia, dolor y venganza...<p></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-6fkD0auke3g/YKzuCBRkJ7I/AAAAAAAAPmk/UxcmyHZ8U4Qca_MZ3qfcmbsSkeEY2zRVgCLcBGAsYHQ/s960/126908438_4706857572689777_4740308908372486938_n.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="368" data-original-width="960" height="154" src="https://1.bp.blogspot.com/-6fkD0auke3g/YKzuCBRkJ7I/AAAAAAAAPmk/UxcmyHZ8U4Qca_MZ3qfcmbsSkeEY2zRVgCLcBGAsYHQ/w400-h154/126908438_4706857572689777_4740308908372486938_n.png" width="400" /></a></div><br /><i><br /></i><p></p>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-88121417410034950502021-05-24T05:00:00.001-07:002021-05-24T05:29:01.229-07:00Wedge : como si no hubiera un mañana<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-h6yV6gb0QtY/YKb5Cv3XpSI/AAAAAAAAPlE/2qo4JicT1BckIuxTl6jkEuB53r82sS38wCLcBGAsYHQ/s1024/a1624377084_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1022" data-original-width="1024" src="https://1.bp.blogspot.com/-h6yV6gb0QtY/YKb5Cv3XpSI/AAAAAAAAPlE/2qo4JicT1BckIuxTl6jkEuB53r82sS38wCLcBGAsYHQ/s320/a1624377084_10.jpg" width="320" /></a></div><br /><p></p><p>Jugar con los planos temporales es una actividad que hacemos en todo momento, ya sea cuando recordamos el pasado, cuando vivimos el presente o cuando nos imaginamos el futuro. Sin embargo, existe un imperativo que dicta la emergencia constante por vivir el instante, ya que el riesgo acecha a cada rincón. Al eliminar lo que puede pasar en una próxima ocasión, todo queda reducido al eterno momento. Sin remedio posible, ahora sólo nos queda devorar la realidad a cada segundo, quizá, antes de que todo desaparezca sin la posibilidad de retornar a ello.</p><p>Bajo esta primera idea, nos encontramos con el tercer álbum de la banda alemana Wedge, que a través del sugerente título <i>Like no tomorrow</i>, nos incita a digerir de manera inmediata sus cuarenta minutos de duración contenidos en ocho incendiarios tracks antes de los tiempos pandémicos nos quiten la oportunidad; pero si uno se detiene a reflexionar la frase que nombra al disco, descubrimos que todo queda en un inteligente juego de palabras...</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-X3n6wDyihYo/YKb_9bM7wjI/AAAAAAAAPlM/K6jDRm2KpVIDYErsEC9gy6mTTwgMGhgcACLcBGAsYHQ/s1600/132295591_3734516236569516_8470492886375654589_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-X3n6wDyihYo/YKb_9bM7wjI/AAAAAAAAPlM/K6jDRm2KpVIDYErsEC9gy6mTTwgMGhgcACLcBGAsYHQ/w400-h400/132295591_3734516236569516_8470492886375654589_n.jpg" width="400" /></a></div><p>Como bien lo sabemos, el trío de Berlín es una banda que nos ofrece un hard rock directo y sin contemplaciones a través de un esquema vintage donde fluye los recuerdos sonoros de Grand Funk Railroad, Uriah Heep, Humble Pie o Cream. Cuando tuvimos la oportunidad de escribir sobre su debut (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2015/06/61-sg-de-wedge-rock-revival-al-estilo.html">reseña-review</a>), además de su continuación titulada <i>Killing Tongue</i> de febrero de 2018 (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2018/02/wedge-la-hostia-consagrada-del-hard.html">reseña-review</a>), descubrimos a un grupo amante de lo retro que se aferraba a recuperar los viejos acordes mientras les ofrecía su propio toque. Siendo de esta manera, lo único que nos queda para comprender el título de su última producción es que, precísamente, no hay mañana porque todo lo que podremos escuchar en su interior es ayer.</p><p>Ya con esta premisa comprendida, emprendemos el viaje al pasado a partir de la inaugural "Computer" con aquel incendiario riff inicial, que como inagotable fuente de notas, nos ofrece un ritmo desbocado que de manera inesperada se hace entrecortada a través de una estrofa feroz. No ha pasado más de un minutos y de manera inmediata nos enfrentamos con la versión más salvaje de Wedge, logrando de esta forma rescatar los mejores elementos de sus dos álbumes anteriores. El sabor a rock setentero de teclados hipnóticos es innegable, pero es necesario ir más allá para poder descubrir que los alemanes intentan crear un track más grande a partir con aquellas semillas de heavy metal que podemos escuchar con su impresionante solo de guitarra hecho a dos canales, aunque es imposible hacer a un lado aquellos juegos de bajo saturado que son una delicia hacia la parte media de este tema inaugural.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-lEetPDjJXsU/YKj1B4Mg-TI/AAAAAAAAPlY/8S0oX9yzZL8DoDqhCyteyDf0KJ7-pj8hwCLcBGAsYHQ/s2048/129463775_3685327708155036_7256302200297561170_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1365" data-original-width="2048" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-lEetPDjJXsU/YKj1B4Mg-TI/AAAAAAAAPlY/8S0oX9yzZL8DoDqhCyteyDf0KJ7-pj8hwCLcBGAsYHQ/w400-h266/129463775_3685327708155036_7256302200297561170_n.jpg" width="400" /></a></div><p>Ante colosal entrada, quizá el resto del material podría resultar innecesario, pero las afiladas guitarras de Kyryk Drewinski que dan soporte a "Playing a role" permiten situarnos ante una banda que hace temas directos que se permiten hacer divagues instrumentales cuando las condiciones son las precisas. Una vez demostradas las capacidades de Wedge en tan solo dos tracks, "Blood red wine" baja la intensidad para ofrecernos una melodía llena de zozobra construida a través de figuras rebuscadas y entrecortados acordes que logran subir la intensidad al ambiente. Y aunque <i>Like no tomorrow </i>fluye de manera natural pista a pista, "Across the water" rompe la esencia del álbum con una armonía que retorna al misticismo psicodélico donde los aires californianos se pueden sentir en una canción introspectiva de melodía domada y autoreflexión asegurada cuando David Götz abandona las cuatro cuerdas y se dedica a crear ambientes oníricos con su teclado.</p><p>Al dar la vuelta al plato, el tercer disco de Wedge nos reserva otra dosis de rock setentero sencillo con tintes sureños de la mano de "U'n'L", un tema sencillo donde destaca el paneado solo de guitarra de Kyryk. Por si fuera poco, escuchamos enseguida una baladilla retrospectiva titulada "At the speed of life" que, a partir de la obvia referencia al paso del tiempo por medio de las estaciones del año, poco a poco nos envuelve en su dulce embeleso hasta que termina ofreciendo algunos detalles lisérgicos que logran crear aquel tufo vintage general del álbum. Finalmente, <i>Like no tomorrow </i>cierra de manera magnificente por medio de los nueve minutos de su "Soldier", un largo pasaje de psicodelia que se eleva poco a poco como neblina por la mañana y que de manera inevitable nos ofrece visiones de la guerra de Vietnam o, dentro del cliché filmico, un enigmático paseo de río arriba entre un salvaje clima subtropical bajo las órdenes del capitan Willard como ocurre en <i>Apocalypse Now</i>. Sin embargo, "Soldier" tiene tan espacio en su interior, que la canción desarrolla diversos pasajes al grado de que puede pasar sin mayores complicaciones de los someros devaneos instrumentales a los secos acordes colosales llenos de poder y fraseos concretos.</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/WmRZOg6A__o" width="320" youtube-src-id="WmRZOg6A__o"></iframe></div><br /> Y aunque <i>Like no tomorrow </i>es un álbum ambicioso en sus insistentes arreglos y constantes cambios melódicos de cada uno de sus tracks, "Queen of the night" destaca gracias a su simplicidad rocanrolera y su explosión armónica que obliga a mantener nuestra atención dentro de sus cuatro minutos de duración. Es irresistible la tentación de Wedge de hacer puentes musicales donde las atmósferas originales de las canciones terminan siendo transformadas de manera radical, "Queen of the night" retorna constantemente a su figura inicial e incendiaria donde la incesante batería de Holger Grosser sirve de referencia rítmica donde se soporta la desbocada armonía. Ahí están los arreglos de teclados y los pasajes instrumentales ahogados en referencias pasadas, pero todo se torna sencillo gracias a una lírica descriptiva sobre su remisión femenina que sabe devorar todo a su alrededor. Efectivamente, aquí tenemos al Wedge en su mayor expresión sin excesos ni retoques...<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-KyRh462Jgxg/YKj9zXAR7nI/AAAAAAAAPlg/Q__MdZCJ0Ps0Lenoi8Xb3RJWmgsrrWe3wCLcBGAsYHQ/s1446/134902823_3759959100691896_8013747080980611245_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1446" data-original-width="1066" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-KyRh462Jgxg/YKj9zXAR7nI/AAAAAAAAPlg/Q__MdZCJ0Ps0Lenoi8Xb3RJWmgsrrWe3wCLcBGAsYHQ/w295-h400/134902823_3759959100691896_8013747080980611245_n.jpg" width="295" /></a></div><div><br /></div>Por increíble que parezca, y aprovechando el juego de dobles sentidos, en <i>Like no tomorrow n</i>o ha pasado el tiempo. En una primera instancia, el último disco de Wedge es un eterno retorno al rock clásico que intenta aferrarse a un pasado rico de posibilidades que sin embargo quedó atrapado en una burbuja de ilusión y pasión. Aún con ello, y con ellos nos referimos a nuestra segunda idea, <i>Like no tomorrow </i>requiere de paciencia para descubrir todos los elementos que lo componen más allá de las obvias referencias que remiten al ambiente vintage que siempre a caracterizado al trío de Berlín. Es necesario permitir que fluya el tiempo hasta que el álbum envejezca frente el frenesí y la maravilla de un disco recién publicado, para que de esta manera, podamos saborear de manera clara la calidad de cada uno de los ocho temas resguardados en este material discográfico. Regresemos la aguja sobre los surcos y volvamos a escuchar el <i>Like no tomorrow </i>hasta empaparnos de él...<div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-vZpj_SA0Sh0/YKj_1rCQbcI/AAAAAAAAPlo/QbhfOvoDdE8xAmiNjb1C0EEV_jmdWDRsACLcBGAsYHQ/s1600/122948186_3590249360996205_82773993310731218_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1033" data-original-width="1600" height="259" src="https://1.bp.blogspot.com/-vZpj_SA0Sh0/YKj_1rCQbcI/AAAAAAAAPlo/QbhfOvoDdE8xAmiNjb1C0EEV_jmdWDRsACLcBGAsYHQ/w400-h259/122948186_3590249360996205_82773993310731218_n.jpg" width="400" /></a></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-70854688930965629732021-05-21T05:03:00.001-07:002021-05-21T05:30:27.833-07:00Book of Wyrms : entre cantos de libertad, fantasía y cosmos<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-D8qqzVY7Qn4/YKVMf-Mc_4I/AAAAAAAAPkc/0JShVWFDYocgo2kwE0P7A4Bb7vEfn2vJwCLcBGAsYHQ/s1200/a1018995183_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-D8qqzVY7Qn4/YKVMf-Mc_4I/AAAAAAAAPkc/0JShVWFDYocgo2kwE0P7A4Bb7vEfn2vJwCLcBGAsYHQ/s320/a1018995183_10.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Escribir sobre un nuevo álbum publicado por una banda que ha establecido su sonido, supone la obligación de hacerlo a partir de una admiración por un material innovador donde la sorpresa al escuchar la reciente grabación, se convierte en algo obvio. Sin embargo, cuando se tiene la precaución de darle seguimiento al desarrollo de la agrupación tras una escucha detenida de sus producciones previas, aquellas características que los distinguen se convierten, más bien, en un deber que deberá ser cumplido en los nuevos tracks; pero que al mismo tiempo, se desarrollan nuevos senderos que pueden ser recorridos bajo la misa perspectiva auditiva. Así es el caso del <i>Occult new age</i> de Book of Wyrms... </p><p>El cuarteto de Richmond, Virginia, trabajó en la grabación de su tercer álbum completo durante el mes de diciembre de 2020, y bajo los preceptos con los que llamaron la atención previamente, los nuevos temas serían construidos a través de concisos riffs y líricas que versan sobre horror, ciencia ficción y fantasía. Aquel sabor a space-rock de Hawkwind en encuentro perfecto con el occult rock de Blood Ceremony se puede degustar de manera inmediata, logrando de esta manera la conformación de un estilo definido que se podría convertir en una prisión; aunque el valor de Book of Wyrms es tomar como punto de partida su sonido para componer nuevas melodías hasta llevarlas a nuevas posibilidades.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-BdSdplrwhlw/YKWMucpTL1I/AAAAAAAAPkk/5-gxtKDU3HcTpMYRPtbly8LO3tXtUOetACLcBGAsYHQ/s701/3540397984_photo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="671" data-original-width="701" height="383" src="https://1.bp.blogspot.com/-BdSdplrwhlw/YKWMucpTL1I/AAAAAAAAPkk/5-gxtKDU3HcTpMYRPtbly8LO3tXtUOetACLcBGAsYHQ/w400-h383/3540397984_photo.jpg" width="400" /></a></div><p>Al escuchar los contundentes rasgueos de "Hollerglobin" por medio de su figura aletargada y acordes sueltos, encontramos al Book of Wyrms en su estado más puro, donde las largas melodías de ásperos sonidos se transforman en oníricas ensoñaciones de líquidas improvisaciones y cósmicas visiones. Entre teclados intergalácticos y voces etéreas los minutos pasan entre devaneos y escapes sin control, aunque si escuchamos la imponente "Dracula practice", sabemos que nos encontramos ante una banda que puede hacer del proto-doom su base para crear verdaderos colosos que podrían intimidar a cualquiera dentro del género gracias a su imaginación armónica y las múltiples posibilidades que pueden desarrollar en una sola canción sin traicionar su esencia.</p><p>Sin embargo, <i>Occult new age </i>rompe con sus predecesores al ofrecer una colección de temas más cortos y directos donde el común denominador son los riffs pegajosos y, ¿por qué no?, hasta bailables. La inicial "Meteoric dagger" juega con una guitarra boogie lisérgica que a la menor provocación muta hacia la aspereza gracias a la destreza de Kyle Lewis. Si permitimos que el disco continúe sobre sus surcos, las bocinas nos sorprenden con un hard rock contundente llamado "Colossal yield", un track que cuando se decide levantar el vuelo, la guitarra juega nos ofrece una serie de extraños sonidos que varían entre figuras orientales y rayos caídos desde algún punto alejado del universo. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-P4aTUMAEPzg/YKWRFmHchvI/AAAAAAAAPks/Fnm3IB-5JRI2oY43x3iCtENarQqrAZI5ACLcBGAsYHQ/s750/129709075_2972162086349236_824074366532346756_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="521" data-original-width="750" height="278" src="https://1.bp.blogspot.com/-P4aTUMAEPzg/YKWRFmHchvI/AAAAAAAAPks/Fnm3IB-5JRI2oY43x3iCtENarQqrAZI5ACLcBGAsYHQ/w400-h278/129709075_2972162086349236_824074366532346756_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><p>La acústica "Albrionlilly" nos puede servir como un beve respiro dentro de la atmósfera pesada que ofrece el <i>Occult new age</i>, pero con tan sólo escuchar las graves y profundas líneas de bajo creadas por Jay Lindsay en "Keinehora", sabemos que retornamos ante una banda que sabe provocar la zozobra si se lo propone. Si a ello le sumamos los hipnóticos cantos de sirena que salen de las cuerdas vocales de Sarah Moore Lindsay, todo se puede tornar hasta tétrico y abismal.</p><p>Efectivamente, el tercer álbum completo de Book of Wyrms, el cual fue publicado en los primeros días de mayo de 2021 por medio de Desert Records, es un material que ronda por diversos lugares del amplio espectro del hard rock, ya sea desde los reflexivos sonidos progresivos hasta la psicodelia más pesada, pasando obviamente por el proto-doom y las semillas del heavy metal. Una muestra muy clara de estas múltiples posibilidades sonoras se encuentra en "Weatherworker", un track que inicia con una sueva progresión de acordes misteriosos que logran endurecerse hasta dotar de cuerpo a la melodía gracias al ritmo impuesto por la batería de Chris DeHaven; mismo que termina mutando en un hard psych de múltiples guitarras que se desintegran ante nosotros y sintetizadores de referencias intergalácticas. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/Fw4dATbrqBw" width="320" youtube-src-id="Fw4dATbrqBw"></iframe></div><p>"<i>Orando de rodillas en un templo construido por abejas, recolectando granos de vida para su santa reina. El poder hecho por patrones que sólo ellos pueden conocer, mata a los incrédulos con la cosecha que ellos siembran.</i></p><p><i>Oh nena, cuando gritas, bueno, tal vez verás lo que quiero decir. </i><i>Caos mágico, metasináptico...</i></p><p><i>Forzada a la geometría del robot, la apis encuentra su clave. Secretando aromas de amor, la colmena está lista para liberarse</i>"</p><p>Una guitarra cíclica entona sus acordes de forma viciosa hasta que el resto de los instrumentos encuentran la forma de construir la melodía que la acompañe, pero tras unos segundos de búsqueda infructuosa que termina siendo utilizada como introducción, todo se transforma en una adictiva persecución sonora de ritmo desbocado bajo las enseñanzas de Black Sabbath. Aún así, Book of Wyrms se las arregla para inyectar su estilo en "Speedball sorcerer" al adornar la canción con múltiples cambios y arreglos hechos con elementos psych y space. Con sólo cuatro minutos tenemos de manera clara los objetivos que marcaron la construcción del <i>Occult new age</i>, aunque por méritos propios, "Speedball sorcerer" sobresale del resto debido a su aguijón que inyecta su veneno y, al mismo tiempo, muestra todos los elementos sonoros que identifican al cuarteto de Virginia bajo el dulce sabor de la libertad y la magia. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-PqmrO8Fm_Jw/YKWZcsSKIOI/AAAAAAAAPk0/mhYub4jRTGsFJ1axj9O2xlZSDIBcPzgQwCLcBGAsYHQ/s1800/179843566_3095913970640713_1111119243212712955_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1800" data-original-width="1440" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-PqmrO8Fm_Jw/YKWZcsSKIOI/AAAAAAAAPk0/mhYub4jRTGsFJ1axj9O2xlZSDIBcPzgQwCLcBGAsYHQ/w320-h400/179843566_3095913970640713_1111119243212712955_n.jpg" width="320" /></a></div><div><br /></div>Los astros comienzan a alinearse y poco a poco están generando las condiciones para que los escenarios se abran, permitiendo así que álbumes como el <i>Occult new age </i>se puedan escuchar de forma directa. Pero mientras ello ocurre, es necesario que terminemos por descifrar cada uno de los elementos que conforman al material hasta que, tras su constante escucha, sus melodías en conjunto nos terminen por enganchar de manera irremediable. El último material presentado por Book of Wyrms tienen muchas aristas que le permitirán al escuchar entrar a él como si de distintas puertas se trataran, cada una a la medida de cada gusto; sin embargo, la banda tiene la capacidad de resguardar todas esas posibilidades sonoras bajo una misma intención que dota de unidad al disco gracias un estilo propio y sus líricas cubiertas por el velo de la fantasía. El reto ha sido lanzado... ¿quién se anima a aceptarlo?<div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-QnftdNO0HFE/YKWbucFTwSI/AAAAAAAAPk8/OHEzOjKz3uwwlax1cB6jqhLy3a8pwi7-ACLcBGAsYHQ/s1600/81109982_2648877968677651_8076645829298880512_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1066" data-original-width="1600" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-QnftdNO0HFE/YKWbucFTwSI/AAAAAAAAPk8/OHEzOjKz3uwwlax1cB6jqhLy3a8pwi7-ACLcBGAsYHQ/w400-h266/81109982_2648877968677651_8076645829298880512_n.jpg" width="400" /></a></div></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-53757974968657893402021-05-19T05:30:00.001-07:002021-05-19T05:30:39.056-07:00Greenleaf : cómo contener el estruendo dentro de una burbuja<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-O4s7nyh5sB8/YJ5znsNjsNI/AAAAAAAAPjY/M5jDORGzsaMkCyvpimXXRcFKNU5i8pgQQCLcBGAsYHQ/s1200/a1712910380_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-O4s7nyh5sB8/YJ5znsNjsNI/AAAAAAAAPjY/M5jDORGzsaMkCyvpimXXRcFKNU5i8pgQQCLcBGAsYHQ/s320/a1712910380_10.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Si existe una banda dentro del amplio audiorama de la escena sueca que tras una incesante búsqueda por un estilo propio estableciera un sonido inconfundible, esa es Greenleaf. A partir de aquel monstruo sonoro que es el <i>Rise above the meadow</i> de febrero de 2016, y sin olvidar su adictiva y contundente continuación <i>Hear the rivers</i> de noviembre de 2018 (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2018/11/greenleaf-bajo-el-dulce-sonido-de-un.html">reseña-review</a>), el cuarteto Borlänge ha conformado perfil acústico muy definido a través de una serie de melodías intensas que son expulsada por las bocinas por medio de un colosal estruendo al cual nadie podría pasar desapercibido. Sin embargo, ahora es el momento de dar el siguiente paso sobre aquel sendero escogido...</p><p>En marzo de 2021 fue presentado <i>Echoes from a mass</i>, un álbum editado por Napalm Records que se distingue por ofrecer etéreas y ruidosas atmósferas que poco a poco te van hechizando bajo un tufo a misterio y zozobra. Las colosales guitarras de Tommi Holappa se agolpan en las bocinas como si se tratara de un incesante zumbido, pero en el momento en que se encuentran los secos golpes de batería en manos de Sebastian Olsson y las profundas notas de bajo provocadas por Hans Fröhlich, todo se convierte en un cíclope de malignas intenciones. Tras esta referencias, ya podemos darnos una idea de lo que nos podemos encontrar.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-OkBXxmYCaGs/YKOxlbdKQUI/AAAAAAAAPjk/BjT78SOA7KkSNXcTTRyU5znF1umBjfxoQCLcBGAsYHQ/s960/131952353_254871019330024_467712386023413944_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="639" data-original-width="960" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-OkBXxmYCaGs/YKOxlbdKQUI/AAAAAAAAPjk/BjT78SOA7KkSNXcTTRyU5znF1umBjfxoQCLcBGAsYHQ/w400-h266/131952353_254871019330024_467712386023413944_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><p>Todo comienza con algunos acordes secos de guitarras ásperas que logran su despegue a través de unos nebulosos coros que le dan la bienvenida a Arvid Hällagård con su impresionante color vocal. El vacío cósmico se muestra frente a nosotros gracias a la inaugural "Tides", aunque su nula gravedad queda definitivamente suspendida cuando la meteórica "Love undone" suena a través de una melodía sencilla que sabe explotar las bocinas por medio de un estribillo adictivo bajo el espectro de diversos elementos llenos de misterio y duda. Quizá con ello podríamos predecir lo que resta en el <i>Echoes from a mass</i>, pero Greenleaf sabe mostrar sus cartas en el momento preciso, así que cuando escuchamos la rastrera "Needle in my eye" con aquellas figuras retenidas, sabemos que los suecos tienen dominado su estilo para saberlo dosificar y, finalmente, ofrecer un colorido bajo un sonido por más definido gracias al trabajo de Karl Daniel Lidén en la producción técnica.</p><p>Conforme van pasando cada uno de los tracks del <i>Echoes from a mass</i>, podemos comprender por qué Greenleaf es uno de los referentes fundamentales del stoner escandinavo, aunque al querer definirlo con la palabras todo se hace complicado, pues la esencia de la banda está en las sensaciones que despiertan a través del poder de su sonido, en las melodías que enganchan a la memoria de manera inmediata, en las líricas enigmáticas cubiertas por un espeso velo de misterio y en la atmósfera general de grandiosidad que se levanta frente a nosotros sin que nada se pueda hacer ante ello. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-axnRCPQR1MA/YKO10YBR7fI/AAAAAAAAPjs/VTxnoPw4eTYMdsdTMg3ONm5_4-yZHk_wwCLcBGAsYHQ/s1871/183950046_10222885515399836_5024359043022389659_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1294" data-original-width="1871" height="276" src="https://1.bp.blogspot.com/-axnRCPQR1MA/YKO10YBR7fI/AAAAAAAAPjs/VTxnoPw4eTYMdsdTMg3ONm5_4-yZHk_wwCLcBGAsYHQ/w400-h276/183950046_10222885515399836_5024359043022389659_n.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div>Ante el paso receloso y pensado de "Bury me my son", sólo podemos encontrar a un Greenleaf ahogado en zozobra, aunque aquel instante donde el distorsionado bajo se queda solo para ofrecer el preludio a un mágico solo de guitarra roto por el cambio de notas, nos hace comprender de manera clara lo que es el cuarteto sueco en el audiorama actual. Es imposible negarse al irresistible aguijón contenido en el juego melódico de "A hand of might", una alegre figura que se transforma en un demonio gracias al volumen; pero el hechizo de guitarras hipnóticas que explotan a la menor provocación que con el tiempo se han convertido en marca registrada de Greenleaf lo escuchamos en la inmediata "March on higher grounds", un tema de sonido contenido como si estuviera atrapado en una burbuja que mantiene el estruendo en una pequeña cápsula que sabe resguardar el eco de cada instrumento.<div><br /></div><div>Conforme nos acercamos al final del <i>Echoes from a mass</i>, quizá sólo podríamos esperar algunas variaciones a lo ya escuchado hasta el momento, pero siempre el cuarteto tiene un as guardado bajo la manga. "Hang on" es una encriptada alimaña que muestra sus dientes a pesar de estar embozada para obligarnos a cantar el estribillo con ella, "On wings of gold" sube el volumen a través de una contundente figura de percusiones prehistóricas y sobrevuelos de cuerdas electrificadas y coros cantados por arpías malignas, y "What have we become" baja finalmente la intensidad para ofrecernos una melodía hipnótica donde la guitarra de Holappa se adueña de todo hasta que permite que un somero acompañamiento siga la aletargada armonía. Esto es saber cómo acabar un álbum!!</div><div><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/G-h8ZtRhGlI" width="320" youtube-src-id="G-h8ZtRhGlI"></iframe></div><div><br /></div>"<i>Buen Dios, será mejor que escape a un lugar donde pueda ser libre, </i></div><div><i>encontrarme a mí mismo de otra manera y dejar los pensamientos que me han estado atormentando.</i></div><div><i>Y sí, no hay manera de quedarse, necesito un lugar al cual pertenezca,</i></div><div><i>encontrarme a mí mismo otro día y finalmente elegir lo correcto de lo equivocado.</i></div><div><br /></div><div>"<i>Buen Dios, será mejor que escape donde la tierra se encuentre con el mar</i></div><div><i>y encontrarme a mí mismo en una sombra sólida... en efecto,</i></div><div><i>Sí Dios, necesito un mejor camino a la casa donde pertenezco</i></div><div><i>donde la verdad sea tan clara como el día... ¡cuánto lo anhelo! </i></div><div><i><br /></i></div><div><i>En algún lugar a lo largo de esas líneas que hemos dibujado</i></div><div><i>perdí lo que pensaba lo que era verdad y ahora tengo que alejarme.</i></div><div><i><br /></i></div><div><i>Dios, mejor me alejo de tí</i></div><div><i>Buen Dios, será mejor que selle el día</i></div><div><i>Sólo hazlo como me gusta, tenlo de la manera que lo digo</i></div><div><i>y deja a los fantasmas que me han estado persiguiendo.</i></div><div><i>Sí, ahora hay otra forma.</i></div><div><i>He estado molesto por mucho tiempo</i></div><div><i>Las sombras de tu alma en mí se habrán ido</i></div><div><i>y correré y me esconderé.</i></div><div><i>¡Qué difícil es para ver los colores de otra forma en mí!</i></div><div><i><br /></i></div><div><div><i>En algún lugar a lo largo de esas líneas que hemos dibujado</i></div><div><i>perdí lo que pensaba lo que era verdad y ahora tengo que alejarme</i></div></div><div><i><br /></i></div><div><i>Dios, mejor me alejo de tí...</i>"</div><div><br /><p>Si queremos tener una pequeña muestra de lo que <i>Echoes from a mass </i>nos puede ofrecer sin hacer el recorrido que estas palabras han intentado hasta este momento, permitamos que Greenleaf nos convenza en tan sólo cuatro minutos y medio. "Good God I better run away" es una muestra del sonido stoner escandinavo creado a partir de una velocidad constante y un venenoso ritmo adictivo que es imposible de abandonar. Aquella sensación de huida que se palpa en cada acorde agitado intenta expresar lo que la lírica contiene, quizá un loco, desbocado y hasta absurdo escape frente al omnipotente. Sin embargo, este catártico reclamo pone en duda lo que hemos llamado "verdad" y termina por echar abajo cualquier creencia y esperanza vana. Una vez hecha la declaración, no hay marcha hacia atrás, así que lo único que queda es dejarse caer en un abismo mientras se aceptan las funestas consecuencias de aquella herejía...</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-pe2eFbZfa64/YKUC34YXmPI/AAAAAAAAPkI/HGZWZhqw-KcFkx2Skji-f9aJfYsjchaQwCLcBGAsYHQ/s1920/2020_greenleaf_band_background_HD_web.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="225" src="https://1.bp.blogspot.com/-pe2eFbZfa64/YKUC34YXmPI/AAAAAAAAPkI/HGZWZhqw-KcFkx2Skji-f9aJfYsjchaQwCLcBGAsYHQ/w400-h225/2020_greenleaf_band_background_HD_web.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Cuando una banda tiene tantos años trabajando puede ser difícil esperar que ofrezca algo nuevo, pero lo hecho por Greenleaf en su <i>Echoes from a mass</i> es una muestra que siempre existe un paso más para dar. Más allá de las etiquetas sonoras, los suecos han construido una colección de ásperos riffs pegajosos que caen en perfección con sus líricas incisivas, generando de esta manera una serie de atmósferas colosales que nos sumergen en historias explosivas que al mismo tiempo guardan un tufo de zozobra y duda. Por ello, es necesario regresar nuestros propios pasos sobre los surcos del <i>Echoes from a mass </i>para oir de manera más detenida entre las resonancias y reverberaciones con la finalidad de encontrar nuevos sentidos y, finalmente, maravillarnos otra vez con la gustosa escucha...</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-6czYSO9mAeU/YKUEjgcsVVI/AAAAAAAAPkU/sZxuHW5c76sgra_lDorkYnvFLQhbfDCuACLcBGAsYHQ/s1792/132590447_256227065861086_5572283216746467063_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1792" data-original-width="1792" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-6czYSO9mAeU/YKUEjgcsVVI/AAAAAAAAPkU/sZxuHW5c76sgra_lDorkYnvFLQhbfDCuACLcBGAsYHQ/w400-h400/132590447_256227065861086_5572283216746467063_n.jpg" width="400" /></a></div> <p></p></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-77424026432514829762021-05-14T05:00:00.002-07:002021-05-14T05:33:10.471-07:00Sonic Demon : la última bestia maldita de Italia<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-5wLPF3HTrjk/YJwh4lcuNCI/AAAAAAAAPik/GG7P8BHXLNgZJwDvGAKWdYH3Cq2l6oiLQCLcBGAsYHQ/s700/155817466_106092498203936_3822195700549118832_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-5wLPF3HTrjk/YJwh4lcuNCI/AAAAAAAAPik/GG7P8BHXLNgZJwDvGAKWdYH3Cq2l6oiLQCLcBGAsYHQ/s320/155817466_106092498203936_3822195700549118832_n.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>El aquelarre eléctrico se presenta ante nosotros de forma irremediable. El estruendo y la distorsión se toman de la mano con la única finalidad de bailar frente a un fuego ritual en honor al maligno. Gritos y alabanzas entonan odas que narran historias sobre obscuras ceremonias, sacrificios, sangre y venganza. Ante la ruidosa fogata, los pecados se muestran frente a nosotros con todo su poder y su insulto como si se tratara de una desfatacha insinuación más allá de la simple tentación. Mientras el sonido se desintegra poco a poco ante el ardor de una depravada lumbre llena de rabia y hambrienta de poder, el hombre se entrega de manera resignada hacia el encanto de un veneno adictivo ahogado en malicia.</p><p>A la luz de los primeros rayos de sol del año 2021, los estridentes acordes de la última bestia maldita de la ácida Italia se hicieron escuchar como si se tratara de un lamento distorsionado dispuesto a seducir los tímpanos de los amantes a los himnos dedicados al demonio. Bajo el nombre de Sonic Demon, nos encontramos ante una escandalosa banda que basa su sonido a través de agresivas guitarras ahogadas en saturación y percusiones violentas que nos proyectan a tiempos prehistóricos. Un velo de misterio se posa sobre este animal rastrero, pero ahora es nuestro menester desentrañar lo que hay en su interior mientras descubrimos sus intenciones.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Zj179iGNWzo/YJwwA0yL1wI/AAAAAAAAPis/Ex5K1zCiLsENjoUObmSXR01EY5hA9NKjgCLcBGAsYHQ/s2047/153053436_100619135417939_9144309047877395292_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2047" data-original-width="1742" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-Zj179iGNWzo/YJwwA0yL1wI/AAAAAAAAPis/Ex5K1zCiLsENjoUObmSXR01EY5hA9NKjgCLcBGAsYHQ/s320/153053436_100619135417939_9144309047877395292_n.jpg" /></a></div><p>Sonic Demon nace en el pandémico 2020 a través del encuentro de dos enigmáticos personajes autonombrados con las siglas A. y P. De dicha sociedad dual surgen la creación de una serie de armonías atmosféricas construídas a partir del ruido y la aspereza que desgarrada los tímpanos. La electricidad toma por asalto nuestras bocinas hasta lograr casi su destrucción, pero dentro de aquel muro de sonido se ocultan una serie de melodías lacónicas que hablan sobre los cultos demoniacos y la maldad oculta en ellos. </p><p>El dúo italiano ya había amenazado previamente a través de la publicación fugaz de dos demos: <i>Doom 2020</i> y <i>A thousand suns</i>, ambos materiales creados bajo una estética minimalista y baja fidelidad donde cada instrumento se fue sumando poco a poco como si se tratara de una sucesión de capas de sonido sucio que en conjunto lograba un áspero ambiente de acidez lisérgica y películas giallo. Entre largos pasajes instrumentales y una que otra voz forzada, van transcurriendo cada uno de sus track como si se tratara tan sólo de una antesala de todo lo que tenía Sonic Demon oculto bajo la manga.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-1MAFG8ZXrkc/YJxN8ono5aI/AAAAAAAAPi0/GcTI5RwHfoAu0-PUx9TGviudBQ9EAoLUwCLcBGAsYHQ/s700/155773131_106088808204305_6043607257314575839_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-1MAFG8ZXrkc/YJxN8ono5aI/AAAAAAAAPi0/GcTI5RwHfoAu0-PUx9TGviudBQ9EAoLUwCLcBGAsYHQ/s320/155773131_106088808204305_6043607257314575839_n.jpg" /></a></div><div><br /></div>Sin embargo, en el momento que fue publicado <i>Vendetta</i>, su álbum debut de enero de 2021, todo quedó revelado de manera obvia y desfatachada. Editado por las disqueras Forbidden Place Records, The Swamp Records y Majestic Mountain Records, este primer disco de Sonic Demon se distingue de sus previas muestras por su sonido más definido a pesar del desconcierto que define al estilo de la banda, pero quizá lo más importante lo podemos escuchar en la definición de los tonos graves que logran darle profundidad y cuerpo a cada uno de sus tracks. Lo anterior queda claramente demostrado cuando escuchamos "Revenge", tema que hace obvia referencia al título del material discográfico donde su viscosa y adictiva melodía explota en las bocinas mientras aprovecha el poder de la distorsión entre notas sueltas y acordes sostenidos.<div><br /></div><div>Si bien "Serpent witch" formaba parte del <i>Demo 2020</i>, la versión incluida en <i>Vendetta </i>es más agresiva y directa a través de sus ásperas notas y la intensidad de su interpretación ahogada entre tétricos efectos de sonido y obvia agresividad. "Cosmic eyes" está llamada a ser la pieza central de debut de Sonic Demon gracias a su colosal magnitud y sus cambios melódicos, los cuales demuestran que los italianos no sólo hacen ruido hipnótico a partir del hard psych, sino que también pueden jugar con los tiempos aletargados y pantanosos del stoner y el doom. El ruido distintivo que se entremezcla en las armonías de obligado baile salvaje se encuentra en "Freak trip", aunque bien podríamos considerar a "Blood and fire" como el track que define el estilo de los italianos a partir de su melodía ahogada en zozobra pero con una contundencia que nos recuerda la furia sonora de <a href="https://www.earthquakermexico.com/2017/12/electric-wizard-hasta-el-umbral-del.html">Electric Wizard</a>, la estridencia multicolor de <a href="https://www.earthquakermexico.com/2020/09/ball-el-acido-retorno-de-los-adoradores.html">Ball</a> y a aquella horda enferma de doom lisérgico sudamericano comandada por <a href="https://www.earthquakermexico.com/2017/01/mephistofeles-demonios-vampiresas-y.html">Mephistofeles</a>, <a href="https://www.earthquakermexico.com/2019/12/the-black-furs-el-blues-de-la-muerte.html">The Black Furs</a> y <a href="https://www.earthquakermexico.com/2019/04/arteaga-el-poder-y-la-magia-del-ritual.html">Arteaga</a>.</div><div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/wShnEoycpHA" width="320" youtube-src-id="wShnEoycpHA"></iframe></div><br /><p>El primer trabajo visual de Sonic Demon lo podemos observar a través del video que acompaña a "Black smoke", track inaugural de <i>Vendetta</i>. Mientras se presenta ante nuestra pantalla varios extractos de películas clásicas como <i>Häxen</i> de Benjamin Christensen o <i>La montaña sagrada</i> de Alejandro Jodorowsky en perfecta armonía con algunas imágenes cosmicas de satélites en órbita y estrellas en plena ebullición, escuchamos un riff lento ahogado en fuzz y reverberación que poco a poco nos arrastra a sus abismos. Tras una larga y ácida introducción, el dúo italiano acelera el paso hasta crear una melodía hipnótica que en su estribillo logra acercarse a los fundamentales preceptos de Tony Iommi. Mientras las vibraciones saturan nuestro audiorama, la guitarra toma el control para ofrecernos un solo elemental donde el wah se convierte en su referente principal. De esta manera, todo queda concentrado en ruido, efectos lisérgicos y el ángel caído que busca adeptos para su adoración.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-jSSa1bANbMI/YJxZoEUnAwI/AAAAAAAAPi8/ALzSSDWCn3UD7rOOVXy_nAmDB48yFGLZQCLcBGAsYHQ/s1080/181347266_134760512003801_5440492279888393684_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-jSSa1bANbMI/YJxZoEUnAwI/AAAAAAAAPi8/ALzSSDWCn3UD7rOOVXy_nAmDB48yFGLZQCLcBGAsYHQ/w400-h400/181347266_134760512003801_5440492279888393684_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><p>El misterio se posa sobre los integrantes de Sonic Demon, pero para contrarrestar el enigma que podría ser demasiado intrigante para una generación dependiente a la imagen, la banda se ha acercado al trabajo gráfico de Witchdoctor General, integrante de la lisérgica y escandalosa banda <a href="https://www.earthquakermexico.com/2017/09/devils-witches-la-guerra-y-el-sexo.html">Devil's Witches</a>. Aun sin ello, el dúo italiano tiene en su sonido toda la capacidad para llamar la atención del descuidado escucha gracias a la aspereza y los ganchos adictivos de sus melodías. Sin embargo, si una recomendación nos es permitida, para recorrer los escarpados senderos del <i>Vendetta</i> se requiere anda con pies de plomo y paso lento; ya que es facil extraviarse y caer sin remedio a sus barrancos interminables. Es necesario detenerse y permitir que aquel estruendo nos hable por sí mismo más allá de prejuicio y lugares comunes... el esfuerzo será seguramente recompensado.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-m1rAA7lkmUI/YJxb9L_kRNI/AAAAAAAAPjI/8jnsaX-_QfsnS9_8I3hnCwR686C6w02RACLcBGAsYHQ/s1440/184107094_135126268633892_1218392695845506952_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1440" data-original-width="1440" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-m1rAA7lkmUI/YJxb9L_kRNI/AAAAAAAAPjI/8jnsaX-_QfsnS9_8I3hnCwR686C6w02RACLcBGAsYHQ/s320/184107094_135126268633892_1218392695845506952_n.jpg" /></a></div></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-74745425925861226142021-05-12T05:26:00.002-07:002021-05-12T05:28:25.937-07:00La Era de Acuario : el onírico vuelo del ave fénix <p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-qggVGTH3_8k/YJaFjH-HDDI/AAAAAAAAPho/M0b6urQHtig1dv7mF7DlgOh-s-jbk6tAgCLcBGAsYHQ/s1200/a0065475163_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-qggVGTH3_8k/YJaFjH-HDDI/AAAAAAAAPho/M0b6urQHtig1dv7mF7DlgOh-s-jbk6tAgCLcBGAsYHQ/s320/a0065475163_10.jpg" /></a></div><br /><p></p><div>Incienso y menta, mística e introspección, ensoñación y extravío. La realidad queda evadida y las barreras del tiempo y el espacio terminan por ser eliminadas. Las aves que denotan la simplicidad y el frágil equilibrio natural se enfrenta irremediablemente con el poder eléctrico del fuzz áspero y los hipnóticos teclados ahogados en acidez lisérgica. Sean bienvenidos a la psicodelia de La Era de Acuario...</div><div><br /></div><div>Una hermosa portada elaborada Robin Gnista nos ofrece la bienvenida. El artista gráfico que ha impreso su sello en ilustraciones que observamos en álbumes de gente como <a href="https://www.earthquakermexico.com/2020/05/the-sonic-dawn.html">The Sonic Dawn</a>, <a href="http://earthquakermexico.blogspot.com/2018/08/black-elephant-la-metamorfosis-de-una.html">Black Elephant</a> o <a href="https://www.earthquakermexico.com/2020/05/datura4-los-multiples-rostros-de-una.html">Datura4</a>, nos deleita la mirada a través de sobrevuelos que rondan un perfil femenino con obvias referencias autóctonas mientras se pierde entre referencias cósmicas, psicotrópicas y orientales. Bajo esta visión psicodélica, nuestra imaginación ya puede ir saboreado hacia dónde se puede dirigir la travesía sonora a la que nos invita la banda mexicana formada en 2018 luego del re-encuentro y viejas rencillas entre Sabú Avilés y Ximena Gama.</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-6MqMoc2qU9w/YJkgTegw2jI/AAAAAAAAPhw/svVFWnBHNyYuk1Brfqi4BNZPYXi5ISs9QCLcBGAsYHQ/s1440/166119171_2977115495908997_355799566192208117_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1012" data-original-width="1440" height="281" src="https://1.bp.blogspot.com/-6MqMoc2qU9w/YJkgTegw2jI/AAAAAAAAPhw/svVFWnBHNyYuk1Brfqi4BNZPYXi5ISs9QCLcBGAsYHQ/w400-h281/166119171_2977115495908997_355799566192208117_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><div>El sello peruano Necio Records ha dado cobijo a la publicación del homónimo álbum debut de La Era de Acuario, un material que rescata los cuatro temas del EP de septiembre de 2019 <i>Lunar</i> y es acompañado además por cuatro nuevos temas más. Dicho material fue publicado en formato de vinilo en marzo de 2021, logrando así un sustento físico a la onírica propuesta de la banda mexicana que es necesario ser escuchada de manera detenida para descifrar su contenido y, al mismo tiempo, poder rescatar su valor más allá de las obvias referencias al pasado hippie de la California de los años 60's.</div><div><br /></div><div>Si bien podíamos imaginar los senderos que recorrería <i>La Era de Acuario </i>gracias al cover al "White rabbit de Jefferson Airplane hecho por el sexteto en compañía de las chicas de Ruido Rosa, el álbum desarrolla una psicodelia ahogada en distorsiones psicotrópicas y atmósferas etéreas al estilo de la banda danesa <a href="https://www.earthquakermexico.com/2016/10/baby-woodrose-con-las-puertas-abiertas.html">Baby Woodrose</a> y el rescate del sonido mágico del Strawberry Alarm Clock. Si tan sólo escuchamos "Bailando en el mar", de manera inmediata podemos escuchar aquellas reminiscencias del pop lisérgico caracterizado por voces femeninas que entonan dulces melodías hipnóticas, guitarras eléctricas llenas de ecos y distorsiones, teclados líquidos y atmosféricos; todo ello dentro de suaves bases melódicas que a la menor provocación se dejan caer hacia un tobogán caleidoscópico.</div><div><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ilxwRKDnr5M/YJkl6B6tYOI/AAAAAAAAPh4/rietaZD8ZFYps1Re2olX6Q7YRzR4z-8fACLcBGAsYHQ/s1280/134962596_2907528762867671_4551912525101061458_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="853" data-original-width="1280" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-ilxwRKDnr5M/YJkl6B6tYOI/AAAAAAAAPh4/rietaZD8ZFYps1Re2olX6Q7YRzR4z-8fACLcBGAsYHQ/w400-h266/134962596_2907528762867671_4551912525101061458_n.jpg" width="400" /></a></div><br />El viaje ácido está asegurado con tan sólo bajar la aguja sobre los surcos del álbum debut de La Era de Acuario. "Lunar" te toma de la mano para comenzar una odisea cósmica a través de una dulce melodía que busca evadir la realidad a través de una guitarra fuzz controlada ante la neblina multicolor que se levanta a nuestro alrededor. Sin embargo, si existe algo que distingue a este material es aquellas referencias a la vieja psicodelia sesentera que estaba basada en los sonidos místicos de Oriente de la Asia trascendental como se puede saborear en las guitarras que simulan tenues cítaras en "Etéreo" y "Orgón", sin olvidar el canto de las sirenas que se pierden entre efectos psicotrópicos y nos abducen hacia una época de experimentación sensorial, amor libre y la búsqueda de paz interior.</div><div><br /></div><div><i>La Era de Acuario </i>fue grabado de manera íntegra por el guitarrista Sabú Avilés en su estudio PsychOut, nombre que nos remite de manera obligatoria a la vieja película de 1968 protagonizada por Jack Nicholson. Sin embargo, la masterización del material se hizo en Madriguera Studio a través de Iván Alamza, quien es conocido por ser baterista de <a href="https://www.earthquakermexico.com/2016/09/apolo-tras-un-ano-de-guardian.html">Apolo</a>. Los resultados de este gran trabajo sonoro se puede demostrar en lo que podemos escuchar en la atmósfera inmersiva de "Agujero negro", donde la madre naturaleza se expresa a través del canto de las aves mientras cada instrumento va tomando su lugar exacto para atraparnos y engullirnos al cruzar su horizonte de sucesos. Por si fuera poco, el material discográfico es completado con dos covers interesantes, uno realizado al cantautor francés Jaques Dutronc por medio de una traducción al español de su "Hippie hippie hourra" y otro a la banda británica Status Quo con una versión a su primer single "Pictures of Matchstick Man" bajo el nombre de "Fotografía". </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/2R_7GtgnXM4" width="320" youtube-src-id="2R_7GtgnXM4"></iframe></div><div><br /></div>Más allá de lo nuevo que nos puede ofrecer la publicación del álbum debut de La Era de Acuario, es necesario retornar hacia aquel primer tema que significó su presentación al mundo. "Om Ganesh" fue presentada a finales de 2019 a través de un curioso video donde las imágenes de velas y burbujas de cristal que ofrecen misterio se entremezclaban con chicas bailando bajo un cierto toque kitch y luces cósmicas. Entre aquel extraño imaginario, surgía un tema de fuerte influencia psicodélica y ritmo hipnótico a partir de una melodía pegajosa que hablaba sobre una limpia espiritual y el resurgimiento de un nuevo ser como si se tratara de una reencarnación según la lógica hindú; lo que nos lleva de manera directa a la referencia de Ganesh, el señor de las multitudes que tiene la capacidad de eliminar los obstáculos y bajo su influencia se encuentran las artes. La armonía entrecortada nos toma de la mano hasta hechizarnos, pero cuando llegamos a su estribillo, todo se transforma en una dulce ensoñación de oníricos encantos donde todo fluye de manera integrada hasta lograr que los pies pierdan su soporte, quizá un viaje de múltiples posibilidades que de manera contradictoria extravía y encamina al mismo tiempo. <div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-VXidsyLZFSU/YJkvLrArd9I/AAAAAAAAPiA/guxGzEsQj_YLZdw0_2XnWG1VozD-MaiPgCLcBGAsYHQ/s1800/180040625_3001716916782188_698537197862423208_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1800" data-original-width="1440" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-VXidsyLZFSU/YJkvLrArd9I/AAAAAAAAPiA/guxGzEsQj_YLZdw0_2XnWG1VozD-MaiPgCLcBGAsYHQ/w320-h400/180040625_3001716916782188_698537197862423208_n.jpg" width="320" /></a></div><br />Aunque los indicios nos indicen algo distinto, estamos ante la conformación de La Era de Acuario. La banda comienza a soportar su base sonora a partir de integrantes definidos más allá de tener de manera clara su imagen y su estilo ótico. Bajo esta construcción, el grupo mexicano está creando una colección de melodías que poco a poco son mostradas al Universo como si de gotas de una inminente lluvia se trataran. Tendremos que dejar correr el tiempo para conocer lo que el destino le depara a este interesante y místico proyecto, pero por lo pronto, será momento de retornar la aguja sobre los surcos para que sus sonidos vuelvan a inundar el ambiente bajo aquella contradicción adictiva de dulce embeleso y eléctrico desgarre...</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-o9G1fs2bfW4/YJkveRGH9zI/AAAAAAAAPiI/Fn_4IJDhhcIJmAHMHHBMnx4S_OXpfDM9ACLcBGAsYHQ/s1764/165982565_2977114762575737_6802540085376924240_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1764" data-original-width="1764" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-o9G1fs2bfW4/YJkveRGH9zI/AAAAAAAAPiI/Fn_4IJDhhcIJmAHMHHBMnx4S_OXpfDM9ACLcBGAsYHQ/w400-h400/165982565_2977114762575737_6802540085376924240_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><div><br /><div><br /></div></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-64532681482754003772021-05-10T05:00:00.001-07:002021-05-10T05:49:35.330-07:00Here Lies Man : la dicotomía provocada por un extraño ritual<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-WcNTwpRETtU/YJUzkAhxcnI/AAAAAAAAPhA/unk8yxcZYkYNcYVBKeb4H2HpPV6QwuNEwCLcBGAsYHQ/s1200/a3282958052_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-WcNTwpRETtU/YJUzkAhxcnI/AAAAAAAAPhA/unk8yxcZYkYNcYVBKeb4H2HpPV6QwuNEwCLcBGAsYHQ/s320/a3282958052_10.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Cuando leemos reseñas y revisiones sobre lo hecho por la banda angelina de Here Lies Man, siempre encontraremos en la descripción aquella combinación que de principio se escucha extraña: riffs inspirados en Black Sabbath y bases sonora soportada en el Afrobeat. Desde la publicación de su homónimo álbum debut en abril de 2017, este cocktail explosivo e irreconciliable de origen se transformó en una plataforma expresiva que de manera inmediata llamaba la atención de cualquiera que tuviera la suerte de encontrarse con sus ondas sonoras, pero una vez superado el primer impacto, todo se podía convertir en baile mientras en sus melodías se podía degustar un cierto sabor a obscuridad y maldad. </p><p>Los años han pasado y la banda formada por la dupla de Marcos García y Geoff Mann en Los Ángeles, California se ha establecido de manera definitiva desde hace ya un tiempo a través del bajista John Paul Maramba y el tecladista Doug Organ. Sin embargo, bajo un concepto sonoro muy definido quizá fuera difícil construir de manera constante más material sin sonar repetitivo o hasta aburrido, pero al escuchar de manera detenida su cuarto álbum de estudio <i>Ritual Divination</i>, aquel presagio se elimina para ofrecernos un disco hipnótico que atrapa desde su primer acorde.</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-NG41tQcOGvc/YJU2yB9D-zI/AAAAAAAAPhI/OH5zfTQMTJcIlOTUCnpTJZ0aWMkdxDL7wCLcBGAsYHQ/s1080/34368869_973405942826454_37993383779631104_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-NG41tQcOGvc/YJU2yB9D-zI/AAAAAAAAPhI/OH5zfTQMTJcIlOTUCnpTJZ0aWMkdxDL7wCLcBGAsYHQ/w400-h400/34368869_973405942826454_37993383779631104_n.jpg" width="400" /></a></div><br />La leyenda cuenta que dentro de los descansos y ensayos de la banda de afrobeat Antibalas comandada por Amayo, el baterista Geoff Mann (quien también es hijo del jazzista Herbie Mann) comenzó a desarrollar nuevos sonidos junto con el guitarrista Marcos García, lo que los hizo abandonar a la banda y Nueva York hasta muchos años después para trasladarse a la soleada California y aprovechar su vieja esencia hippie. Tras aquella base de percusiones negras, se sumaron figuras de guitarras densas y teclados hipnóticos para crear un estilo único que hace coincidir en un mismo lugar el hard psych, el jazz actual, los ritmos nigerianos, la vibra latina y el poder del proto-doom.<p></p><p>Si bien en un principio Here Lies Man jugaba sobre más sobre las bases rítmicas que eran adornadas con distorsiones y sintetizadores atmosféricos, el sonido de la banda ha madurado para crear melodías sólidas que dejan por un momento el baile para centrarse en la fuerza y el sentimiento. Al escuchar la introducción "I told you (you shall die)", es imposible no degustar ese sabor a blues, pero el cuarteto recupera su estilo patentado al retornar a sus crudas figuras y las percusiones insistentes que te obligan a mover los pies hasta que todo explota por medio de un místico solo de guitara.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-3EDKC2E3hSM/YJU73m-t3BI/AAAAAAAAPhQ/DNYflr7ocMAxCDjOiF39dz_vF0dsQHirACLcBGAsYHQ/s1080/129588018_1744021035764937_8985111965481907743_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="569" data-original-width="1080" height="211" src="https://1.bp.blogspot.com/-3EDKC2E3hSM/YJU73m-t3BI/AAAAAAAAPhQ/DNYflr7ocMAxCDjOiF39dz_vF0dsQHirACLcBGAsYHQ/w400-h211/129588018_1744021035764937_8985111965481907743_n.jpg" width="400" /></a></div><p>Quizá más que en sus álbumes anteriores, en <i>Ritual Divination </i>se escucha una presencia primordial de los riffs incisivos y adictivos que saben clavar su aguijón y soltar su veneno. "Collector of vanities" es directa con esos acordes ásperos e hipnóticos, pero en su encuentro con los teclados profundos y las percusiones rebuscadas, todo cae bajo los dominios del grupo angelino. De manera similar nos ocurre con "What you see" y su pausada armonía, con policromática "Run away children" y sus notas que suben y bajan de manera insistente a través de cambios constantes de velocidad, con "You would not see from heaven" y sus figuras entrecortadas. </p><p>No hay duda que "I wander" y "Can't kill it" nos retorna hacia lo construido en los primeros discos de Here Lies Man a través de melodías hechas a partir de acordes y ritmos constantes, pero el cuarto disco de la banda tiene la capacidad de experimentar por medio de armonías tétricas que de manera inesperada se transforman en un gancho infeccioso y hasta alejado dentro su estilo, como ocurre en "Underland", "The fates have won" o en "Out goes the night", tres temas donde los juegos vocales se tornan muy importantes gracias a su presencia imponente hasta lograr abarcar todo el espectro auditivo. Una batería dentro de la ola surf en "Come inside" nos podría llevar hacia otros horizontes, pero los angelinos no permiten que el track se les escape de las manos al aterrizarlo con un ritmo obvio y constante que sabe regresar a su cause. Aun así, nos puede <i>Ritual Divination </i>ofrecer grandes sorpresas como en "Disappointed", tema que se transforma de forma radical gracias su aletargado y no menos misterioso puente sonoro, mismo que logra salir de su espasmo por medio de un subterráneo y ahogado solo de guitarra. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/faYPOsEQgdU" width="320" youtube-src-id="faYPOsEQgdU"></iframe></div><br /><p></p><p>"<i>Yendo lento, desapareciendo. Nadie se muestra, nadie cerca.</i></p><p><i>Los ojos cerrados van profundos en los mares. No sé qué duerme en mí.</i></p><p><i>¿A dónde voy? ¿Quién puede ver? Nadie sabe, podría ser yo.</i></p><p><i>Ningún sueño mejor que este. Nadie ve. Todas mis cartas para tí se van en estos sueños.</i></p><p><i>Ningún sueño mejor que este...</i>"</p><p>Si una hay un track que logra definir todo lo que es Here Lies Man dentro de su <i>Ritual Divination</i>, ese es el inaugural "In these dreams". Un paso marcial avanza sobre nosotros hasta que un riff poderoso como heredero obvio del hard rock setentero nos asalta. De manera inmediata, los teclados lisérgicos siguen la melodía y todo se convierte en una fiesta que invita al baile maldito mientras unas oníricas líricas provocan un extravío mayor. La batería busca unirse al aquelarre con sus juegos y rebuscadas figuras, pero todo queda en una ensoñación que nos hace dudar lo que es fantasía y realidad. Sin embargo, si algo podemos valorar de este tema, es su cambio de velocidad que sin lugar a dudas nos lleva al recuerdo del más básico proto-doom, logrando así que todo se torne misterioso bajo el umbral de los abismos nebulosos del Black Sabbath más clásico. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Bd92qOl4wN0/YJaB2CCYBNI/AAAAAAAAPhY/EKNmK4ks_98V_sT-I5mGMUaYmvwdWmWgACLcBGAsYHQ/s1920/67226515_2331211053806033_7164447693920534528_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1561" data-original-width="1920" height="325" src="https://1.bp.blogspot.com/-Bd92qOl4wN0/YJaB2CCYBNI/AAAAAAAAPhY/EKNmK4ks_98V_sT-I5mGMUaYmvwdWmWgACLcBGAsYHQ/w400-h325/67226515_2331211053806033_7164447693920534528_n.jpg" width="400" /></a></div><p><br /></p><p>Si quisiéramos las mejores frases para describir el cuarto álbum de Here Lies Man serían: estamos frente una extraña combinación de sonidos que provocan una dicotomía adictiva, la cual invita al baile desenfrenado y al deleite de las obscuras melodías que en su interior se resguardan. <i>Ritual Divination </i>tiene la capacidad de despertar sensaciones contradictorias, pero su belleza radica precisamente en ello. Por un momento podemos encontrarnos en un vaporoso éxtasis de baile y desenfreno, pero al siguiente nos encontramos ante abismales pasajes que provocan el extravío y la ensoñación. Quizá pueda sonar exagerado, pero al cuarteto afincado en Los Ángeles les ha tomado cuatro discos para alcanzar de manera clara y concisa aquella mezcla tan anunciada y prometida que algunos no podíamos encontrar completamente...</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/--aG6n7byZx0/YJaDrJWwUII/AAAAAAAAPhg/0tJs5lj73VMmhTThmD3w8kxaqTkPgTU6gCLcBGAsYHQ/s1440/121644998_1691188284381546_773745248686249019_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="760" data-original-width="1440" height="211" src="https://1.bp.blogspot.com/--aG6n7byZx0/YJaDrJWwUII/AAAAAAAAPhg/0tJs5lj73VMmhTThmD3w8kxaqTkPgTU6gCLcBGAsYHQ/w400-h211/121644998_1691188284381546_773745248686249019_n.jpg" width="400" /></a></div><br /> <p></p>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-16276396860541355752021-05-06T06:22:00.001-07:002021-05-06T06:22:43.284-07:00Spelljammer : cuando el ruido muta hacia una cruda travesía<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-xoZ9dSuHZoo/YIwBUgLv4NI/AAAAAAAAPfg/qnZVtXzK0KQAtLc5N7yFxOIWwbB0tV4YACLcBGAsYHQ/s1200/a0668222468_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-xoZ9dSuHZoo/YIwBUgLv4NI/AAAAAAAAPfg/qnZVtXzK0KQAtLc5N7yFxOIWwbB0tV4YACLcBGAsYHQ/s320/a0668222468_10.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Un ruido lento, distorsionado y muy pesado se escapa de aquellas bocinas como si se tratara de un viscoso líquido de fluir calmoso, un tardo paso como si se tratara de una eléctrica marcha funeral que poco a poco nos va atrapando hasta ahogarnos en su pesadumbre. Pero una vez ahogados en esa vibración flemática, cada una de las neuronas logran romper su sinapsis que las unes a otras con la intención de emprender un viaje interno simulando una implosión de la cual es imposible liberarse. De esta manera, semejando a un lisérgico embrujo, el desplazamiento íntimo termina diluyendo las barreras que separan a la realidad de la fantasía mientras el sonido no deja de herir los tímpanos con su volumen, intensidad y aspereza.</p><p>Efectivamente, ante tal descripción quizá sea que los oídos sensibles se acerquen a la propuesta sonora de la banda sueca Spelljammer. Sin embargo, para los escuchas aventureros y arriesgados que tienen la capacidad de enfrentarse al sonido violento de velocidad pausada y casi arrastrada, el <i>Abyssal Trip </i>puede convertirse en un gustoso reto gracias a sus escarpadas melodías y abismales profundidades construidas a partir de acordes sueltos que saben aprovechar la distorsión para dejar que las vibraciones floten en el ambiente hasta provocar el extravío. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-aijRDzs-SEY/YIwGfs1WCKI/AAAAAAAAPfo/s85wwOTpM9E1o26Ao85aWSn1peFxndf8ACLcBGAsYHQ/s960/120131009_10157576384243341_1272076929405203667_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="959" data-original-width="960" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-aijRDzs-SEY/YIwGfs1WCKI/AAAAAAAAPfo/s85wwOTpM9E1o26Ao85aWSn1peFxndf8ACLcBGAsYHQ/w400-h400/120131009_10157576384243341_1272076929405203667_n.jpg" width="400" /></a></div><p>El cuarto disco de Spelljammer fue publicado a finales de febrero de 2021 a través de Riding Easy Records. Sin perder esas espesas atmósferas construidas a partir de densos sonidos y pasmoso andar, para esta ocasión la banda sueca logra condesar su estilo que la identifica por medio de una líricas reflexivas que dotan a su música de un ambienta aún más profundo. Al dejar caer la aguja sobre los surcos que cruzan el track inaugural del álbum, de manera inmediata nos sumergimos en anegadas aguas que poco a poco se van despejando hasta lograr una definida melodía. "Bellwether" se arrastra por los suelos hasta que tras casi cuatro minutos, una voz se escapa del muro de sonido para dejar escuchar su lamento.</p><p>Las contundentes guitarras de Robert Sörling encuentran su perfecto complemento con la gravedad del bajo de Niklas Olsson y la precisión de aquellas arcaicas percusiones en manos de Jonatan Rimsbo. Sin embargo, tuvieron que pasar más de cinco años para que el trío de Estocolmo lograra condensar un material discográfico, pero sin lugar a dudas, la espera ha valido la pena al construir una áspera colección de melodías que se levantan frente a nosotros como colosos imperturbables bajo innumerables capas de ruido que son necesarias desprender una a una para lograr desmenuzar su contenido.</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-owfeYwcWwQo/YI_o2wMRekI/AAAAAAAAPgI/bx5n-dQGxX4fbhaSpdSZnUcfeuOWiXzUQCLcBGAsYHQ/s1440/80790677_10156782238708341_6796417744532144128_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1440" data-original-width="1440" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-owfeYwcWwQo/YI_o2wMRekI/AAAAAAAAPgI/bx5n-dQGxX4fbhaSpdSZnUcfeuOWiXzUQCLcBGAsYHQ/w400-h400/80790677_10156782238708341_6796417744532144128_n.jpg" width="400" /></a></div><br /> "Abyssal trip", track que le dota de nombre al álbum, es una muestra clara del claro encuentro entre lo pasmoso del doom con la distorsión pegajosa del stoner, lo que nos permite saborear algunos trazos cercanos a bandas como Sleep, Windhand o hasta sus paisanos Monolord. Entre sonidos lisérgicos de contundente fuerza, las líricas se filtran por las bocinas hasta ahogar al escucha a partir de un lento sopor y humo eléctrico del que es imposible quedar impávido, ya sea por la vibración, ya sea por el ruido o ya sea por lo colosal de su brutal encuentro; permitiendo de esta manera que las armonías cambien de intensidad al menor atisbo.<p></p><p>Lejos de lo que podríamos esperar, <i>Abyssal Trip </i>nos regala bellos pasajes que sirven de respiro ante las bestias sonoras que conforman el material discográfico, como bien podemos vivirlo en "Peregrine", aunque todo puede transformarse de manera radical bajo el resguardo frágil de un acorde que sufre su distorsión con tan sólo el anuncio previo de un feedback hiriente. "Silent riff" nos toma de mano para que de manera inmediata todo se torne desgarrador bajo su atmósfera obscura, quizá helada. Su imponente hipnotismo construido a través de figuras concretas y adictivas contrasta con la aletargada "Among the holy" y su terror cósmico que le dota de figura. Sin embargo, estos fuertes contrastes son los que logran que el cuarto álbum de Spelljammer provoque la cruda travesía, ya que a cada uno de sus rincones nos espera un sorpresa inesperada que de nuevo despierta nuestro interés para saber qué es lo que sigue más adelante.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/U0DyiIzMCug" width="320" youtube-src-id="U0DyiIzMCug"></iframe></div><p>Sin aún toda la descripción hecha hasta este momento sobre el <i>Abyssal Trip </i>no logra despertar un mórbido deseo al lector de estas líneas por ingresar a las aletargadas aguas de Spelljammer, quizá el minimalista video de "Lake" alcance el cometido. Siendo éste el track más violento del álbum, aquel extraño personaje enmascarado y endemoniado que observamos en las imágenes de su trabajo visual logra despertar nuestra intriga mientras el sonido nos destroza poco a poco sin piedad. Si bien el vértigo ocasionado en la visión nos puede perder de momento, "Lake" nos retorna a nuestro centro de gravedad a través de una lenta figura ahogada en doom tétrico como si se tratara de un homenaje al riff lord Tony Iommi. Por si fuera poco, el tema alcanza hacia su parte media un onírico puente sin distorsiones con cierto sabor a medio oriente que logra representar de manera sonora aquella metáfora del lago, un espacio físico líquido que denota tranquilidad; pero en manos de Spelljammer, podría entenderse como vacuidad , un vacío o suspensión ante lo desconocido, ante nuevos mundos. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Z0ZQbqB5pvA/YJKMp9GOQxI/AAAAAAAAPgs/1-7uzQFeKfUSiyr8DKWLqgldWK7IqaUigCLcBGAsYHQ/s1440/118347171_10157496299513341_816986203437809892_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1440" data-original-width="1440" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-Z0ZQbqB5pvA/YJKMp9GOQxI/AAAAAAAAPgs/1-7uzQFeKfUSiyr8DKWLqgldWK7IqaUigCLcBGAsYHQ/s320/118347171_10157496299513341_816986203437809892_n.jpg" /></a></div><br /><p>Como lo sugiere su título, "Abyssal trip" es una travesía épica por lugares desolados que son necesarios recorrer de manera lenta debido a la inmensidad que ofrecen, quizá una magnificencia que intimida al viajero pero que al mismo tiempo enamora a quien sabe saborear su ruidosa belleza. Spelljammer no abandona su idea fundamental de la búsqueda del hombre ante su destino final, pero su último álbum lleva esta idea hasta sus últimas consecuencias bajo el hechizo de un sonido contundente que tiene la capacidad de transportar, mutar y romper con todo lo que se encuentre a su paso. Una fuerza eléctrica recorre cada uno de los densos pasillos del "Abyssal trip" bajo la premisa de provocar el extravío del escucha, pero aquel que tenga la capacidad de caminar sobre ellos con pies de plomo, tendrá la posibilidad de descifrar su esencia...</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Wonyvs5g9lk/YJKN8MBQVFI/AAAAAAAAPg0/QRUV08s4Hs0Ap7rxmcYeVtL2brDw9Zv5wCLcBGAsYHQ/s1440/156387387_10157940073463341_108111508330987915_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1440" data-original-width="1440" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-Wonyvs5g9lk/YJKN8MBQVFI/AAAAAAAAPg0/QRUV08s4Hs0Ap7rxmcYeVtL2brDw9Zv5wCLcBGAsYHQ/w400-h400/156387387_10157940073463341_108111508330987915_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><p><br /></p>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-51138359506889026472021-05-03T05:50:00.001-07:002021-05-03T05:50:00.190-07:00Kabbalah: un presagio de horror, enfermedad y muerte<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-fGe9AxERl3I/YIlkz-uZ1mI/AAAAAAAAPew/5fNrQsfVK5QRx_tE1ZKKKySVNjujZBGoACLcBGAsYHQ/s700/a1670776132_16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-fGe9AxERl3I/YIlkz-uZ1mI/AAAAAAAAPew/5fNrQsfVK5QRx_tE1ZKKKySVNjujZBGoACLcBGAsYHQ/s320/a1670776132_16.jpg" /></a></div><br /><p></p><div style="text-align: left;">Las voces de la noche, aquellas que se ocultan bajo el manto de la obscuridad al resguardo de los frondosos árboles del bosque místico, entonan una lúgubre melodía para delatar lo que la mano del hombre ha roto su tranquilidad a través de las máquinas de la muerte y la destrucción. Su desarrollo se ha convertido en enfermedad, su evolución se ha tornado en polución, su crecimiento se ha transformado en su propia sentencia. Un fuego abrasador se extiende hasta donde alcanza nuestra vista mientras todo termina bajo el calor infernal que dejará tan sólo ceniza y polvo. Este es el hedor que provoca la fatalidad y aquellos los ruidos que surgen de la angustia y el dolor ante el final de la madre que los ha cobijado durante la eternidad.</div><div style="text-align: left;"><br /></div><div style="text-align: left;">Bajo el título de <i>The Omen</i>, la banda española Kabbalah retorna para ofrecernos sus hipnóticos himnos que invocan misterio, evocan tiempos antiguos y entonan las sensaciones que únicamente podría despertar el velo de la muerte cuando se posa frente a nosotros. Sin embargo, el regreso de las tres obscuras musas no está dedicado a describir esos lúgubres parajes descritos en su espectacular debut <i>Spectral ascent</i> de julio de 2017 (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2017/08/kabbalah-cuando-las-sirenas-le-cantan.html">reseña-review</a>), sino que este nuevo trabajo está construido bajo la premisa de ofrecer un presagio ante la llegada de la parca y todo aquello que puede despertar su interés y provocar su tan temida función. </div><div style="text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-vMnD2Xlkenc/YIlpXQ_fR-I/AAAAAAAAPe4/AW8PhI8huWA89WQ-6q0qYRWTHD26G3HyQCLcBGAsYHQ/s1535/28951180_960058240813886_1135492303981379584_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1535" data-original-width="1535" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-vMnD2Xlkenc/YIlpXQ_fR-I/AAAAAAAAPe4/AW8PhI8huWA89WQ-6q0qYRWTHD26G3HyQCLcBGAsYHQ/s320/28951180_960058240813886_1135492303981379584_n.jpg" /></a></div><br /><div style="text-align: left;">Si bien es cierto que se mantiene la esencia de occult rock con tintes psicodélicos de su debut, la banda de Pamplona ha madurado su estilo al crear un álbum equilibrado a partir de mantener su sonido consolidado mientras ofrece líricas más profundas a través de mensajes claros y denuncias devastadoras. Ahí está su áurea etérea creada por el juego vocal de las sirenas malditas, pero hoy su canto es más claro que en antaño y su dicho no es alentador, sino al contrario, se transforma en indicio de destrucción, un lamento lleno de dolor y una angustia ante lo irrevocable del destino que nosotros mismos nos hemos construido.</div><div style="text-align: left;"><br /></div><div style="text-align: left;"><i>The Omen </i>fue publicado en enero de 2021 a través de las disqueras Ripple Music, Rebel Waves Records y Stoner Witch Records, logrando de esta manera una mayor difusión del mismo. Sin emabrgo, no es sino hasta bajar la aguja en el vinilo cuando descubrimos que el material resguardado encaja a la perfección con la época pandémica y de enfermedad en la que nos encontramos: lo que bien podría convertirse en un soundtrack ideal pensado para provocar zozobra y desazón. La verdad se ha postrado frente a nosotros mientras se muestra con toda su realidad y su fuerza, logrando a través del sonido envolvente de las guitarras desgarradoras y la melodía hipnótica de su inaugural "Stigmatized", la construcción de un ambiente tétrico que sabe erizar la piel ante el macabro entorno que nos envuelve por la enfermedad virulenta.</div><div style="text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-DgMcNXBUboc/YImiiDzmgiI/AAAAAAAAPfI/G51NpNNwZ7wEEUfXcAKNwqJaws_qS7nrwCLcBGAsYHQ/s2048/122122800_1721129741373395_455345906721901774_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1202" data-original-width="2048" height="235" src="https://1.bp.blogspot.com/-DgMcNXBUboc/YImiiDzmgiI/AAAAAAAAPfI/G51NpNNwZ7wEEUfXcAKNwqJaws_qS7nrwCLcBGAsYHQ/w400-h235/122122800_1721129741373395_455345906721901774_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><div style="text-align: left;">Aun así, el segundo disco de Kabbalah sabe encontrar el momento preciso para golpear con su fuerza más allá de sus densas melodías ahogadas en pesadumbre. Los poderosos acordes de "The ritual" logran asestar el puñetazo en la cara mientras escuchamos una lírica que habla sobre un aquelarre y la entonación de un hechizo que busca paliar la muerte que acecha paso a paso. De forma similar, "Labyrith" nos hace correr despavoridos sobre los pasillos ruinosos de una estructura que resguarda en su interior a la mítica Ariadna, aunque todo termina desmoronándose sobre un descuidado Teseo gracias a la distorsión eléctrica que simula la fuerza de un imponente minotauro indestructible.</div><div style="text-align: left;"><br /></div><div style="text-align: left;">Sin embargo, la esencia del <i>The Omen </i>se encuentra en su mística obscura, en aquellas neblinas sonoras que envuelven al escucha hasta extraviarlo en la nada. Si bien "Duna" nos describe un obvio abandono bajo el asfixio del ardiente desierto, "Night comes near" nos retorna a los bosques encantados resguardados bajo el manto de la noche mientras su melodía no puede romper las cadenas e influencias del ya clásico debut de The Oath (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2015/08/the-oath-desde-las-entranas-de-la.html">reseña-review</a>) gracias a las guitarras frías, las voces tenues que sobrevuelan el escenario y los cortes secos que cambiar las armonías y dotan de fuerza a la canción misma. Y aunque "Lamentations" trabaja también sobre sonidos lúgubres que nos sumergen sobre abismos hasta abandonarnos en la antesala de ultratumba, "Liturgy" es el tema que logra amarrar el estilo de Kabbalah por medio de una batería tribal y una línea de bajo hechizante que terminan explotando ante la omnipresencia del fuzz y el embeleso de las brujas que ofrecen un sacrificio a las fuerzas del mal.</div><div style="text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/1O7rcZf4DCI" width="320" youtube-src-id="1O7rcZf4DCI"></iframe></div><div><br /></div><i>Esos ojos, rojos y ansiosos ojos</i><div><i>observan orquídeas morir</i></div><div><i>al borde de la extinción</i></div><div><i>el gran horror de la humanidad.</i></div><div><i>La higuera-catedral arde</i></div><div><i>los prehistóricos se han ido</i></div><div><i>y las viejas leyendas se han convertido en humo.</i></div><div><i><br /></i></div><div><i>La Tierra</i></div><div><i>y todas sus vidas antiguas</i></div><div><i>han terminado su tiempo.</i></div><div><i>Habitantes del bosque </i></div><div><i>huyendo del fuego.</i></div><div><i><br /></i><div><i>Ceibas cayendo, murciélagos ciegos cantando, cavando tumbas para árboles sagrados.</i></div><div><i>El humo negro se eleva, el perfume mortal, todo infectado por la enfermedad. </i></div><div><i>¿Qué viene después de los desastres naturales anunciados por las profecías de Nostradamus?</i></div><div><i>Fatal humo negro, perfume mortal, la raza humana es la enfermedad.</i></div><div><br /></div><div>El rostro de la parca nos observa con su terrible mirada para anunciarnos su fatídico cumplido, uno provocado por el propio género humano contra el mundo que lo rodea y contra sí mismo. Mientras las ilustraciones de David Bermúdez nos muestran aquel ardiente horror entre poderosos colores rojos y negros, una tenue guitarra inicial nos ofrece la línea melódica de "Ceibas" para después explotar en un conjunto de sonidos fuertes que poco a poco te hechizan hasta atraparte en su densa atmósfera. La guitarra fuzz de Alba y el bajo profundo de Marga se unen para crear una estridente figura al unísono mientras la batería de Carmen golpea, pero en el momento que las voces se unen para hablarnos de como la humanidad se ha transformado en la plaga de su hogar hasta dejarlo en cenizas, es cuando alcanzamos el clímax del tema. Esas tres siluetas misteriosas bajo un tétrico manto son imponentes, que como si se trataran de tres sacerdotes malditos dispuestos a dirigir una liturgia obscura, logran despertar una sensación de temor y misterio frente a un sonido hipnótico del cual es imposible escapar ante su embeleso.</div><div><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-CItSPN8AFig/YIv6yMJVaNI/AAAAAAAAPfQ/5VshY9rq4ns5fxfzFUK5Jvzh_VAyIftMACLcBGAsYHQ/s1214/120734881_1704880562998313_5602500939020991452_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="810" data-original-width="1214" height="268" src="https://1.bp.blogspot.com/-CItSPN8AFig/YIv6yMJVaNI/AAAAAAAAPfQ/5VshY9rq4ns5fxfzFUK5Jvzh_VAyIftMACLcBGAsYHQ/w400-h268/120734881_1704880562998313_5602500939020991452_n.jpg" width="400" /></a></div><br />Sin lugar a dudas, <i>The Omen </i>termina por confirmar la calidad de las tres chicas españolas gracias a sus líricas afiladas y su mórbida atmósfera sonora. Kabbalah se ha convertido en un referente obligado de los sonidos más tétricos del hard psych a partir de su pesado manto que cubre su obra de horror, enfermedad y muerte. Bajo una producción técnica que saben colocar cada elemento en su lugar, el segundo disco del grupo de Pamplona tienen todas las características necesarias para colocarse entre uno de los fundamentales del género mientras uno puede desgranar de manera detenida y gustosa cada uno de sus tracks sin perder su esencia. Los tres cráneos tienen entre sus restos aquel presagio que es obligatorio escuchar hasta el cansancio, o por lo menos, hasta que la pandemia nos permita escapar de nuestros aposentos y logremos zapar los océanos maldecidos con la intención de encontrarnos con el canto de aquellas tres negras sirenas... </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-jtW78S-K_Ww/YIv8i35Bu6I/AAAAAAAAPfY/5HqNxRheCc0u0b7SkBJEWTVo5A4j8opNwCLcBGAsYHQ/s1080/167156205_1851733834979651_5559578401320587867_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-jtW78S-K_Ww/YIv8i35Bu6I/AAAAAAAAPfY/5HqNxRheCc0u0b7SkBJEWTVo5A4j8opNwCLcBGAsYHQ/w400-h400/167156205_1851733834979651_5559578401320587867_n.jpg" width="400" /></a></div><div><div style="text-align: left;"><br /></div></div></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-4357156742941699982020-12-28T19:02:00.003-08:002020-12-29T10:49:07.533-08:00Hypernaut : la magnificencia del estruendo del sonido<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-6PTZDbeU3zg/X-qBUxgalQI/AAAAAAAAPY0/7Yxt3itER7U-1SwC7AtTgd1Cp9F8NXhPACLcBGAsYHQ/s1200/a2344954186_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-6PTZDbeU3zg/X-qBUxgalQI/AAAAAAAAPY0/7Yxt3itER7U-1SwC7AtTgd1Cp9F8NXhPACLcBGAsYHQ/s320/a2344954186_10.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>La ópera prima de una banda es la primera probada ofrecida al oyente ansioso, una muestra que servirá como referente obligado para todo lo que se ofrezca en el futuro. Existen trabajos que se elaboran de forma rápida con la intención de captar el dinamismo y la energía del momento como si se tratara de un producto crudo y sin pulir, pero también existen materiales que requieren de una mayor maduración con la finalidad de construir una obra definida a través de una expectativa concisa. Sin embargo, el uso de las redes sociales y la transformación del mundo musical ha quebrantado las reglas y los caminos establecidos para provocar que cada agrupación tome en sus propias manos la orientación de los pasos a seguir.</p><p>El arranque del camino de la banda peruana Hypernaut ha sido sinuoso entre esfuerzo por conformar una alineación definida que al mismo momento logre construir un estilo sonoro que le dote de identidad y unidad a sus composiciones. Si bien la semilla del grupo se encontraba en Bad Hombres, el contaste cambio de integrantes que a su vez modificaban el sonido terminaron por encaminar lo que hoy podemos escuchar en el recién publicado <i>Ozymandias</i>, pero es necesario comprender el largo recorrido de un tenaz joven para comprender por qué escuchamos lo que está contenido en el material discográfico que hoy es descrito en estas líneas.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-xMGkK-O7OKI/X-qOuneHrPI/AAAAAAAAPY8/e8Djndrgiao0fo8_bC0Gy_aiZwWggffxQCLcBGAsYHQ/s997/110717662_1543727749121324_4791095215321390270_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="520" data-original-width="997" height="209" src="https://1.bp.blogspot.com/-xMGkK-O7OKI/X-qOuneHrPI/AAAAAAAAPY8/e8Djndrgiao0fo8_bC0Gy_aiZwWggffxQCLcBGAsYHQ/w400-h209/110717662_1543727749121324_4791095215321390270_o.jpg" width="400" /></a></div><p>Santiago Echecopar sembró la semilla de lo que se convertiría con el tiempo Hypernaut a través del objetivo de crear una banda que desarrollara gustos musicales como el thrash, el grunge y el proto-metal. Bajo esta premisa, poco a poco se han ido sumando a su larga travesía una serie de músicos que han añadido elementos como el hard psych y stoner que terminaron conformando la salvaje amalgama que es su álbum debut: el baterista Gary Saavedra, el bajista Mike Yugra y los guitarristas Martín Cardich y Giancarlo Yepez, quien a su vez a sido sustituido por Juan Diego Stein.</p><p>El primer contacto que tuvo Earthquaker con Hypernaut fue a través de la publicación de "Multiverse... battleword" (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2019/01/hypernaut-la-totalidad-cosmica-y-el.html">reseña-review</a>), el rudo track incluído en el compilado Doomed and Stoned Latinoamérica Vol. II de septiembre de 2018 que se distinguía por su melodía entrecortada saturada de imágenes cósmicas y realidades alternas a través de obvias referencias metaleras y un sucio grunge. El tiempo pasó y la banda fue grabando toda la instrumentación de su primer disco, pero en el momento en que iban a ser registradas las vocales, la contingencia mundial de salud retrasó las grabaciones. Sin emabargo, aprovechando las bondades de la tecnología, el trabajo a distancia fue desarrollando el material sonoro que faltaba hasta que se logró el resultado final que hoy podemos escuchar bajo el nombre de <i>Ozymandias</i>.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-npONft1xP-8/X-qO2JN23bI/AAAAAAAAPZA/c359S-V4n9Ewx6fG9TpQVqbWLbZaU3mqwCLcBGAsYHQ/s1440/120082262_1606126719548093_2261405169267619323_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1440" height="300" src="https://1.bp.blogspot.com/-npONft1xP-8/X-qO2JN23bI/AAAAAAAAPZA/c359S-V4n9Ewx6fG9TpQVqbWLbZaU3mqwCLcBGAsYHQ/w400-h300/120082262_1606126719548093_2261405169267619323_o.jpg" width="400" /></a></div><p>El álbum debut del quinteto de Lima arranca de manera directa a través de un riff acelerado y áspero llamado "Panic attack" donde podemos escuchar todas las influencias musicales de la banda y, de manera irónica, podemos detectar algunos elementos propios que lograr conformar su identidad. De manera inmediata recibimos una dosis de metal directo por medio "Bad hombres", un track que confiesa su pasado inmediato y que de manera inevitable identificamos estructuras armónicas que recuerdan a "Multiverse... battleword" pero en una versión jucho más breve gracias a sus riff entrecortados y la melodía contundente. Pero si estuvieran esperando que el álbum se mantuviera en la misma intensidad, "Atomic breath" reduce el octanaje para ofrecernos un tema que recuerda el hard rock ochentero del estilo Guns 'n' Roses bajo una estética sonora llena de efectos de guitarra que nos alojan de manera directa en la década de los 90's. </p><p>En primera instancia, <i>Ozymandias </i>pareciera ser una obra incontenible y desbocada que sólo ofrecería granadas de fragmentación que irremediablemente nos dejaría exhaustos auditivamente, pero el material tiene track que saben domar la intensidad para que el oído preste atención a la propuesta sonora; algo que ocurre de manera indudable en "Swamp thing" con su velo de zozobra y su fuerza atroz. Sin embargo todo regresa a la carrera desenfrenada a través de la incontrolable "Cynicism is self-harm" con aquel tufo hard-core y quizá proto-punk que poco a poco baja la velocidad hasta los abismos del proto-doom. Bajo la misma tesitura y desenfreno podemos escuchar a la áspera "Worlogog" con su lírica de tecnología apocalíptica o a la brevemente salvaje "(There is where I) Draw the line" de melodía concreta donde su salvaje solo de guitarra sebe hacer explotar las bocinas en mil pedazos.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/hyaf-jmNcC8" width="320" youtube-src-id="hyaf-jmNcC8"></iframe></div><div><br /></div>Uno de los temas más propositivos e interesantes del debut de Hypernaut es precísamente la concluyente "Ozymandias", que además de bautizar al material discográfico, ofrece una tormenta de sonidos que sabe jugar con los acordes sueltos, las distorsiones vibrantes y las melodías desbocadas para construir una pieza megalítica de proporciones farónicas. El riff que acompaña a las líneas vocales de cada estrofa asemejan al correr de los caballos del Apocalipsis, pero cuando llegamos al estribillo tenemos la oportunidad de frenar para tratar de identificar el monstruo sonoro que se ha posado frente a nospstros como una infranqueable muralla de ruido áspero como las arenas del desierto. En inevitable que no tomemos la referencia histórica del antiguo Egipto a través de la figura de Ramses II gracias al nombre del track, pero dicho dato que nos remite al pasado nos ayuda para colocar el bombardeo de verbos que nos atacan sin cesar dentro de un contexto de megalomanía, grandiosidad y magnificencia que obliga al escucha a rendir culto ante el poderoso gigante de sonido que atraviesa la carne hasta alojar su escándalo en nuestro interior. <div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-229fJ7v1oGY/X-qXsw66U4I/AAAAAAAAPZM/BlstTdSwKkMenn8mQgmL3vqye4B8Rrp8ACLcBGAsYHQ/s2509/130308295_1673168956177202_3618015898724363967_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1254" data-original-width="2509" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-229fJ7v1oGY/X-qXsw66U4I/AAAAAAAAPZM/BlstTdSwKkMenn8mQgmL3vqye4B8Rrp8ACLcBGAsYHQ/w400-h200/130308295_1673168956177202_3618015898724363967_o.jpg" width="400" /></a></div><br /><div>El ser descarnado creado por el artista de Indonesia Steven Yoyada y que sirve de portada para el debut de Hypernaut se transforma en un cyborg que observa el espectáculo multicolor del universo mientras el ruido satura el vacío, quizá una significación gráfica de lo que podemos encontrar en el interior que resguarda la ilustración. El primer acercamiento para muchos será a través de esta efigie impresionante, un gancho visual que asemeja al bombardeo sonoro que se esconde en cada uno de los tracks del <i>Ozymandias</i>; pero quizá la mejor recomendación que se puede hacer para ingresar al cosmos acústico de la banda peruana es hacerlo con pies de plomo, la paciencia y el oído fino, pues si realmente se quiere descubrir todos los secretos que existen en su interior, será necesario resistir a la tormenta de arena que el ruido y la distorsion que se ofrece en un primer plano para espantar a los tímpanos temerosos... </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-6XGlO5OvgtI/X-qavnpUvRI/AAAAAAAAPZU/cE6y8Qo94fwT5stMhvTS5yhQ5N-NWTUMACLcBGAsYHQ/s1200/0021355736_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-6XGlO5OvgtI/X-qavnpUvRI/AAAAAAAAPZU/cE6y8Qo94fwT5stMhvTS5yhQ5N-NWTUMACLcBGAsYHQ/w400-h400/0021355736_10.jpg" width="400" /></a></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-19617313414454572382020-12-24T06:34:00.001-08:002020-12-26T05:10:06.023-08:00Tripping Haze Ceremony : el primer golpe del emperador malayo del doom<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-DHSVGAnFMSQ/X-OfaF6VN7I/AAAAAAAAPXU/s-Wsos-uswgp8mqsJ1Hz9aJOWmNXeO89gCLcBGAsYHQ/s768/Tripping-Haze-Ceremony-768x768.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="768" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-DHSVGAnFMSQ/X-OfaF6VN7I/AAAAAAAAPXU/s-Wsos-uswgp8mqsJ1Hz9aJOWmNXeO89gCLcBGAsYHQ/s320/Tripping-Haze-Ceremony-768x768.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Gracias al universo de la música y su difusión a través de las redes electrónicas de comunicación, hemos tenido la oportunidad de conocer propuestas sonoras de todo el planeta; pero de la misma forma, también hemos sido testigos de cómo ciertos géneros y estilos han cruzado fronteras hasta alojarse en sitios inimaginables. Quizá por cuestiones de costumbres y rasgos culturales nos parezca imposible que los sonidos primitivos y obscuros del proto-doom occidental pudiera establecerse en los países del sudeste asiático como lo podremos comprobar en estas líneas.</p><p>La historia de Tripping Haze Ceremony nace en Selangor, un estado de la Federación de Malasia. En los últimos días de diciembre de 2018 fue publicado a través de bandcamp un demo conformado por tres temas que fueron realizados por el guitarrista y vocalista Epulyard, quien poco a poco conformó un power trio para establecer su sonido a través de la llegada de Sara en el bajo eléctrico y Lim en los tambores. De manera irónica, los tracks subidos a la página de la banda fueron compartidas por diversos programas de podcasts hasta crear una espectativa a su alrededor que ha sido satisfecha con la publicación de su álbum debut titulado de manera homónima y publicado en noviembre de 2020.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ErzSffyG3cU/X-Ojmo8yLGI/AAAAAAAAPXc/Lh9-oW5oWZQ8Bk5XVFMOrC9vlszr2Wa9gCLcBGAsYHQ/s500/safe_image.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="260" data-original-width="500" height="208" src="https://1.bp.blogspot.com/-ErzSffyG3cU/X-Ojmo8yLGI/AAAAAAAAPXc/Lh9-oW5oWZQ8Bk5XVFMOrC9vlszr2Wa9gCLcBGAsYHQ/w400-h208/safe_image.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div>Lo primero que nos encontramos en el <i>Tripping Haze Ceremony</i> es una imponente portada realizada por Fugigaz que nos muestra un murciélago, aquel ser vivo que representa la noche, la muerte y la maldad, pero que par las condiciones de salud de este fatídico año de pandemia mundial, se ha establecido como el portador de un virus que ha sido recibido por el hombre. Con estos antecedentes visuales llenos de representación, lo único que podemos esperar dentro de su interior es un álbum denso y obscuro que nos arrastre hacia referentes sonoros asociados con los abismos y la ultratumba.<div><br /></div><div>Una vez que la aguja toca los surcos del vinil, las espectativas son cumplidas al escuchar un tétrico canto de campanas lleno de misticismo que a los pocos segundos es oculto por el eco de unos secos y desgarradores acordes distorsionados que marcar una breve introducción aletargada y tenebrosa bajo el título de "Sativa's trip". Tras esta bienvenida lúgubre, Tripping Haze Ceremony nos ofrece algunas líneas de alguna vieja película norteamericana de serie B para después explotar sobre las bocinas una melodía fuerte de tempo lento llamada "Panhead dreams" donde podemos escuchar las obvias referencias sonoras a <a href="https://www.earthquakermexico.com/2016/11/black-sabbath-el-final-ha-llegado.html">Black Sabbath</a>, Flower Travellin' Band o Saint Vitus, aunque también podemos detectar los ácidos y desgarradores acordes al puro estilo de <a href="https://www.earthquakermexico.com/2015/10/master-of-brutality-de-church-of-misery.html">Church of Misery</a> y, sobretodo, <a href="https://www.earthquakermexico.com/2017/12/electric-wizard-hasta-el-umbral-del.html">Electric Wizard</a>.</div><div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-5jxow4b-PwI/X-OmuB12UqI/AAAAAAAAPXk/DLlzNEN_fDE2V2SRogdOD4VeXLuLKp5iQCLcBGAsYHQ/s1200/0019769509_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="899" data-original-width="1200" height="300" src="https://1.bp.blogspot.com/-5jxow4b-PwI/X-OmuB12UqI/AAAAAAAAPXk/DLlzNEN_fDE2V2SRogdOD4VeXLuLKp5iQCLcBGAsYHQ/w400-h300/0019769509_10.jpg" width="400" /></a></div><p>Los ritmos pesados que se arrastran como grilletes atados al tobillo dominan en su totalidad al debut de Tripping Haze Ceremony, pero dentro de sus muros ruidosos que parecen derruirse podemos encontrar interesantes solos de guitarra, que lejos de ser virtuosos, podemos escuchar unos lamentos que de manera pausada se van deshojando hasta hipnotizar al escucha. Así como lo escuchamos en el alucinante final de "Panhead dreams", este concepto sonoro define a "Night of the damned", aquel track que había sido lanzado previamente y que se convirtió en la culpable de hacer girar los reflectores hacia Malasia. Bajo su hechizo somnoliento, el trio asiático se va arrastrando de manera sosegada hacia los abismos mientras la guitarra entona su gemido lastimero para construir una atmósfera llena de zozobra de la que será imposible escapar. Si bien el Tripping Haze Ceremony desarrolla su fórmula sonora bajo distintos modelos de similar manufactura como en la lisérgica e instrumental "Space cat" o en la impresionante "Dead man's terror" con su espectacular riff etéreo que sabe clavar su daga de manera tranquila sobre el cuerpo hasta volarnos las neuronas con un cambio de ritmo muy al estilo de Sabbath, el trio malayo ofrece la otra cara de la moneda proto-doom a través de un onírico track acústico llamado "Ratapan anak"</p><p>Este tema es un cover a una balada ochentera realizada por la cantante Mona Fandey (aka. Fendi), la cual tienen una mórbida historia debido a que esta artista pop también es conocida por haber sido ejecutada debido a que asesinó al político Mazlan Idris. La leyenda cuenta que Mona dejó su carrera musical para dedicarse a la magia negra, sobretodo vendiendo talismanes a políticos y gente de la alta sociedad; ahí fue cuando ofreció a Idris una serie de amuletos creados a partir de los objetos personales del presidente de Indonesia Sukarno por una alta cantidad de dinero. Al no cumplir con el pago, se convenció al político de hacerse un ritual en casa de la cantante, donde fue decapitado y desollado. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/tc50uODf0Dg" width="320" youtube-src-id="tc50uODf0Dg"></iframe></div><p>Uno de los momentos más interesantes del álbum debut de Tripping Haze Ceremony es "Big red machine", un track de melodía densa que semeja a una marcha fúnebre por su paso lento y pesado donde su insistente nota golpea sin cesar bajo el influjo de una melodía hipnótica y dolorosa mientras escuchamos una advertencia: correr si queremos salvar nuestra vida. Tras sentir esa losa sonora por varios minutos, el bajo cambia la figura a una interesante figura que permite a una guitarra paneada completamente a la izquierda ejecute un solo seco que es rematado con una línea poderosa llena de distorsión que asemeja a una caida imparable a través del uso de acordes descendentes que se repiten constantes. Finalmente, la canción regresa a su estructura original hasta desfallecer en una cortante repetición del acorde principal que se deshace frente a nosotros mientras las bocinas se derriten ante el estruendo.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-60TOcF9juVI/X-SdUP4ix1I/AAAAAAAAPXw/anq4VI1tuXc3lqx72qCoe7WD4hcAce2UwCLcBGAsYHQ/s1536/5b1e23bd-share-4d100341-13c6-40e6-a193-57c74aa1b78e-1160x1536.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1536" data-original-width="1160" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-60TOcF9juVI/X-SdUP4ix1I/AAAAAAAAPXw/anq4VI1tuXc3lqx72qCoe7WD4hcAce2UwCLcBGAsYHQ/w303-h400/5b1e23bd-share-4d100341-13c6-40e6-a193-57c74aa1b78e-1160x1536.jpg" width="303" /></a></div><p>El proto-doom acidificado del trio malayo ofrece, más allá de su definido estilo, agua fresca a un género por demás visitado, ultrajado y olvidado. El álbum debut de Tripping Haze Ceremony retorna a la construcción de largas melodías y sensaciones fantasmagóricas donde la zozobra y la angustia se respiran en todos sus rincones, pero que al mismo tiempo, recrea un hechizo hipnótico heredero de la psicodelia más pesada. Este disco es un excelente augurio para el futuro, ya que si pensamos este material como el primero dentro de la conformación del trío como una agrupación, esperamos que la banda se afiance con el tiempo y la experiencia sobre los escenarios con la finalidad de crear una obra aún más interesante de lo obtenido en este momento.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-WwBO9v0XvjQ/X-SfV8GVOFI/AAAAAAAAPX8/bQGETMdGBlQHzODGjXZ5Yvypqz6YxiUNACLcBGAsYHQ/s1200/a2089005932_10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-WwBO9v0XvjQ/X-SfV8GVOFI/AAAAAAAAPX8/bQGETMdGBlQHzODGjXZ5Yvypqz6YxiUNACLcBGAsYHQ/w400-h400/a2089005932_10.jpg" width="400" /></a></div><p><br /></p></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-41736860795622592082020-12-23T06:23:00.000-08:002020-12-23T06:23:30.473-08:00Red Spektor : el estridente retorno de un power trio británico<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-PIdXomJZj8c/X-NENIJuvFI/AAAAAAAAPWs/TF5c3xMHn1Enn_KB3WBcZx8HgdOAc3eSwCLcBGAsYHQ/s1200/Red%2BSpektor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-PIdXomJZj8c/X-NENIJuvFI/AAAAAAAAPWs/TF5c3xMHn1Enn_KB3WBcZx8HgdOAc3eSwCLcBGAsYHQ/s320/Red%2BSpektor.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Siempre se ha considerado como un verdadero reto realizar un segundo álbum tras los logros obtenidos por una primera placa que obtuvo excelentes resultados y reconocimiento. El debut de Red Spektor, publicado en mayo de 2016 (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2016/08/red-spektor-el-ultimo-power-trio.html">reseña-review</a>), alcanzó los aplausos gracias a aquel énfasis en el hard rock psicodélico salpicado de sonidos vintage que lo convertía en un objeto entrañable desde su primera escucha. Sin embargo, el tiempo ha pasado sobre aquel directo y envenenado dardo sonoro, lo que ha obligado al power trio de Trent a reconstruir su estilo para ofrecer un siguiente paso sin perder lo alcanzado hasta el momento.</p><p>Es así como en octubre de 2020 Red Spektor presenta su <i>Heart of the renewed sun</i>, un material de sonidos más obscuros que mantienen la energía de su predecesor pero que al mismo tiempo logra tomarnos de la mano para sumergirnos en aguas pantanosas que saben desaparecer por momentos la luminosidad psicodélica que distinguió a la banda en su origen. Bajo el concepto del ave fénix que renace de sus cenizas, la segunda placa del trío británico logra recuperar sus esencia blusera para alimentar su hard psych distintivo hasta lograr un resultado de claros obscuros sonoros que saben transformar sensaciones de formas inesperadas.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ATgC6eEGkz4/X-NIqcQ2_3I/AAAAAAAAPW0/T5c8-d50x_QcZ0-4ITn9AumbscpLQS3NgCLcBGAsYHQ/s1959/60626358_2487923907908689_4020777889493417984_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1469" data-original-width="1959" height="300" src="https://1.bp.blogspot.com/-ATgC6eEGkz4/X-NIqcQ2_3I/AAAAAAAAPW0/T5c8-d50x_QcZ0-4ITn9AumbscpLQS3NgCLcBGAsYHQ/w400-h300/60626358_2487923907908689_4020777889493417984_o.jpg" width="400" /></a></div><p>Desde el instante que sentimos el primer golpe bajo el nombre de "Warflower" sabemos que estamos de nuevo frente a la energía y la estridencia de John Scane en la guitarra y voces, Rob Farrel en el bajo y Darren Bowen en la batería, pero al ir fluyendo los segundos descubrimos que hay nuevas cosas con ausencia de color que provocan pasajes llenos de zozobra que provocan la obligación de regresar sobre nuestros propios pasos. Luego de pasar por aquellas zonas densas, la música retorna a su muro de sonido estridente para ofrecernos nuevamente un puerto seguro.</p><p>Sin embargo, una vez lanzado aquel peligroso anzuelo, la banda ofrece un segundo track a partir de un andar aletargado escondido entre el ruido que provoca el extravío frente a una melodía ahogada en blues obscuro donde destaca el uso de teclados atmósfericos colocados en sitios precisos. La fuerza sonora de "Revol" contrasta con su armonía melancólica, pero es precisamente en esta contradictoria mezcla donde radica el ingrediente principal del <i>Heart of the renewed sun</i>, provocando que la placa navegue sobre aguas turbulentas donde el escucha estará obligado a prestar atención para no extraviarse durante la travesía.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-H13hujl9YJg/X-NLCC4GdpI/AAAAAAAAPW8/EH12XxPCCFwCa2ZaF2PothPY7Y5mvCk-gCLcBGAsYHQ/s2914/26233231_1782958045071949_698845239736882878_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1079" data-original-width="2914" height="148" src="https://1.bp.blogspot.com/-H13hujl9YJg/X-NLCC4GdpI/AAAAAAAAPW8/EH12XxPCCFwCa2ZaF2PothPY7Y5mvCk-gCLcBGAsYHQ/w400-h148/26233231_1782958045071949_698845239736882878_o.jpg" width="400" /></a></div><br /><p><i>Heart of the renewed sun </i>está conformado por ocho escandalosos temas donde sus contradicciones armónicas ofrecen respiros para lograr saborear las texturas auditivas y los elementos que las conforman. Si bien "Masquerade" guarda el mismo principio sonoro de "Revol", sus marcadas pausas e insistentes figuras le dotan de personalidad propia; pero es necesario destacar que el segundo álbum de Red Spektor puede ofrecer otros ingredientes más allá de los establecidos en sus primeras tres muestras llenas de intensidad. Si bien "Guided tears" es una onírica y misteriosa melodía donde la obscuridad se torna abismal, "Hell to pay" no recuerda las bluseras influencias innegables que la banda británica adeuda a gente como The Jimi Hendrix Experience o Cream.</p><p>Es imposible no reconocer una misma áurea acústica sobre esta placa discográfica, pero también es necesario aceptar que existen algunos temas que deciden ir más allá de su concepto para ofrecer momentos memorables. Si bien "Violent sun" está hecha a través de una obvia estructura armónica, la potencia de sus instrumentos y aquel impresionante solo de guitarra ahogada en efectos cósmicos provocan que situemos a Red Spektor junto a otras bandas del hard psych directo como los norteamericanos Radio Moscow. Cuando los surcos del <i>Heart of the renewed sun </i>están por finalizar, nos topamos con otra ensimismada tonada llamada "Ivory towers" en la que sus adornos psicodélicos ofrecen miradas galácticas más allá de su ritmo aletargado que nos recuerda la atmósfera de angustia y desasosiego que se respira en cada uno de los rincones del disco. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/Fbri494tddE" width="320" youtube-src-id="Fbri494tddE"></iframe></div><p>En agosto de 2020 se presentó como primer single del <i>Heart of the renewed sun </i>el tema "Long way down", track acompañado por un video realizado en blanco y negro que hace coincidencia con su aletargado inicio lleno de zozobra y que a los pocos segundos se transforma en una melodía de constantes cambios de velocidad que acompañan a una lírica apocalíptica, la misma que es acorde a los tiempos pandémicos en los que nos encontramos. El tufo a vintage se siente a cada paso que damos, ya sea en el riff principal de la guitarra cuando desencadena los estribillos acelerados del tema o en la distorsión vibrante del bajo que sabe erizarnos la piel dentro de aquel pasaje abismal que termina explotando en mil pedazos gracias a un solo de guitarra espectacular que es coronado por un concluyente remate de batería que semeja a una lluvia de meteoritos. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ay9hOPjfG8E/X-NROSbekJI/AAAAAAAAPXE/rKMYt99kTrsnzPdTE2zG-V6kT34Bmz0vgCLcBGAsYHQ/s2048/19250467_1575136519187437_52285390600769174_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1365" data-original-width="2048" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-ay9hOPjfG8E/X-NROSbekJI/AAAAAAAAPXE/rKMYt99kTrsnzPdTE2zG-V6kT34Bmz0vgCLcBGAsYHQ/w400-h266/19250467_1575136519187437_52285390600769174_o.jpg" width="400" /></a></div><p>Luego de escuchar cada uno de los elementos que caracterizan al <i>Heart of the renewed sun</i>, el deseo por saber cómo será reproducido sobre los escenarios se convierte en ansiedad, pero hasta que las condiciones retornen a dicha posibilidad, la única opción posible es volver a bajar la aguja sobre el plato negro para permitir que Red Spektor nos sorprenda con más sonidos escondidos dentro de las capas ruidosas que conforman cada uno de sus temas. Quizá la portada multicolor pueda provocar una cierta expectativa sobre lo que se resguarda en su interior, pero una vez que las notas escapan por las bocinas, sabemos que cualquier cosa puede ocurrir y que será necesario estar atentos para aquello que se esconde en sus recovecos y callejones inesperados. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/--0cnlTOrU5M/X-NSrtfiNpI/AAAAAAAAPXM/My7wKbBbZPgeyc2qF1W8_5GWsBDnUuuUgCLcBGAsYHQ/s700/a0605050600_16.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/--0cnlTOrU5M/X-NSrtfiNpI/AAAAAAAAPXM/My7wKbBbZPgeyc2qF1W8_5GWsBDnUuuUgCLcBGAsYHQ/w400-h400/a0605050600_16.jpg" width="400" /></a></div><br /><p><br /></p>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-20036878087731047452020-12-18T07:14:00.006-08:002020-12-18T07:20:11.627-08:00King Gizzard and the Lizard Wizard : el retorno del desafío microtonal<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-jupsoH6fxfc/X9yhgK_oFFI/AAAAAAAAPVg/Vw6HBeTMqVsy8VP34FeQF9wJN0K2MksbwCLcBGAsYHQ/s700/King%2BGizzard.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-jupsoH6fxfc/X9yhgK_oFFI/AAAAAAAAPVg/Vw6HBeTMqVsy8VP34FeQF9wJN0K2MksbwCLcBGAsYHQ/s320/King%2BGizzard.jpg" /></a></div><br /><p></p><div>¿Cómo es posible que una banda que ha mantenido un sonido durante sus diez años de carrera musical pueda al mismo tiempo revolucionarse en cada material publicado y lograr así jugar con estilos, géneros y ruidos que retan al escucha a través de su atención y paciencia? Los australianos de King Gizzard and the Lizard Wizard son una de las pocas agrupaciones que han logrado crear una atmósfera ótica que de manera inmediata los identifica, pero a pesar de ello han roto con sus propias expectativas para experimentar dentro de distintas tendencias sonoras hasta ofrecer una rica variedad de posibilidades auditivas y, finalmente, convertirse en una referencia obligada en el mundo de la música en la última década.</div><div><br /></div><div>Quizá podríamos encontrar respuestas a la pregunta arriba formulada escribiendo que la banda originaria de Melbourne aprovechó la fiebre que hace unos años hubo alrededor del hard psych, o que la elaboración de álbumes conceptuales en una época en que pocos se arriesgan a realizarlos provocó la atención a su propuesta sonora, o a lo mejor que esa extraña áurea sonora provocada por sonidos extraños a los oídos occidentales es la fórmula perfecta para llamar nuestra atención, o que aquel reto lanzado en 2017 para publicar cinco discos distintos durante un año jaló los reflectores hacia ellos, o que dejaron de lanzar discos durante el siguiente año para dedicarse a tocar por todo el mundo y terminar publicando parte del material a través de cinco discos y una película, o probablemente la presentación de un disco pop sintético en contradicción con otro de thrash metal fue el motivo por despertar el interés sobre ellos... ufff!! cuántas razones podemos encontrar para llamar la atención del desprevenido y abrumado escucha de la segunda década del siglo XXI para dedicarle unos pocos minutos a la escucha de un grupo ecléctico que de manera inmediata puede provocar que caiga en su anzuelo!!</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-yYDx7FALxBA/X9yxt1EcDjI/AAAAAAAAPVo/Fl5fK8ukPpk_cBTZN7PeUhZZPe0fT6frACLcBGAsYHQ/s2048/125495994_3875973329082208_3922859376334896561_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1365" data-original-width="2048" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-yYDx7FALxBA/X9yxt1EcDjI/AAAAAAAAPVo/Fl5fK8ukPpk_cBTZN7PeUhZZPe0fT6frACLcBGAsYHQ/w400-h266/125495994_3875973329082208_3922859376334896561_o.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div>La salida de baterista Eric Moore para dedicarse al trabajo con su disquera independiente Flightless Records podría suponer un golpe duro dentro del estilo de King Gizzard and the Lizard Wizard, situación que bien podremos conocer una vez que la banda retorne a los escenarios, pero aún y con dicha situación la banda se decidió a embarcarse en construir un nuevo álbum a través de una continuación del místico <i>Flying Microtonal Banana</i> de febrero de 2017. Sin emabrgo, es to no debería resultar una sorpresa, ya que los australianos habían amenazado con una secuela a este material de retadora escucha gracias a la frase "explorations into microtonal tuning, Vol 1".</div><div><br /></div><div>Si bien los sonidos microtonales que conocimos en aquella ocasión jugaban con obsesivas melodías que se repetían hasta el infinito para provocar una hipnosis que evadía la realidad (qué mejor ejemplo que la adictiva "Rattlesnake"), hoy podemos escuchar en el Vol. 2 titulado como <i>K.G.</i> y publicado en noviembre de 2020 varias odiseas sonoras donde las guitarras acústicas toman el control hasta construir ensoñaciones místicas que sin duda nos llevan a un Oriente mágico para retar auditivamente a nuestros oídos occidentales que no se encuentran acostumbrados a los sonidos escondidos entre las siete notas convencionales de la escala musical.</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-hwhgLDjgWBg/X9y1zWaTqoI/AAAAAAAAPVw/78imj9ppQ5MKXl_28npiK5zfZdCjWGdYgCLcBGAsYHQ/s1440/107930076_3485085864837625_1443089467205822039_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1440" height="300" src="https://1.bp.blogspot.com/-hwhgLDjgWBg/X9y1zWaTqoI/AAAAAAAAPVw/78imj9ppQ5MKXl_28npiK5zfZdCjWGdYgCLcBGAsYHQ/w400-h300/107930076_3485085864837625_1443089467205822039_o.jpg" width="400" /></a></div><br /><div>Cuando fue presentada "Honey" como primer sencillo del <i>K.G.</i>, sabíamos que el desafío microtonal que ya nos había ofrecido la banda australiana había regresado bajo una atmósfera acústica e intimista donde no sólo los sonidos extraños a nuestras costumbres sonoras formaban parte de la fórmula del single, sino el constante cambio de tiempo que dificultaría a cualquiera a llevar su ritmo. De la misma manera como ocurre con la inaugural "K.G.L.W" o en la medieval "Straws in the wind", las armonías conformadas por rasgueos envolventes, vientos de flautas que erizan la piel y melodías llenas de zozobra, nos permiten descubrir que los King Gizzard and the Lizard Wizard se han reinventado nuevamente hasta dar un paso hacia adelante dentro de su propuesta sonora.</div><div><br /></div><div>Aun así es necesario explicar un poco cómo se conforma ese audiorama ajeno a nuestros oídos occidentales: en este lado del mundo estamos condicionados a organizar los sonidos a través de octavas, derivado de las frecuencias por segundo que podemos captar; es decir, un ciclo de siete notas ascendente que termina con una repetición de la primera pero con un tono mayor, a lo que hemos llamado "escala diatónica" porque una misma nota en dos tonos distintos la delimitan. Sin embargo, el sistema microtonal está construido a partir de frecuencias de sonido ubicadas entre los semitonos de nuestra escala auditiva occidental, lo que obliga a nuestro sistema auditivo a adaptarse ante vibraciones a las que no está acostumbrado.</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-g4fJ-z9pA6o/X9y7x39IEOI/AAAAAAAAPV8/hf0v6OkB4bUoLHijZURojP7l_bDT76YRQCLcBGAsYHQ/s1800/72723647_2819987768014108_8882588685682343936_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1800" data-original-width="1440" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-g4fJ-z9pA6o/X9y7x39IEOI/AAAAAAAAPV8/hf0v6OkB4bUoLHijZURojP7l_bDT76YRQCLcBGAsYHQ/w320-h400/72723647_2819987768014108_8882588685682343936_o.jpg" width="320" /></a></div><br /><div>Sin embargo <i>K.G.</i> no queda bajo el yugo de los sonidos desenchufados y las melodías enigmáticas que nos retrotraen a culturas lejanas y ajenas, ya que la banda de Melbourne desarrolla dicho ambiente para terminar creando escandalosas melodías saturadas de distorsión y electricidad que sirven de paradoja ante su crítica a los procesos de "computarización" de la sociedad humana durante los últimos decenios que han provocado simulación y hasta han transformado al hombre en un cyborg por medio del uso del lenguaje algorítmico, algo que queda demostrado en "Automation". Las bases sonoras creadas a través de loops hipnóticos y electrónicos acompañan a las figuras armónicas microtonales para construir galaxias místicas llenas misterio, paseos oníricos y divagaciones interiores, algo que podemos escuchar con claridad en "Minium brain size".</div><div><br /></div><div>King Gizzard and the Lizard Wizard no se ha escapado de su escándalo propositivo de melodías repetitivas como bucles infinitos que ya habíamos probado en <i>Nanogon infinity</i> (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2016/05/king-gizzard-and-lizard-wizard-vertigo.html">reseña-review</a>) y que podemos oír en "Some of us", pero para esta ocasión, Stu Mackenzei compuso una serie de temas que desarrollaran lo ofrecido por la banda anteriormente hasta romperlo como en la tenebrosa "The hungry wolf of fate" con su tufo al <i>Murder of the Universe</i> o hasta quizá al <i>Infest the rats' nest</i> (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2019/08/king-gizzard-lizard-wiizard-la-auto.html">reseña-review</a>). Aún así, donde está la nueva propuesta sonora como un desarrollo obvio a lo hecho en el ambivalente Fishing for fishies lo encontramos en las variaciones electrónicas de "Intrasport" que hasta logran recrear una pista de baile más allá de su armonía oriental que desembocan en la bizarra "Oddlife".</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/D5q5OEho8II" width="320" youtube-src-id="D5q5OEho8II"></iframe></div><div><br /></div><div>Uno de los tracks más interesantes del K.G. es la adictiva "Ontology", una melodía que juega con una tenue armonía de teclado y flauta que sube poco a poco hasta convertirse en el estribillo que será cantado por la banda mientra escuchamos una lírica que critica a la realidad al poner en duda la razón por la cual se razona y la libertad, aunque finalmente llega al tópico central del álbum: la simulación. Mientras las líneas microtonales que definen al tema nos van hechizando, la base sonora de las secas percusiones y el bajo concreto van creando un sustento vital a la canción para que ésta desarrolle variantes melódicas que son enriquecidas con una impresionante cantidad de detalles que terminan emulando la barroca portada del álbum. Por si fuera poco, al terminar "Ontology" podemos escuchar una especie de <i>bis </i>tras un golpe seco de gong donde las experimentaciones de la guitarra microtónica nos ofrece, quizá, el único solo de guitarra del disco entre juegos de wah, fuzz y reverberaciones. </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-cNOFPPufUvg/X9zFIFeSURI/AAAAAAAAPWE/9SYFffD_mCQJApENua_nTo7fzmf4hEt4wCLcBGAsYHQ/s2042/122132749_3790863487593193_6863790277722292763_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2042" data-original-width="1368" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-cNOFPPufUvg/X9zFIFeSURI/AAAAAAAAPWE/9SYFffD_mCQJApENua_nTo7fzmf4hEt4wCLcBGAsYHQ/w268-h400/122132749_3790863487593193_6863790277722292763_o.jpg" width="268" /></a></div><div><br /></div>Nuevamente, King Gizzard and the Lizard Wizard nos ha lanzado la provocación para escuchar su propuesta con distintas posibilidades acústicas, ya sea través de sonidos poco convencionales que obligan a detenerse para poder detectar todo el espectro auditivo ofrecido dentro del material sonoro, así como también por medio de una reflexión sobre lo que somos los seres humanos ante la invasión sensorial que la tecnología ha desarrollado. Quizá las semanas de encierro producidas por el virus pandémico ha desarrollado estas reflexiones al interior de la banda australiana, pero si uno regresa a las líricas de sus álbumes anteriores, descubrimos que la visión apocalíptica ha estado presente desde hace mucho. Nuestra realidad es puesta a prueba a través del sonido ajeno, así que las posibilidades se abren a la alteridad mientras ponemos en duda la existencia a través de los juegos de simulación...<div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-W9-7ZbXELyA/X9zHAt8aSXI/AAAAAAAAPWM/jsS_ICLHGRYbMLChIsx0dil97lsoJP65wCLcBGAsYHQ/s1080/117025752_3572714202741457_1401463305919584283_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="810" data-original-width="1080" height="300" src="https://1.bp.blogspot.com/-W9-7ZbXELyA/X9zHAt8aSXI/AAAAAAAAPWM/jsS_ICLHGRYbMLChIsx0dil97lsoJP65wCLcBGAsYHQ/w400-h300/117025752_3572714202741457_1401463305919584283_o.jpg" width="400" /></a></div><br /><div><br /><div><br /></div></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-3147542240481088442020-12-03T06:37:00.002-08:002020-12-03T08:38:46.771-08:00Viaje a Ixtlán : una sonora invitación al extravío <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-f8UBEcu38Es/X8ji2ipIyPI/AAAAAAAAPT8/LWdHurmPlTkOSnqlHXSpyHrOwd3of6LJACLcBGAsYHQ/s700/a1536717704_16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-f8UBEcu38Es/X8ji2ipIyPI/AAAAAAAAPT8/LWdHurmPlTkOSnqlHXSpyHrOwd3of6LJACLcBGAsYHQ/s320/a1536717704_16.jpg" /></a></div><br /><p></p><div style="text-align: right;"><i>"Pensé en un laberinto de laberintos,</i></div><div style="text-align: right;"><i>en un sinuoso laberinto creciente</i></div><div style="text-align: right;"><i>que abarcara el pasado y el porvenir</i></div><div style="text-align: right;"><i>y que implicara de algún modo los astros.</i></div><div style="text-align: right;"><i>Absorto en esas ilusorias imágenes, </i></div><div style="text-align: right;"><i>olvidé mi destino de perseguido..."</i></div><div style="text-align: right;"><i>Jorge Luis Borges, El jardín de los senderos que se bifurcan, 1941</i></div><div><br /></div><div>Un paso tras otro y el andar se aventura al riesgo de seguir el camino que se bifurca ante el individuo, aquel ente que debe tomar sus elecciones ante cada quiebre y cruce de caminos. La vieja leyenda que nos habla de esos hombres que ofrecieron su alma en dichos lugares para recibir del ángel caído el privilegio de un don sonoro puede resultar banal ante la libertad y la suerte echada frente el viaje condicionado por los senderos que rompen en curvas y rectas perdidas en figuras sin señales definidas. No hay destino, solo sueños que provocan el olvido mientras los paisajes absorben al vagamundo, al eterno trotador, al pata de perro que en su andar encuentra el motivo y el gusto por el extravío.</div><div><br /></div><div> La vida es lanzada a su eterno recorrer sin destino fijo, sin quizá un itinerario que oriente los pasos. La experiencia sonora provoca esa misma sensación cuando posamos los tímpanos por primera vez frente a una nueva obra acústica. La ensoñación provocada ante lo desconocido despierta los sentidos y motiva su atención frente al riesgo, aquel instinto primitivo de supervivencia que con el paso del tiempo se ha convertido en apreciación artística y una estética del ruido. Sin embargo, esa travesía ótica puede construir laberintos irremediables donde el escucha puede perderse y recorrer una y otra vez encontrando en la música una infinidad de posibilidades como si se tratase de un punto de fuga lleno de magia y sentimiento. </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-D-ot8-hTlq0/X8jo4l8oKwI/AAAAAAAAPUE/DGJitbMsANMZohnIU5Jr5KnfJ_blKU_zwCLcBGAsYHQ/s1080/124819655_3369797439800933_8588545014420996395_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1080" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-D-ot8-hTlq0/X8jo4l8oKwI/AAAAAAAAPUE/DGJitbMsANMZohnIU5Jr5KnfJ_blKU_zwCLcBGAsYHQ/w400-h266/124819655_3369797439800933_8588545014420996395_o.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div>El retorno de Viaje a Ixtlán proponen la quiebre de amarras para que las velas se hinchen con el viento de la suerte para dejarse llevar sin destino predeterminado. El extravío es el riesgo que corremos ante su nueva propuesta, quizá algo que está asegurado; pero en ello está asegurado el simple placer de escuchar el paisaje y seguir. Bajo el sugerente título de <i>Laberintos y Paisajes</i>, la banda argentina nos anima a emprender un paseo sobre insospechados lugares mientras el tiempo se nos escapa de las manos como la arena de aquel viejo reloj de vidrio. <div><br /></div><div>Luego de digerir lentamente aquella obra doble titulada como <i>Calma </i>y publicada en mayo de 2019 (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2019/09/viaje-ixtlan-cuando-la-calma-se.html">reseña-review</a>), Viaje a Ixtlán se ha sobrepuesto a la enfermedad y la adversidad hasta reconstruirse en un ente de cinco tentáculos que se adentra a las aguas sonoras y abismos infranqueables. Mariano Bertolazzi se ha hecho acompañar ya durante un largo tiempo por Jeque Raffo en los sintetizadores, Cherman en el bajo eléctrico y Lionel Fortunato en la batería, pero ahora se ha sumado a la tripulación Augusto Coronel Díaz en una segunda guitarra; provocando que el sonido alcance los colores y texturas que fueron recreadas en el último EP.<br /><div><br /></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-9Sm9q9wlYgI/X8jum69_neI/AAAAAAAAPUM/qs_y1bSZo-8wlx5EjeeO2nmh3TUpr5zkwCLcBGAsYHQ/s1422/79363634_2514964258617593_4307591076761305088_o.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="865" data-original-width="1422" height="244" src="https://1.bp.blogspot.com/-9Sm9q9wlYgI/X8jum69_neI/AAAAAAAAPUM/qs_y1bSZo-8wlx5EjeeO2nmh3TUpr5zkwCLcBGAsYHQ/w400-h244/79363634_2514964258617593_4307591076761305088_o.jpg" width="400" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Foto: Mariano Rodríguez Álvarez</td></tr></tbody></table><br /><div><i>Laberintos y Paisajes </i>es una brevísima cápsula lanzada por Venado Records y conformada por dos temas que deben ser entendidos como circunstancias que sirven de pretexto para el irremediable escape de la realidad. No es extraño encontrase con largas ensoñaciones instrumentales que permiten el desarrollo de imágenes mentales mientras la saturación de nuestras neuronas admiran el espectáculo sonoro en un audiorama atascado de opciones, como ocurre en "Paisajes", pero si se puede ofrecer un consejo para la escucha de este EP es construir la suficiente apertura sensible para recibir la sorpresa y durante el recorrido saborear las atmósferas ofrecidas en un hermoso universo resonante.</div><div><br /></div><div>Si bien la figura geométrica de un espacio regido por senderos que se abren y se cierran mientras la tela de Ariadna nos es ofrecido como recurso mágico para evitar el extravío, "Laberintos" conforma un ambiente de sonidos hipnóticos e insistentes que envuelven al escucha ante una tormenta de arena y ambientes esotéricos que provocan el escape de la realidad. Si uno se anima a romper las cadenas, los pies abandonan los cimientos de la tierra para volar entre sueños con la única intención de encontrar olvido. Un riff de guitarra nos lastima al provocar una herida punzante con su agresivo rasgueo, pero el resto de la instrumentación termina suavizando la escena a través de una atmósfera onírica que finalmente termina en un estribillo sublime. Pero si aún así las neblinas del tema no provocan la pérdida, sus acordes finales lograrán de manera definitiva la inmersión en aguas abismales de las que será imposible escapar mientras todo se desvanece a nuestro alrededor.</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/suXuhUyJ8Xo" width="320" youtube-src-id="suXuhUyJ8Xo"></iframe></div><br /><div>Viaje a Ixtlán ha decidido lanzar su EP a través de un ejercicio digital al que han llamado <i>Laberintos Live album</i>, que en otras palabras será la presentación de su último material acompañado por un recorrido a su discografía a través de un "video on demand" que se trasmitirá el próximo sábado 5 de diciembre a las 22 hrs de Argentina (GTM - 3). Bajo este concepto, tendremos la oportunidad de escuchar a la banda argentina de manera directa como si nos encontráramos en su sala de ensayos con la única intención de despertar aquellas sensaciones bajo las atmósferas que sólo el sonido y el volumen pueden construir. Sin embargo, si ustedes no podrían conectarse a este momento místico, la banda nos ofrece la opción de revivir el instante de manera diferida desde el momento de su lanzamiento a los senderos electrónicos y hasta el domingo 20 de diciembre. </div><div><br /></div><div>Para conocer y poder acceder a este evento, pulsa click en el link y conoce los requisitos y los costos:</div><div><a href="https://www.passline.com/eventos/viaje-a-ixtlan">https://www.passline.com/eventos/viaje-a-ixtlan</a></div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Be_aVM7GTdI/X8j1GJe_adI/AAAAAAAAPUU/mHn4SYqo7Bgv6J59hpotJ4WpzJJ7RWT7wCLcBGAsYHQ/s700/a2555109516_16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-Be_aVM7GTdI/X8j1GJe_adI/AAAAAAAAPUU/mHn4SYqo7Bgv6J59hpotJ4WpzJJ7RWT7wCLcBGAsYHQ/w400-h400/a2555109516_16.jpg" width="400" /></a></div><br /><div>Sin lugar a dudas, Viaje a Ixtlán está de regreso. Más allá de la separación física y la imposibilidad del encuentro corporal, la banda argentina nos ofrece la opción virtual para sumergirnos en sus océanos sonoros que, finalmente, son vibraciones electrificadas que de una manera u otra provocarán el escape hacia realidades alternas y mundos desconocidos. La propuesta está lanzada y la puerta que da inicio al laberinto está abierta, en nosotros está la decisión de dar el primer paso y comenzar la travesía, una proposición acústica que ofrece el reto de su recorrido con no más brújula que el propio poder de la música, el ruido y el silencio...</div><div><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-3JBG9c_j-5w/X8j39CgN8HI/AAAAAAAAPUc/z9dtsvERSNsWB8HuvA8OG80U7dCVgCxCACLcBGAsYHQ/s1280/78356772_2500940650019954_8408602528756793344_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1280" data-original-width="1280" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-3JBG9c_j-5w/X8j39CgN8HI/AAAAAAAAPUc/z9dtsvERSNsWB8HuvA8OG80U7dCVgCxCACLcBGAsYHQ/w400-h400/78356772_2500940650019954_8408602528756793344_o.jpg" width="400" /></a></div></div></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-19764742845654092122020-11-27T06:51:00.003-08:002020-11-27T07:04:28.205-08:00Ape Skull : el errante retorno del vintage italiano<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-qa-bjmEyIbU/X6QwsK2v1gI/AAAAAAAAPQs/PB5LL4swUlskxqNw4P1QBQnEXelHS6dRQCLcBGAsYHQ/s2048/Ape%2BSkull%2B-%2BFields%2Bof%2Bunconscious.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="2048" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-qa-bjmEyIbU/X6QwsK2v1gI/AAAAAAAAPQs/PB5LL4swUlskxqNw4P1QBQnEXelHS6dRQCLcBGAsYHQ/s320/Ape%2BSkull%2B-%2BFields%2Bof%2Bunconscious.jpg" /></a></div><br /><p></p><div>Según Adolfo Vera en su texto <i>El ser y la electricidad: una filosofía del rock</i>, una de las características del rock entendidas como posturas, es que siempre se encuentra en errancia; es decir, es permanente estado de búsqueda, escape o huida. Ya sea en salida de la casa familiar o en deseo ferviente de recorrer las carreteras hasta lograr que las huellas desaparezcan tras plasmarlas en la arena, el rockero se aferra de manera irónica a la desaparición y a la vagancia. Al abrir las posibilidades hasta el infinito, la música se transforma en el vehículo perfecto para lograr dicho cometido.</div><div><br /></div><div>Sin embargo, dicho estado de errancia logra derribar las murallas físicas cuando logra establecer los medios de la experiencia nómada a través de la huida mental, auqella vagancia sobre los senderos ocultos de la inconsciencia. Si bien los caminos químicos de las sustancias psicoactivas podría ser nuestra primera referencia si a rock nos referimos, también las opciones se podrían remitir a la experiencia estética que provoca la salida del cuerpo como si se tratara de un desprendimiento o quizá de la simple divagación originada por los altos volúmenes que sacuden las neuronas hasta lograr el olvido de todo a su alrededor.</div><div><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-K7rA0Y1QtNs/X8EC45ANEzI/AAAAAAAAPSw/eGFzPjg3Hig4OYJUZIQbjh2WBPwNIVkQQCLcBGAsYHQ/s1772/21246474_1455889817833724_6090516818953678666_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1173" data-original-width="1772" height="265" src="https://1.bp.blogspot.com/-K7rA0Y1QtNs/X8EC45ANEzI/AAAAAAAAPSw/eGFzPjg3Hig4OYJUZIQbjh2WBPwNIVkQQCLcBGAsYHQ/w400-h265/21246474_1455889817833724_6090516818953678666_o.jpg" width="400" /></a></div><br /> Aquí es el lugar donde se encuentra el <i>Fields of unconscious</i> de los italianos Ape Skull, aquella banda que provoca la deserción en sentido contrario al proponerse construir un sonido que nos retorne a las viejas glorias del rock puro de los power-trio, la aspereza del sonido en directo y análogo, la melodía sin contemplaciones bajo un áurea vintage y el recuerdo de aquellos sonidos antiguos de cuando el blues se electrificó hasta lograr su transformación mística bajo la psicodelia y sus ensoñaciones sonoras.</div><div><br /></div><div>Precisamente el tercer álbum del trío romano fundamenta su propuesta auditiva en aquellos parajes de antaño como una forma de provocar el éxodo interno hacia la expansión de la consciencia, a la pérdida dentro de los laberintos resguardados por la lucidez con la intención de incitar al cuerpo a su abandono y evadir la realidad. El título del álbum es por de más provocador, pero más allá de encontrarnos un material alucinógeno bajo interminables capas de sonido envolvente bajo vapores liségicos, <i>Fields of unconscious </i>es un golpe eléctrico de hard blues y rock revival que logra retornar nuestros pasoshiaca el pasado mientras sus líricas no dejan de expresar su deseo por aquella errancia arriba descrita.</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-MKB9RzUlNOA/X8EF4tsCmVI/AAAAAAAAPS4/RGj7ZboctYwLMYBSai0t-8hF75ePriNGQCLcBGAsYHQ/s960/86801604_2756729934416366_7774720404463026176_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="652" data-original-width="960" height="271" src="https://1.bp.blogspot.com/-MKB9RzUlNOA/X8EF4tsCmVI/AAAAAAAAPS4/RGj7ZboctYwLMYBSai0t-8hF75ePriNGQCLcBGAsYHQ/w400-h271/86801604_2756729934416366_7774720404463026176_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><div>Publicado en octubre de 2020 a través de Skronk Records, <i>Fields of unconscious </i>es un álbum de terso fluir donde se hace constante referencia a la libertad y la dispersión desde cualquier punto de donde sea escuchado. Si bien desde su tema introductorio que le dota de título al material podemos oír esos acordes que huelen a pasado mientras se describen los escapes mentales entre insistentes y retadores "No me importa - I don't mind", Ape Skull demuestra su concepto a través de un escape de la línea armónica original de su tema para desarrollar una escabullida impresionante que demuestra la versatilidad compositiva y la calidad interpretativa de Giulianno Padronni en la batería, Fulvio Cartacci en la guitarra y Pierpaolo Pastorelli en el bajo. </div><div><br /></div><div>Al continuar el recorrido sin itinerario, el disco nos lleva por senderos que no dejan de hablar un sólo momento de la evasión, ya sea desde el plano físico como en "Freedom" y su melancólico sentimiento que sopla durante su desarrollo, o bien en el plano inmaterial como queda demostrado en la concluyente "Atom in the sky" bajo su referencia cuántica y explosiones multicolores que se aferran al primer hard psych. "That's all I want" es una declaración obvia de intenciones a través de una guitarra hiriente que sabe aprovechar los instantes de silencio que ofrece su melodía, "Glory days" es una patente mirada retrospectiva a los viejos sonidos realizados en momentos recordados llenos de esplendor, y "Heya" es de manera completa un tributo hacia las referencias antiguas que nos remite a un rito indio frente a un fuego mítico mientras los cánticos buscan liberar nuestras almas bajo el abandono de nuestra realidad citadina. <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/1WOKjX1N5Ds" width="320" youtube-src-id="1WOKjX1N5Ds"></iframe></div><div><br /></div><div>Sin embargo, Ape Skull confiesa que es necesario retornar al hogar y a la seguridad tras un largo recorrido de errancia y vagancia. "I'm coming home, baby" no se trata tan solo de una confesión hacia sus obvias referencias sonoras alojadas en las viejas glorias de Hendrix y Blue Cheer que han rescatado de manera excelsa sus compatriotas <a href="https://www.earthquakermexico.com/2018/05/black-rainbow-la-distorsion-sonora-de.html">Black Rainbows</a>, sino también es una declaración concreta sobre las estructuras sonoras ofrecidas por la banda en su maravilloso álbum debut de abril de 2013 y además un grito de necesidad por encontrar el calor frente a los riesgos y accidentes sufridos ante el viaje constante y cansado que significa el rock n' roll. A través de una melodía infecciosa, el power trio italino nos regala una armonía que obliga al movimiento mientras nos inyecta alegría por el retorno y al mismo tiempo nos ofrece un suero eléctrico que logra recargar la energía perdida ante el esfuerzo realizado.</div><div><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-mPP32-63YuE/X8EOi5S0ozI/AAAAAAAAPTA/yMVS1zLxgEUs8mCozTH3DWHNLTQHn0ehACLcBGAsYHQ/s1848/121660515_3379585715464115_1925014522545689016_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1848" data-original-width="1224" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-mPP32-63YuE/X8EOi5S0ozI/AAAAAAAAPTA/yMVS1zLxgEUs8mCozTH3DWHNLTQHn0ehACLcBGAsYHQ/w265-h400/121660515_3379585715464115_1925014522545689016_o.jpg" width="265" /></a></div><br /> Una vez desmenuzado el <i>Fields of unconscious, </i>comprendemos que lejos de ser un material nebuloso que se interna sin remedio ni brújula a los demoníacos laberintos de la mente, el tercer álbum de Ape Skull sirve como un recordatorio de aquellos sonidos que están guardados en nuestro interior que son utilizados como soporte e inspiración para lo que es el rock en la actualidad. El intento sonoro realizado por la banda italiana está basado en la eliminación de culpas por la vida errante del rockero y su eterno retorno a su origen melódico lleno de seguridad, una confesión auditiva que espanta los fantasmas del pasado para reconocerlos como influencias aceptadas y asimiladas con la finalidad de crear algo nuevo a través de un pasado glorioso. Libres de remordimientos, ahora es momento de disfrutar esta pequeña maravilla eléctrica...</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-QNLOj75XcQs/X8ERZc1fEeI/AAAAAAAAPTI/nltfO-NKeR8eroZJqlfRn2D8rFVBdFhHQCLcBGAsYHQ/s847/86810229_2756937527728940_991976869433704448_n.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="847" data-original-width="847" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-QNLOj75XcQs/X8ERZc1fEeI/AAAAAAAAPTI/nltfO-NKeR8eroZJqlfRn2D8rFVBdFhHQCLcBGAsYHQ/w400-h400/86810229_2756937527728940_991976869433704448_n.png" width="400" /></a></div><br /><div><br /></div><div><br /></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-78785137923744376712020-11-04T06:49:00.001-08:002020-11-04T06:49:23.797-08:00Slomosa : cuando las tundras se convierten en dunas<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-nLyMw62dqw8/X6KqlhkdIHI/AAAAAAAAPP4/vERxxlrRp5UoTCG49omOROV-P3alDU5NQCLcBGAsYHQ/s1200/a0463602372_10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-nLyMw62dqw8/X6KqlhkdIHI/AAAAAAAAPP4/vERxxlrRp5UoTCG49omOROV-P3alDU5NQCLcBGAsYHQ/s320/a0463602372_10.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Bergen es una ciudad noruega conocida por ser un puerto turístico que sirve de cobijo para los comerciantes, además de ser la puerta de bienvenida para los reconocidos fiordos. Ante el inminente frío que las aguas del Mar del Norte y los glaciares provocan en aquel lugar hermoso pero inhóspito, su gente busca la forma de provocar calor a la menor insinuación. Así es como llegamos a conocer a Slomosa, una banda que han logrado transformar las congeladas tundras en ardientes dunas a través de un áspero rock desértico que de manera inesperada nos retorna a las viejas glorias de la California de finales del siglo pasado y principios del nuevo. </p><p>Bajo esta lógica es como coincidieron cuatro jóvenes en 2017, una premisa que han sostenido hasta lograr en los últimos días de agosto de 2020 la publicación de su álbum debut a través de la disquera Apollon Records. Si bien la recomendación de varias páginas especializadas ya habían hecho correr algunos ríos de tinta sobre este material discográfico, ahora era necesario escuchar con calma la propuesta sonora de Slomosa por medio de ocho temas de puro rock arenoso de buena manufactura y coloridas posibilidades que saben escapar del yugo omnipresente de aquel género pervertido conocido como stoner. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-EMszayi5t88/X6K1J1FvfnI/AAAAAAAAPQM/UnaT71EjAa8L8_zbem-fs0DH5mkz0v1iwCLcBGAsYHQ/s998/31949382_1878699562164439_2720071855925886976_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="726" data-original-width="998" height="291" src="https://1.bp.blogspot.com/-EMszayi5t88/X6K1J1FvfnI/AAAAAAAAPQM/UnaT71EjAa8L8_zbem-fs0DH5mkz0v1iwCLcBGAsYHQ/w400-h291/31949382_1878699562164439_2720071855925886976_o.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p>Slomosa estaba originalmente conformado por el guitarrista y vocalista Benjamin Berdous, el baterista Severin Sandvik , el guitarrista Anders Rørlien y el bajista Kristian Tvedt, quienes grabaron en el Lokalet Studio las canciones que conforman el álbum debut durante 2019. Sin embargo, la banda cambió la mitad de sus integrantes en ese mismo año, llegando así la bajista Marie Moe y el segundo guitarrista Tor Erik Bye. Estos cambios en su estructura provocó que la banda tuviera más posibilidades sonoras en su estilo, lo que le ha permitido virar desde el fundamental sonido básico del rock desértico californiano de los años 90's y el embeleso pop que tuvo dicho sonido durante la primera década del siglo XXI para finalmente alcanzar cosas mucho más fuertes y épicas bajo los principios del stoner metal.</p><p>Las influencias dentro del homónimo <i>Slomosa</i> son imposibles de ocultar: tenemos la hipnótica "Estonia" con aquel riff que recuerda algunos momentos del mítico <i>Welcome to Sky Valley</i> de Kyuss mientras los coros que cruzan la melodía nace directamente de los primeros álbumes de The Sword, "Just to be" navega sobre las aguas seguras del áspero y constante pop de <a href="https://www.earthquakermexico.com/2015/09/mexicola-de-queens-of-stone-age-la.html">Queens of the Stone Age</a>, la incisiva "There is nothing new under the sun" equilibra la insistencia de Dozer con la potencia clásica de <a href="https://www.earthquakermexico.com/2016/08/truckfighters-o-como-escuchar-una.html">Truckfighters</a>, la contundente y concreta "Kevin" cumple con los cánones del stoner desértico bajo los esquemas impuestos por<a href="https://www.earthquakermexico.com/2018/02/fu-manchu-cuando-un-nuevo-sonido-se.html"> Fu Manchu</a>, y sin duda la inaugural "Horses" nos remite a los sonidos épicos llenos de senderos ocultos que ofrecen la posibilidad de escape y divagación como lo han establecidos los propios <a href="https://www.earthquakermexico.com/2016/12/the-sword-recordando-los-lobos-del.html">The Sword</a>, quizá la potencia de Mastodon o hasta la imaginación de Elder.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-jzxxm-bORfI/X6K1SdjO2yI/AAAAAAAAPQQ/xGuDd8IC4IYX-VYs6lQRsRDTGQBW2D0DgCLcBGAsYHQ/s960/85022212_2965602866807431_7838584394901094400_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="959" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-jzxxm-bORfI/X6K1SdjO2yI/AAAAAAAAPQQ/xGuDd8IC4IYX-VYs6lQRsRDTGQBW2D0DgCLcBGAsYHQ/w400-h400/85022212_2965602866807431_7838584394901094400_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><p>Y aunque podemos descifrar a la perfección las referencias sonoras del cuarteto de Bergen, ello nos puede distraer de la verdadera oferta propia que tiene <i>Slomosa</i> entre sus surcos. El debut de los noruegos ha sido catalogado por ellos mismos como tundra rock con la intención de remarcar el poder de las congeladas estepas y las heladas montañas sobre las líricas y el sonido de la banda, aunque al final de su escuchamos terminamos detectando algunos lugares comunes como el desierto y el sol. Aun así, podemos encontrar melodías concretas que juegan con la melancolía de los paisajes nevados que ansían la llegada del astro rey que logre ofrecer algo de clemencia.</p><p>De esta manera podemos rescatar a la multifacética "Scavengers" con aquel atisbo místico a través de su mágica línea de bajo y esa guitarra a la Josh Homme que termina haciéndose cada vez más cruda hasta saturar las bocinas con una melodía cruda, pero con el paso de los minutos, logra una divagación que escapa de los desiertos de California y termina en la Escandinavia imponente. De la misma forma nos encontramos con la concluyente "On and beyond", un onírico track que nos envuelve bajo su lúgubre velo que a la menor provocación se transforma en un muro sonoro que se derrumba frente a nosotros para dejar tan solo la admiración de unos ambiguos restos que aun sabrán exprimir el ruido de entre los escombros.</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/wrdRIPZ4-MI" width="320" youtube-src-id="wrdRIPZ4-MI"></iframe></div><br />Uno de los temas más interesantes del álbum debut de Slomosa es "In my mind's desert", que más allá de su obvia referencia, el track ofrece un sonido relajante que permite el desarrollo de una lírica reflexiva sobre sobre el hombre y su relación con los demás, logrando así un soliloquio sobre el odio y una conclusión sobre la responsabilidad propia y única del individuo sobre sus actos y sus consecuencias. Este tema es el primero que fue escrito por Benjamin Berdous para Slomosa y en él se ven los primeros trazos hacia atrapar el sonido del rock desértico a través de melodías concretas, guitarras ásperas provocadas por el pulso sobre el fuzz y el coraje vertido sobre las cuerdas metálicas. Los cambios de intensidad del track provocan momentos distintos durante sus casi cinco minutos, logrando de esa manera que el tema fluya por diversos lugares aunque todo está basado en una armonía básica. Por si fuera poco, cuando la canción alcanza su ansiado solo de guitarra, todo queda reducido a la posibilidad de perder la mente entre reflexiones, dunas y tundras.<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-M-bpPLypQhA/X6K9jn8LEhI/AAAAAAAAPQc/CnLc2l4sbVkaSCO7J3h4Jr-3VkThReVAACLcBGAsYHQ/s1440/102104555_3252262198141495_4945462478348746752_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1440" data-original-width="1440" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-M-bpPLypQhA/X6K9jn8LEhI/AAAAAAAAPQc/CnLc2l4sbVkaSCO7J3h4Jr-3VkThReVAACLcBGAsYHQ/s320/102104555_3252262198141495_4945462478348746752_o.jpg" /></a></div><p>Slomosa tiene todo en sus manos para convertirse en un referente obligado del rock desértico en Escandinavia y toda la Europa. Sus múltiples influencias logran construir un equilibrio en su estilo con la finalidad de ofrecer un abanico amplio de posibilidades melódicas y hasta sonoras más allá de lo que significa el stoner en el ideario musical. Por lo pronto, su álbum debut contiene los elementos suficientes para sembrar las esperanzas gracias a riffs poderosos, melodías adictivas y líricas interesantes, pero ahora habrá que esperar que la banda noruega pueda exponer todo ésto sobre los escenarios y, al mismo tiempo, logre madurar su sonido hacia nuevos senderos. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-MowlPV50odY/X6K-q07mG7I/AAAAAAAAPQk/OihepHMBLGg2zxovoWAuz6scf6s5aUw3QCLcBGAsYHQ/s900/89877644_3057226060978444_2790025229521387520_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="900" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-MowlPV50odY/X6K-q07mG7I/AAAAAAAAPQk/OihepHMBLGg2zxovoWAuz6scf6s5aUw3QCLcBGAsYHQ/w400-h266/89877644_3057226060978444_2790025229521387520_n.jpg" width="400" /></a></div><p><br /></p>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-73795761124456254132020-09-30T06:15:00.000-07:002020-09-30T06:15:40.995-07:00Dead Lord : una rendición al hard rock sueco<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-P2XwFhD8US0/X3Rx2rKTwtI/AAAAAAAAPL8/v8uo0XVwo90sjTOI5hMPeh4h6uld-ZjagCLcBGAsYHQ/s983/115749578_2828933300545308_7928983858116798285_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="983" data-original-width="983" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-P2XwFhD8US0/X3Rx2rKTwtI/AAAAAAAAPL8/v8uo0XVwo90sjTOI5hMPeh4h6uld-ZjagCLcBGAsYHQ/s320/115749578_2828933300545308_7928983858116798285_o.jpg" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Dead Lord es una banda que tiene una marca sonora establecida, una fórmula probada de la cual es imposible escapar. Tras la arrebatadora imagen de su frontman Hakim Krim, el grupo ofrece desde 2012 aquel dinámico sonido del clásico hard rock sueco al que muchos identificamos con The Hellacopters y que es heredero definitivo del estilo auditivo de finales de los años setentas a través de una mezcla de guitarras gemelas y ritmos constantes. Si bien ya nos habíamos hecho la pregunta al escribir sobre su anterior álbum <i>In ignorance we trust</i> de 2017 (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2017/09/dead-lord-es-demasiado-tarde-para-el.html">reseña-review</a>), nuevamente colocamos la interrogante sobre la mesa: ¿qué más nos puede ofrecer el cuarteto de Estocolmo?</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><i>Surrender</i> es el cuarto álbum de Dead Lord y ha sido editado por Century Media Records a principios de septiembre de 2020 y, como era de esperarse, en él podemos escuchar su sonido patentado en materiales anteriores construido por medio de melodías directas, ritmos venenosos y guitarras adictivas. Sin embargo, los suecos han decidido dar un paso más allá de su estilo para ofrecer algunas experimentaciones sonoras que permiten pensar que quizá el grupo pueda realizar cosas distintas más allá de lo que todos conocemos hasta este momento. Eso nos obliga a repasar cada uno de sus tracks en búsqueda de indicios que indiquen sus nuevos senderos.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ackHKj-zZpM/X3R2Lgws0AI/AAAAAAAAPME/4pvwXIFc9OI4tq6HTIIxAQ2g1w9gFsg9gCLcBGAsYHQ/s640/66867274_1993440167427963_7414874425062850560_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="636" data-original-width="640" height="398" src="https://1.bp.blogspot.com/-ackHKj-zZpM/X3R2Lgws0AI/AAAAAAAAPME/4pvwXIFc9OI4tq6HTIIxAQ2g1w9gFsg9gCLcBGAsYHQ/w400-h398/66867274_1993440167427963_7414874425062850560_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">En primer lugar, es necesario establecer el contexto en el que se realizó <i>Surrender</i>. Su guitarrista Olle Hedenström abandanó a Dead Lord durante 2019, dejando a la banda sin uno de sus pilares. Esta situación obligó a su bajista Martin Nordin a tomar la vacante en lo que buscaban a un nuevo integrante. Aun así, los suecos decidieron en febrero de 2020 entrar al Humbucker Studio para grabar su nuevo álbum sin tener al personal completo; hasta que en mayo fue presentado Ryan Kemp como nuevo bajista de Dead Lord, dejando de manera definitiva a Nordin como guitarrista.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Con este antecedente, el cuarto material discográfico de Dead Lord requiere una atención mayor pues en su travesía descubriremos mayores diferencias con los álbumes anteriores. Uno de los sencillos promocionales del <i>Surrender</i> fue "Evil always wins", track de obvia referencia sonora de riff incendiario hecho con base en guitarras gemelas y un estribillo que obliga al canto mientras observamos la ingesta de unos hot dogs a la mitad de los bosques escandinavos. Otro de los singles que se han presentado previo a la publicación oficial del álbum es "Letter from Allen St.", un tema donde podemos escuchar una melodía heredera del clásico Thin Lizzy, pero que más allá de la inicial guitarra asesina, la canción queda anclada en un ritmo entrecortado que busca darle mayor importancia a la línea armónica.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-8zzVhSngXL4/X3R8wH7zLhI/AAAAAAAAPMM/46-oBfDtf58s-eVLluyVr0OmvRshVbNBgCLcBGAsYHQ/s1440/98186869_2651728884932418_8599744838469943296_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="959" data-original-width="1440" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-8zzVhSngXL4/X3R8wH7zLhI/AAAAAAAAPMM/46-oBfDtf58s-eVLluyVr0OmvRshVbNBgCLcBGAsYHQ/w400-h266/98186869_2651728884932418_8599744838469943296_o.jpg" width="400" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Bajo estas dos pruebas previas al <i>Surrender </i>uno podría esperar que no hay más allá dentro de sus surcos, pero en una exploración más profunda, las sorpresas comienzan a salir a flote. Más allá de su base sonora construida a través de la marca registrada de Dead Lord, "Authority" arranca con un riff demoledor más cercano al NWOBHM que tras unos segundos queda olvidado bajo una melodía pop. Así mismo y como se comentó antes, Hakim Krim tiene en Phil Lynott su mayor referencia para componer, pero en "Messin' up" escuchamos un nueva versión del "Wild one" incluida en el <i>Fighting</i> de Thin Lizzy. Enseguida nos encontramos con "Dark end of the rainbow", un track que en sus estrofas nos hace olvidar el tufo vintage que identifica a Dead Lord, pero al momento de llegar a su estribillo, todo regresa a puerto seguro más allá del tenue piano que escucha en algunos instantes.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Sin embargo, para crear un álbum dentro de tiempos de reconstrucción, la mejor opción es aferrarse a la fórmula probada. De esta manera, nos encontramos con la directa y completamente hellacopteriana "The loner's ways", la setentera y barroca "Gonna get me" y la acelerada "Dystopia" con su inicio cósmico. Más allá de las obvias referencias, bien podríamos rescatar a la potente "Bridges", un tema donde podemos deleitarnos con la capacidad interpretativa de Adam Lindmark en los tambores mientras los constantes arreglos de guitarra nos transportan por instantes al NWOBHM setentero; delimitando al mismo tiempo que la banda podría retomar este sendero gracias al duelo de guitarras de Nordin y Krim, a la idea compositiva que le da coherencia al track, y a la intensidad lograda en la grabación.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/eus13KPy47E" width="320" youtube-src-id="eus13KPy47E"></iframe></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><i>Surrender </i>abre como la demoledora "Distance over time" y su demostración de cómo se emplean las guitarras gemelas en el hard rock sueco del nuevo siglo. La velocidad constante del track permite arrebatar la atención al oyente para jamás devolverla. El ritmo entrecortado se torna filoso en cada una de las estrofas pero al mismo encuentra una ligera cadencia al llegar al estribillo, elemento que identifica sin lugar a dudas a todas las composiciones de Dead Lord. Casi desde el primer segundo del tema nos encontramos al borde del sillón esperando un ansiado solo de guitarra espectacular, que cuando llega sólo tenemos que dejar que explote irremediablemente en las bocinas. Asimismo, "Distance over time" logra ofrecer un nervioso puente sonoro de tarola sostenida hasta que la tensión revienta en mil pedazos para alcanzar sosiego en las frases del coro. Sin lugar a dudas, ésto es el hard rock sueco!!</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ItrLyY2NS-4/X3SDXKjR4lI/AAAAAAAAPMU/EBlQFCqNp8UShS3fnwN23vbSpEtg8SbxgCLcBGAsYHQ/s650/118836011_2945326452239325_6798968622362369606_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="650" data-original-width="650" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-ItrLyY2NS-4/X3SDXKjR4lI/AAAAAAAAPMU/EBlQFCqNp8UShS3fnwN23vbSpEtg8SbxgCLcBGAsYHQ/w400-h400/118836011_2945326452239325_6798968622362369606_n.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div>Más allá de aquellos tracks explosivos que sin duda sirven de singles directos, debemos identificar al <i>Surrender </i>como un álbum de transición dentro de la discografía de Dead Lord. En algunos temas se puede saborear algunas experimentaciones que nos permiten olfatear los nuevos aires que podría tomar la banda sueca en un futuro, pero quizá todo sea prematuro mientras la nueva alineación no se afirma dentro del local de ensayos y sobre los escenarios. Por lo pronto, este disco satisface a los seguidores del cuarteto de Estocolmo al ofrecerles más de la misma dosis conocida, pero para quienes cavamos sobre su contenido en búsqueda de tesoros, tendremos la suerte de escuchar cosas frescas que permitan sembrar esperanzas hacia un desarrollo sonoro del grupo sin que éste pierda su estilo probado.<div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-xh0NBw7r5vc/X3SEgeQaotI/AAAAAAAAPMc/kyjWCeVDNwIXsUD1TkgyGuN7a6aFpxoTwCLcBGAsYHQ/s1440/96680548_2639134916191815_3155735806375624704_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="1440" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-xh0NBw7r5vc/X3SEgeQaotI/AAAAAAAAPMc/kyjWCeVDNwIXsUD1TkgyGuN7a6aFpxoTwCLcBGAsYHQ/w400-h266/96680548_2639134916191815_3155735806375624704_o.jpg" width="400" /></a></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-54366330089064006592020-09-24T06:35:00.000-07:002020-09-24T06:35:06.349-07:00Daily Thompson : desde Dortmund para el Universo<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-fEMNKks8GSE/X2yLiilhHOI/AAAAAAAAPK4/D9SY5FIFdTUhUZlCJMMpYLP24Th5nN_NACLcBGAsYHQ/s1638/100889564_3213981945289633_5696986574378500096_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1638" data-original-width="1638" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-fEMNKks8GSE/X2yLiilhHOI/AAAAAAAAPK4/D9SY5FIFdTUhUZlCJMMpYLP24Th5nN_NACLcBGAsYHQ/s320/100889564_3213981945289633_5696986574378500096_o.jpg" /></a></div><p></p><p>Cuando una banda define su sonido desde sus primeros segundos, lo único que tiene que hacer enseguida es desarrollarlo para los mismas bases acústicas para llevarlo a nuevos lugares sin perder aquella esencia alcanzada. Habrá momentos en que ciertos ingredientes sean más acentuados que en otros, pero en ello estriba la importancia de tener muy claro qué es lo que se busca ofrecer mientras se disfruta su camino para alcanzarlo. Sin embargo, existen pocas agrupaciones pueden presumir de este estado de equilibrio que oriente su trabajo sonoro, por lo que es importante resaltar a aquellas que lo han logrado. Es por eso que Daily Thompson ha encontrado un espacio dentro de Earthquaker...</p><p>Daily Thompson tienen sus orígenes en el año 2012 cuando se conformó a través de la base de un power trío inspirado en el grunge y el noise rock de los 90's que con el paso del tiempo ha sumado a su combo sonoro varios elementos de la psicodelia espacial, el rock desértico y hasta el blues electificado. Así es como encontramos el día de hoy a Danny Zaremba en las guitarras, Mercedes Lalakakis en el bajo y Matthias Glass, quienes no han abandonado Dortmund, Alemania como base de operaciones. </p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-g247xTRPPN4/X2yPvVOz8qI/AAAAAAAAPLA/sWo4_Dre6OYAqrBU6gHJ2wuuHmxOZGLDwCLcBGAsYHQ/s2048/118286748_3456848004336358_3780160248180182511_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1362" data-original-width="2048" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-g247xTRPPN4/X2yPvVOz8qI/AAAAAAAAPLA/sWo4_Dre6OYAqrBU6gHJ2wuuHmxOZGLDwCLcBGAsYHQ/w400-h266/118286748_3456848004336358_3780160248180182511_o.jpg" width="400" /></a></div><br />Lejos de la referencia olímpica que ofrece su nombre bajo el recuerdo de aquel decatlonista inglés, el trio alemán siempre ha buscado colocar un velo sobre sí con la intención deliberada de ocultar su sonido en base a un título obvio. Por si fuera poco, al escuchar un tema de la banda ésto podría resultar engañoso, pues su estilo sonoro no queda atrapado en una sola cápsula auditiva; obligando así al escucha a terminar de recorrer los surcos del vinilo para hacer un intento por descubrir todas las influencias musicales que se resguardan en su interior.<p></p><p>Dentro de la misma lógica misteriosa que ha empleado Daily Thompson desde su origen, en agosto de 2020 a través de Noisolution Records han publicado su cuarto álbum completo titulado <i>Oumuamua</i>, que más allá de la referencia mimética al <i>Ummagumma </i>de Pink Floyd, logra una nula idea sobre lo que podemos encontrar en su interior. Una vez que bajamos la aguja sobre el plano negro nos encontramos con un largo track de once minutos y medio de duración llamado "She's so cold" que bien podría espantar a cualquiera, pero tras tomarnos suavemente de la mano entre tenues marismas que hipnotizan, la banda logra subir la intensidad de manera perfecta hasta construir un típico tema stoner bajo la escuela de <a href="https://www.earthquakermexico.com/2018/02/fu-manchu-cuando-un-nuevo-sonido-se.html">Fu Manchu</a> que con el tiempo recuperaron los griegos <a href="https://www.earthquakermexico.com/2015/04/1000mods-buitres-que-sobrevuelan-el.html">1000mods</a>, no sin antes ofrecernos un embeleso bajo la hermosa y enigmática voz de Mephi con aquel tufo a Sonic Youth o las sosegadas caminatas sonoras de <a href="https://www.earthquakermexico.com/2017/02/all-them-witches-enfocados-en.html">All Them Witches</a>. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-VP_Ml18-OYE/X2yUXpA9hOI/AAAAAAAAPLI/xIt0qZ5xU78N2DdApWBnP8QGlBYvhabHgCLcBGAsYHQ/s853/95777240_3148966498457845_5011686969927794688_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="853" height="225" src="https://1.bp.blogspot.com/-VP_Ml18-OYE/X2yUXpA9hOI/AAAAAAAAPLI/xIt0qZ5xU78N2DdApWBnP8QGlBYvhabHgCLcBGAsYHQ/w400-h225/95777240_3148966498457845_5011686969927794688_n.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">El track más violento del <i>Oumuamua </i>es sin duda "On my mind" gracias a sus figuras resbaladas que le dan inicio hasta que un riff afilado entona la melodía adictiva. Daily Thompson nos ofrece una armonía directa de hard blues sin mayores pretensiones que confiesan algunas de las influencias de la banda cuando ésta se decide a cambiar la melodía bajo los preceptos de la música hecha en la última década del siglo pasado. Es imposible no detectar ese sabor a grunge ruidoso y áspero en su puente, pero al tomar velocidad, la figura nos remite por algunos segundos al stoner arenoso. Cuando creemos que ya todo está terminado, la guitarra abandona el fuzz y se transforma en unos limpios acordes campiranos que hasta ofrecen espacio para que alternen las voces de Zaremba y Lalakakis bajo un tufo sureño que es olvidado casi de manera inmediata. Manteniendo de manera contradictoria un ambiente de inquietud y misterio, escuchamos el inicio de "Slow me down", un track que a los pocos segundos muta en un hard rock concreto con cierto sabor sureño y hasta desértico; aunque dicha esencia sonora se logra mantener en la obvia "Half Thompson" con su armonía clásica de blues electrificado que sabe encontrar las pausas exactas para alcanzar su intensidad.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><i>Oumuamua </i>encuentra su punto climático en la colosal "Cosmic cigar", un tema psicodélico que sin duda inspiró el arte de Maike Klamp que sirve de portada al álbum. Este track hace a un lado el sonido fuzz para divagar sobre tenues experimentaciones que provocan el abandono de la gravedad mientras observamos el espectáculo del Universo, pero una vez que nos encontramos en el extravío sideral, Daily Thompson vuelve a retomar el ruido y el volumen para sacudirnos el espasmo. Para terminar el material discográfico, los alemanes aprovechan la atmósfera espacial para dejar en las bocinas algunos diálogos que nos remiten a cosmonautas en odiseas estelares mientras una guitarra acústicas nos golpea con su melancólica melodía bajo el recuerdo desértico del <i>The coyote who spoke in tongues</i> de<a href="https://www.earthquakermexico.com/2017/02/john-garcia-ante-la-fogata-acustica-del.html"> John Garcia</a> mientras observamos cómo se apaga la fogata que nos ha acompañado durante una noche arenosa bajo el resguardo del cielo estrellado. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/ssyQAfPFDr0" width="320" youtube-src-id="ssyQAfPFDr0"></iframe></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Efectivamente, Daily Thompson es demasiado versátil, pero su mayor valor se encuentra en la inteligencia que tienen para cambiar de estilo sonoro de forma natural sin que se siente forzado cada mutación, algo que no es sencillo por más que parezca serlo. <i>Oumuamua </i>nos cambia de dirección de manera radical con su rastrera "Sad Frank", un blues aletargado que repta por el suelo con su ritmo ahogado en zozobra que logra su clímax de manera controlada por medio de un teclado atmosférico que sabe construir un riff venenoso junto con la punzante figura de la guitarra, la cual logra finalmente un anhelado solo explosivo. De manera irónica, el trabajo visual realizado por Daniel Hacker y Dirk Rosenlöcher que acompaña al track, rompe de manera drástica con la zozobra del tema, pues sus intensos colores nos sacuden frente al aletargado ritmo de su melodía. No podemos dejar pasar esta canción sin recordar a gente como los americanos <a href="https://www.earthquakermexico.com/2015/05/all-them-witches-vendiendo-el-alma-en.html">All Them Witches</a> o los australianos <a href="https://www.earthquakermexico.com/2016/06/the-blackwater-fever-hasta-las.html">The Blackwater Fever</a> debido a esa capacidad para construir ambientes llenos de obscuridad que sólo el poder de la electricidad pueden dinamitar hasta dejarlos reducidos en mil astillas. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Gs3dYN5uako/X2ycRtgHRBI/AAAAAAAAPLQ/HUCvh_UHgoEyF7GPUD-164Buu-N_D0NzwCLcBGAsYHQ/s711/118891955_3509959149025243_8167438969534857708_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="628" data-original-width="711" height="354" src="https://1.bp.blogspot.com/-Gs3dYN5uako/X2ycRtgHRBI/AAAAAAAAPLQ/HUCvh_UHgoEyF7GPUD-164Buu-N_D0NzwCLcBGAsYHQ/w400-h354/118891955_3509959149025243_8167438969534857708_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Si uno tiene la cautela de escuchar el trabajo previo que antecede a <i>Oumuamua</i>, bien se pueden detectar en algunos momentos todos y cada uno de sus elementos, pero sin lugar a dudas, este material de Daily Thompson es el mejor de su discografía gracias a la inteligencia para saber insertar cada ingrediente en el lugar preciso. El álbum fluye de manera orgánica y tiene la capacidad de recrear distintas atmósferas más allá de su esencia sonora, provocando que el escucha se encuentre atento a cada una de las sorpresas que se resguardan en su interior. Es necesario escribirlo, es obligatoria la escucha de este gran pedazo de disco... fundamental para este 2020.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-epP0SP8UaCk/X2yd1MUmUnI/AAAAAAAAPLY/_jdkXnsZLkMH-oyQab71GnA6M8lKVupgwCLcBGAsYHQ/s2048/103978471_3252810428073451_109505221691080439_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1365" data-original-width="2048" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-epP0SP8UaCk/X2yd1MUmUnI/AAAAAAAAPLY/_jdkXnsZLkMH-oyQab71GnA6M8lKVupgwCLcBGAsYHQ/w400-h266/103978471_3252810428073451_109505221691080439_o.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-29547061640585583972020-09-11T05:11:00.001-07:002020-09-11T05:11:53.661-07:00Kitchen Witch : una tormenta de arena sobre Adelaide<p> <a href="https://1.bp.blogspot.com/-Mu2TDXAE79U/X1pwKYv8cbI/AAAAAAAAPJY/yyMpINGp1hcfCw1kSRzdFw_nHFcrtxE9QCLcBGAsYHQ/s1875/106719955_3295936460463277_3012220049365697047_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1875" data-original-width="1875" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-Mu2TDXAE79U/X1pwKYv8cbI/AAAAAAAAPJY/yyMpINGp1hcfCw1kSRzdFw_nHFcrtxE9QCLcBGAsYHQ/s320/106719955_3295936460463277_3012220049365697047_o.jpg" /></a></p><p>Aún están en nuestro recuerdo aquellos acordes secos de "Slipstream", aquel tema desgarrador de imágenes panópticas que hacía coincidir el lamento femenino con un stoner robótico bajo las premisas del Queens of the Stone Age de principios de siglo. Los responsables de aquel track venenoso eran cuatro chicos de Adelaide que bajo el nombre de Kitchen Witch nos ofrecían una mirada propia de aquel sonido californiano que transformaba al desierto en un áspero elixir lisérgico que se deshace de manera aletargada en nuestras débiles bocinas saturadas.</p><p>Aquel álbum publicado en abril de 2017 titulado de manera homónima (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2018/03/kitchen-witch-cuando-australia-hace.html">reseña-review</a>) recuperaba algunos tracks presentados previamente en dos EP: el <i>Trouble</i> de enero de 2015 y el <i>Back to the mud</i> de junio de 2016. Sin embargo, es hasta agosto de 2020 cuando Kitchen Witch nos comparte un álbum completo construido de manera íntegra a través de siete temas que dota de una personalidad más definida a la banda por medio de un sonido más trabajado y composiciones más definidas a través de un concepto.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-blZYxLIBySA/X1pzVGOGtFI/AAAAAAAAPJg/WnwFos_CTiM6B4l6aXzk6rzi5nFKLGwJQCLcBGAsYHQ/s1365/92110402_3050490095007916_323362603042603008_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1365" data-original-width="1365" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-blZYxLIBySA/X1pzVGOGtFI/AAAAAAAAPJg/WnwFos_CTiM6B4l6aXzk6rzi5nFKLGwJQCLcBGAsYHQ/w400-h400/92110402_3050490095007916_323362603042603008_o.jpg" width="400" /></a></div><p>Bajo el nombre de <i>Earth and ether</i> podemos encontrar una colección de siete temas que logran su coherencia sonora a través del uso de acordes desgarradores que entonan melodías hipnóticas y que al mismo tiempo alcanzan su deleite por medio de una poderosa voz femenina que hechiza de manera irremediable. Más allá de esta esencia poderosa, Kitchen rescata su gusto por el blues rastrero que queda bien definido en la impresionante "Sunrise" y su pesado letargo que asemeja a una insolación obtenida por una larga exposición al sol desértico, pero el este álbum encuentra su clara definición en el stoner rebuscado de efectos alucinógenos que se escuchan de manera determinante en la inaugural "Lost", una oda que habla del extravío de la razón ante el enfrentamiento contra la incomprensión.</p><p>Las guitarras de Conor Kinsella mantienen ese tufo a desierto psicotrópico durante la totalidad del <i>Earth and ether</i>, pero al combinarse con las percusiones poderosas de John Russo y el pantanoso bajo de Simon Elliot, los temas que conforman el álbum tienen la posibilidad de viajar hacia dos ambientes que en podrían ser considerados contradictorios. Por un lado podemos saborear algunas texturas cósmicas que nos hacen perder la noción del suelo, pero por el otro tenemos la oportunidad de deleitarnos con fangosas melodías que nos ahogan con su misterio y zozobra; aunque ambas posturas logran dotar de versatilidad al material discográfico y convertirlo en una pieza digna de escucha detenida y deleitable.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-PfV8-kCBQEY/X1p2OKNqQII/AAAAAAAAPJo/nq006aCNC1oxGeMPe92s0AMJYJ3tfrCDwCLcBGAsYHQ/s640/82026657_2846679912055603_5994306213725077504_n.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="480" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-PfV8-kCBQEY/X1p2OKNqQII/AAAAAAAAPJo/nq006aCNC1oxGeMPe92s0AMJYJ3tfrCDwCLcBGAsYHQ/w300-h400/82026657_2846679912055603_5994306213725077504_n.png" width="300" /></a></div><p>Parece obvio que nuestra atención sea robada por las voces de Georgie Cosson, algo que ocurre de manera frenética en aquel tema que le da nombre al álbum, un track de melodía que poco a poco nos rodea hasta abandonarnos a nuestra suerte; pero la voz de la bruja australiana sabe tomarnos de la mano para mostrarnos de manera detenida todo el abismo sonoro que es provocado por la banda. Algo semejante ocurre con la eléctrica "Chase the sun", pues la rubia cantante logra atravesar el muro de ruido para enseñar lo que se guarda en su interior más allá de las distorsiones insistentes. </p><p>El riff asesino de "The frontal lobe" se acerca peligrosamente a un stoner metal infeccioso que al mismo tiempo ofrece mayores posibilidades acústica a la banda australiana, una rabia sin contención que explota frente a nosotros y que sólo nos permite unirnos al violento frenesí. Por si ello fuera poco, el <i>Earth and ether </i>concluye con la sombría "Many moons" que nos ofrece algunas notas de didgeridoo que son transformadas en una armonía sumamente electrificada que satura el audiorama hasta logar la perdición definitiva de nuestras neuronas.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/N_I7iWbcFhk" width="320" youtube-src-id="N_I7iWbcFhk"></iframe></div><div style="text-align: left;"><br /></div><div style="text-align: left;">"<i>¿Alguna vez te hablé de esa noche?<br />de cuando estaba de piernas cruzadas por la luna y las luz de las velas<br />las ratas, los murciélagos y las arañas también estaban allí<br />No bromeo, era una imagen psicópata<br />Quemé esas palabras que me detuvieron en una barbacoa<br />Oh, tan lindo y rizado y negro.<br />El humo que se elevó de esa ceniza <br />limpiaba el aire y lavé mi cabello<br />no tenía idea cuánto cambiarían las mareas.<br />Evocando esas buenas intenciones, las otras las quemé.<br />Una cueva de malicia bajo el árbol de la vida.<br />Un santuario que alberga murciélagos en la noche.<br />La fruta permanece latente en lo profundo de sus extremidades.<br />La primavera trae cosecha y muchas asambleas.</i>" </div><p>El tema que ha servido de promoción para el lanzamiento del <i>Earth and ether </i>es "Cave of Mischief", un track que de manera irónica escapa del sonido general del álbum al sumergir dentro de un pozo el sonido general de los instrumentos, conteniendo su furia más allá de la intensidad que contienen la propia melodía. Mientras observamos a la banda entre múltiples colores y ruido blanco a través de un trabajo visual realizado por Capital Waste, la música nos va arrastrando con ella a su abismo hasta que nos obligar caer rendidos a su propuesta ahogada. Aquel stoner que distingue a Kitchen Witch queda reducido a un hard psych que logra su explosión definitiva en un interesante solo de guitarra de infinitas notas y una aceleración adictiva.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-3ayQCqZwFZ4/X1p6fk7Y1TI/AAAAAAAAPJw/3IBZo0acDyUmial5vaeRlyF_ZVZU1UR8gCLcBGAsYHQ/s1719/118419652_3472277012829220_1597568120679089973_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1719" data-original-width="1146" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-3ayQCqZwFZ4/X1p6fk7Y1TI/AAAAAAAAPJw/3IBZo0acDyUmial5vaeRlyF_ZVZU1UR8gCLcBGAsYHQ/w266-h400/118419652_3472277012829220_1597568120679089973_o.jpg" width="266" /></a></div><p>Siempre será reconocido y valorado el esfuerzo que realizan algunas bandas por retomar algún género sonoro con la intención de alimentarlo hasta hacerlo llegar hacia nuevos senderos dentro de un esfuerzo arriesgado que rompe reglas y clichés. <i>Earth and ether </i>logra romper las cadenas del rock desértico hasta ofrecer una personalidad propia a Kitchen Witch, pero es necesario tener pies de plomo al recorrer sus rincones si uno desea realmente saborear sus posibilidades más allá de los elementos distintivos de un estilo musical muy socorrido en las últimas dos décadas. Hay que permitir que los acordes del último álbum de la banda australiana escapen por las bocinas hasta que nos dejen hablar con su propia voz...</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-WONrlSYYXYA/X1p6nr4rN2I/AAAAAAAAPJ0/DKTtSYZOFAcfMAO5MjYTw45k8kOnDisZACLcBGAsYHQ/s828/93414269_3084868744903384_272710494647746560_n.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="315" data-original-width="828" height="153" src="https://1.bp.blogspot.com/-WONrlSYYXYA/X1p6nr4rN2I/AAAAAAAAPJ0/DKTtSYZOFAcfMAO5MjYTw45k8kOnDisZACLcBGAsYHQ/w400-h153/93414269_3084868744903384_272710494647746560_n.png" width="400" /></a></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-18911742810536135042020-09-08T06:21:00.001-07:002020-09-08T06:21:44.268-07:00Ball : el ácido retorno de los adoradores de Satán<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-7qZlh1Ozl-Y/X1dyIytChwI/AAAAAAAAPIg/QtCSZK35O54pzCNbeWSeC9xPz5u9-n0JgCLcBGAsYHQ/s700/a0434314237_16.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-7qZlh1Ozl-Y/X1dyIytChwI/AAAAAAAAPIg/QtCSZK35O54pzCNbeWSeC9xPz5u9-n0JgCLcBGAsYHQ/s320/a0434314237_16.jpg" /></a></div><br /><div style="text-align: right;"><span style="font-size: x-small;">"Nada bueno queda en la tierra</span></div><div style="text-align: right;"><span style="font-size: x-small;">y el pecado no es sino un nombre.</span></div><div style="text-align: right;"><span style="font-size: x-small;">Ven Diablo, pues a tí</span></div><div style="text-align: right;"><span style="font-size: x-small;">se te ha dado este mundo..."</span></div><div style="text-align: right;"><span style="font-size: x-small;">(<i>El joven Goodman Brown</i>, Nathaniel Hawthorne.1835)</span></div><div><br /></div><div>Hace tres años escribíamos sobre una bizarra banda sueca que nos ofrecía el elixir maldito del angel expulsado del paraíso mientras su poder se extendía por la Tierra. Aquella mezcla de garage lisérgico y hard rock obscuro dedicado al maligno era creado por una enigmática banda llamada Ball, la cual era más cercana a una sociedad secreta dedicada a los ritos más enfermos y de la cual sólo podíamos conocer sus terribles intenciones a partir de su álbum debut (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2017/08/ball-o-como-se-rinde-tributo-satanas-en.html">reseña-review</a>). Ahora, el hard psych ahogado en profundos efectos fuzz ha retornado para invadir a la galaxia...<p></p><p>Bajo el impresionante título de <i>Like you are... I once was... Like I am: You will never be</i>, Ball nos ofrece una dosis satánica y alucinante de odas diabólicas donde las melodías saturadas ahogan nuestras bocinas mientras nuestras neuronas pierden el control a través de un sopor de ruido y colores estridentes. Una colección de ocho ritmos que hipnotizan por medio del trance del ritmo venenoso, el mensaje enfermo y un ambiente mágico que sabe seducir más allá de las incontables capas de sonido distorsionado y analógico. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-zrAjqi--9pg/X1d3AEAD-eI/AAAAAAAAPIo/x6PP4RUdyD0rnZGs5Ui1DDlQpui2kTbZwCLcBGAsYHQ/s700/a3219542673_16.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-zrAjqi--9pg/X1d3AEAD-eI/AAAAAAAAPIo/x6PP4RUdyD0rnZGs5Ui1DDlQpui2kTbZwCLcBGAsYHQ/s320/a3219542673_16.jpg" /></a></div>El retorno del power trio dirigido por Syrék Ball fue anunciado en noviembre de 2019 a través de la presentación del single "Debauched", un track de sonidos cósmicos y figuras rastreras que merodea por la obscuridad hasta que lanza su venenosa mordida para hacernos caer bajo su tentación. Este himno dedicado al poder de Lucifer es un éxtasis que valora el riff de una guitarra áspera mientras los graves sonidos del bajo construyen una esfera que lo envuelve todo en un sorprendente efecto circular que logra ahogar la atmósfera a nuestro alrededor. Este tema es colosal gracias a su intensidad que es lograda con la suficiente paciencia y repetición de sus acordes, aunque quizá sea su obvio tufo a lo-fi lo que provoca aquella sensación de saturación e irremediable perdición.<div><br /></div><div>Sin embargo, <i>Like you are... I once was... Like I am: You will never be </i>logra establecer los sucios conceptos de Ball al ofrecernos temas bajo un mismo ambiente sonoro pero una multiplicidad de melodías tóxicas que provocan la adicción desde el primer sorbo. Bien podemos abandonar nuestro cuerpo para que baile frenético encerrado en alguna jaula a-go-go por medio de "Death deals a hand" y su inminente referente al clásico garage psicodelico de The Sonics, o dejar que todo fluya a través de un caleidoscopio atascado de luces y colores cósmicos como bien podemos escuchar en "Satan's wish" mientras los efectos sonoros pasan frente a nosotros como meteoros que anuncian el deseo de Belcebú de controlar este cúmulo de estrellas.</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-WmBHHD5mumM/X1d7GQvHRUI/AAAAAAAAPIw/6Nw8e7vq7A06RGhBrQ6M5cy9MCivWeoFACLcBGAsYHQ/s960/75540228_1081604838838575_5751246042985136128_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="960" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-WmBHHD5mumM/X1d7GQvHRUI/AAAAAAAAPIw/6Nw8e7vq7A06RGhBrQ6M5cy9MCivWeoFACLcBGAsYHQ/w400-h400/75540228_1081604838838575_5751246042985136128_n.jpg" width="400" /></a></div><br /><div>Aun con estas descripciones desarrolladas hasta este momentos nos hemos quedados cortos con todo lo que encapsula el segundo álbum de Ball. Si bien en su álbum debut podíamos escuchar esta atmósfera lisérgica dedicada al maligno, sus largas odas provocaban que los oídos sensibles huyeran irremediablemente, pero si algo tiene el <i>Like you are... I once was... Like I am: You will never be </i>es la capacidad de ofrecer temas muy concretos que saben enganchar con el cuerpo hasta provocar el deseo de continuar. Cuando escuchamos los primeros segundos de "Black magic", un torrente eléctrico corre por las venas hasta producir un deseo irreprimible de baile como si se tratara del éxtasis provocado por un aquelarre que busca la forma de salir de nuestro interior mientras la guitarra eléctrica explota con una cascada interminable de notas ásperas.</div><div><br /></div><div>La parte más sensual del álbum la encontramos en "Fyre eyes" con aquel sonido funky que está hecho con toda la intención de provocar un orgasmo, logrando que el recuerdo nos lleve a la música de fondo de esa antiguas películas porno de los años 60's y 70's. En contraste, el track más áspero lo escuchamos en la entracortada "Have you ever dead" con su afilada guitarra que cruza la carne como navaja mientras alcanza el cielo con aquel frénetico solo que demuestra la capacidad interpretativa de Ball. Finalmente, el álbum cierra con el ahogado sonido de "Tonight's the night", una melodía que mantiene la barahúnda general del material pero como si estuviera saliendo de un pozo profundo mientras sus percusiones cavernarias mantienen el ritual frente al fuego sacrílego. </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/34LbyFQPRF4" width="320" youtube-src-id="34LbyFQPRF4"></iframe></div><div><br /></div><div>Uno de los temas más interesantes del segundo álbum del trío sueco es "Sacred snow", un track donde la áspera guitarra fuzz se hace pantanosa a través del uso del wah mientras construye un riff sucio a través del espacio cavernoso provocado por la gravedad del casi imperceptible bajo. Las voces depravadas no dejan de hacer alusiones sobre Belcebú bajo un tufo ácido que cubre el ambiente como si se tratara de una neblina que cubre todo alrededor. Podemos saborear algunos rasgos de bandas como <a href="https://www.earthquakermexico.com/2018/10/uncle-acid-deadbeats-la-ruidosa-neblina.html">Uncle Acid & deadbeats</a> o <a href="https://www.earthquakermexico.com/2016/07/salems-pot-la-culpa-que-hay-en-cada-uno.html">Salem's Pot</a>, pero en esta escandalosa oda podemos comprobar de todas las sensaciones que es capaz de provocar Ball. Mientras escenas de viejo porno sadomasoquista inundan la pantalla, las bocinas desgarradas permiten que los sonidos se hagan más profundos hasta construir una melodía tétrica de la cual surgen un incontrolable pandemonio que eriza la piel. </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-EkcxumAND3E/X1eCd_FN_RI/AAAAAAAAPI4/2jdqbj5WyJkp2q8oDICyvw3mYSgKVydIQCLcBGAsYHQ/s2048/78598263_1103425609989831_6956828081478696960_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1573" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-EkcxumAND3E/X1eCd_FN_RI/AAAAAAAAPI4/2jdqbj5WyJkp2q8oDICyvw3mYSgKVydIQCLcBGAsYHQ/w308-h400/78598263_1103425609989831_6956828081478696960_o.jpg" width="308" /></a></div><br /><div>Sin lugar a dudas, <i>Like you are... I once was... Like I am: You will never be </i>es el material definitivo de Ball, pues además de establecer claramente su ecléctico sonido borrascoso, logra construir una colección de himnos concretos que saben condensar sus enfermas ideas sin perder por un segundo la brújula. La estridente neblina psicotrópica que se posa sobre el segundo álbum de la banda sueca requiere ser descifrada de manera paciente si se quiere descubrir todo lo que oculta en su interior. El viaje será bastante fuerte y sus mensajes heréticos son bastante claros, así que como la propia banda lo sugiere, escúchelo bajo su propio riesgo...</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-BVC_V4MFIXk/X1eD4RYP2nI/AAAAAAAAPJA/UOiUtmN2HTQdI70AsGiRXM9gE65rXhsZQCLcBGAsYHQ/s1800/118627828_1317546248577765_4453363376389266237_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1800" data-original-width="1148" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-BVC_V4MFIXk/X1eD4RYP2nI/AAAAAAAAPJA/UOiUtmN2HTQdI70AsGiRXM9gE65rXhsZQCLcBGAsYHQ/w255-h400/118627828_1317546248577765_4453363376389266237_o.jpg" width="255" /></a></div></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-65533700188829746302020-09-02T06:16:00.001-07:002020-09-02T06:16:13.806-07:00The Atomic Bitchwax : el beso de la mujer escorpión<p style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-t534pLpt4G0/X0-IM3En4sI/AAAAAAAAPGo/hakXwrBedLslCnLkAPpSk3q91DC8CglhwCLcBGAsYHQ/s1200/a3241107167_10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-t534pLpt4G0/X0-IM3En4sI/AAAAAAAAPGo/hakXwrBedLslCnLkAPpSk3q91DC8CglhwCLcBGAsYHQ/w400-h400/a3241107167_10.jpg" width="400" /></a></p><p></p><p>La veterana banda The Atomic Bitchwax está de regreso con su llamado super stoner rock, es decir, aquel rock áspero de velocidad sostenida, guitarras desgarradoras y aquella herencia innegable de la psicodelia más pesada y el heavy metal ochentero. El grupo norteamericano se ha distinguido por ofrecer en cada una de sus producciones una colección de temas directos y venenosos que obligan de manera inmediata a mover los pies y agitar la cabeza, pero más allá de su fórmula más que patentada, el trío de New Jersey encuentra la manera de ofrecer algo nuevo con cada lanzamiento.</p><p>De aquel salvaje <i>Force field</i> de diciembre de 2017 nos queda el recuerdo de un misil espacial que surcó el universo bajo un constante e insistente ritmo meteórico (<a href="https://www.earthquakermexico.com/2018/01/the-atomic-bitchwax-el-regreso-del.html">reseña-review</a>), pero ahora tenemos la oportunidad de saborear otras texturas sin perder la esencia a través del <i>Scorpio</i>, un álbum editado por Tee Pee Records en los últimos días de agosto de 2020 con el objetivo de ofrecer una selección de tracks incendiarios que se han olvidado del tufo cósmico para retornar al rock infeccioso sin contemplaciones.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-XSggy76IskE/X0-Nh4_3o9I/AAAAAAAAPGw/rrsxdVI5xQcNIlIIgNB6lHJrrIW4s2YmgCLcBGAsYHQ/s960/50876704_10157049151846660_5443337986403991552_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="930" data-original-width="960" height="388" src="https://1.bp.blogspot.com/-XSggy76IskE/X0-Nh4_3o9I/AAAAAAAAPGw/rrsxdVI5xQcNIlIIgNB6lHJrrIW4s2YmgCLcBGAsYHQ/w400-h388/50876704_10157049151846660_5443337986403991552_n.jpg" width="400" /></a></div><p>Como lo hemos platicado en ocasiones anteriores, la historia de The Atomic Bitchwax siempre ha estado ligada a la reconocida banda Monster Magnet, pero con el paso del tiempo, el trío comandado por el bajista y vocalista Chris Kosnik ha sabido mantener su independencia de Dave Wyndorf; permitiendo de esta manera crear una colección de álbumes de alto octanaje con personalidad propia más allá de aquel espíritu stoner muy característico de la costa este norteamericana.</p><p><i>Scorpio </i>es una granada que sabe bien cómo explotar en nuestras bocinas a partir de melodías aceleradas construidas por medio de riffs constantes y golpes secos que no permiten recuperar el aliento. Aun así, el álbum arranca con un track entrecortado que ofrece el espacio suficiente para que la voz de Kosnik nos grite sin piedad. "Hope you die" es una prueba fehaciente de que The Atomic Bitchwax sabe utilizar el silencio como recurso para dotarle de mayor intensidad a su propuesta sonora mientras las sorprendentes figuras de guitarra en las manos de Garrett Sweeny y la lluvia de meteoros provocada por la batería de Bob Pantella construyen una muralla de sonido que por momentos parece impenetrable. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/--1FfRnStdDI/X0-RIvyQ_bI/AAAAAAAAPG4/JYu2Ji1_yD8_Mk9Rmob14axOiWFrfn_HgCLcBGAsYHQ/s2048/82855031_10158052134231660_2768300825376718848_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1365" data-original-width="2048" height="267" src="https://1.bp.blogspot.com/--1FfRnStdDI/X0-RIvyQ_bI/AAAAAAAAPG4/JYu2Ji1_yD8_Mk9Rmob14axOiWFrfn_HgCLcBGAsYHQ/w400-h267/82855031_10158052134231660_2768300825376718848_o.jpg" width="400" /></a></div><p>Sin embargo, el resto del <i>Scorpio</i> es una desbocada carrera que obliga al escucha a levantar la mano cornuta mientras los acordes salvajes saturan el ambiente a nuestro alrededor. Es innegable que "Energy" es muy cercana al estilo de Monster Magnet, el rock tóxico de su melodía logra incrustrar su aguijón para soltar su veneno en el torrente sanguíneo. Aquel bajo saturado con el que arranca "Easy action" retoma los ingredientes elementales del stoner comercial de principios del siglo XXI, pero al bajar la velocidad quizá no sirva de ejemplo perfecto con respecto al resto del material discográfico; algo que notoriamente podemos escuchar cuando "Super sonic" nos golpea sin piedad con su huida sonora imposible de alcanzar. </p><p>El octavo álbum de The Atomic Bitchwax ofrece tres balas instrumentales demuestran la capacidad interpretativa de la banda, ya sea en "Ninja" para enseñar como el trío puede ejecutar distintos cambios melódicos y temporales, en "Crash" para señalar la potencia de un power trio en el nuevo siglo o en "Instant death" para escuchar la colección de recursos técnicos que tienen para explotar. Sin embargo, <i>Scorpio </i>resguarda en su interior un amplio panorama armónico que permite al escucha no extraviarse ante el ruido y la velocidad para finalmente ofrecer canciones muy concretas como "Betting man" que son contrastadas con la intensidad del tema que le da nombre al álbum con aquel ritmo incontrolable y efectos sonoros que nos dan la sensación de correr a toda potencia mientras dejamos todo atrás. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/PfzoYWIK2SY" width="320" youtube-src-id="PfzoYWIK2SY"></iframe></div><div><br /></div>Uno de los temas más interesantes del <i>Scorpio</i> es "You got it", un track de acordes secos llenos de rock n' roll incendiario que de manera indudable hace referencia a la atracción sexual que despierta la mujer sobre el hombre, pero que es contrastado de manera brutal con las imágenes del famoso video "10 hours walking in NYC as a woman" de Chris McGuire; donde observamos el acoso que viven las mujeres dentro de las grandes urbes a través de la personificación de Kat Scicluna. Mientras la banda toca en un metálico vagón de metro, escuchamos una melodía afilada que sabe subir su intensidad a través de explosivos solos de guitarra y remates obligados que quiebran el ritmo para retomarlo con mayor fuerza como si se tratara de un poderoso bólido. <div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-j4EC9cmC_ao/X0-ZTmsxSnI/AAAAAAAAPHA/LpJl9MI9KF4usdHBQ8bhBsA5sCrbwOSVACLcBGAsYHQ/s750/60480022_10157306496361660_8248815559068614656_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="727" data-original-width="750" height="388" src="https://1.bp.blogspot.com/-j4EC9cmC_ao/X0-ZTmsxSnI/AAAAAAAAPHA/LpJl9MI9KF4usdHBQ8bhBsA5sCrbwOSVACLcBGAsYHQ/w400-h388/60480022_10157306496361660_8248815559068614656_n.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div>Mientras esperamos las condiciones que permitan presenciar esta explosión sonora en directo, será necesario degustar detenidamente el octavo disco de The Atomic Bitchwax, aunque esta propuesta sea un verdadero reto ante su inherente vehemencia. <i>Scorpio</i> sabe inyectar su letal líquido de manera rápida y efectiva, lo que quizá provoque la imposibilidad para desmenuzarlo y descubrir en su interior cada uno de los elementos que lo conforman. Sin embargo, ésto último no es malo, al final de cuentas, este disco está planeado únicamente para provocar el deleite ótico mientras nuestra mente vuela en pedazos por el espacio sideral. <div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-odtT43Io5vQ/X0-azUcgAoI/AAAAAAAAPHI/6nxB8bee16gopzJ5SSSZxHMLeDOHe_10gCLcBGAsYHQ/s2048/75316048_10157822464391660_6249919822251950080_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1638" data-original-width="2048" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-odtT43Io5vQ/X0-azUcgAoI/AAAAAAAAPHI/6nxB8bee16gopzJ5SSSZxHMLeDOHe_10gCLcBGAsYHQ/w400-h320/75316048_10157822464391660_6249919822251950080_o.jpg" width="400" /></a></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-623472970969603533.post-3144750522788665812020-08-31T06:09:00.000-07:002020-08-31T06:09:27.779-07:00Psychlona : al borde del áspero universo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-bSz8ithwPD8/X0zmASVbg-I/AAAAAAAAPGA/8Y8ALOgpfY0BY-44pqcq7ZkF6ywoV33vQCLcBGAsYHQ/s650/105984684_2715851995327369_7103044171846497258_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="650" data-original-width="650" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-bSz8ithwPD8/X0zmASVbg-I/AAAAAAAAPGA/8Y8ALOgpfY0BY-44pqcq7ZkF6ywoV33vQCLcBGAsYHQ/w400-h400/105984684_2715851995327369_7103044171846497258_n.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">El stoner desértico de los noventas que se desarrolló en la árida California tuvo la fortuna de irse desarrollando en diferentes vertientes hasta lograr salir del valle de Coachella y sumar otros sonidos y conceptos a su definida figura. El género cruzó el océano Atlántico para incrustarse en la Europa bajo la idea de la recuperación del sonido clásico y líricas inspiradas en el cosmos, manteniendo siempre el poder del pedal fuzz sobre las cuerdas electrificadas. Así es como nos encontramos con bandas como <a href="https://www.earthquakermexico.com/2016/08/truckfighters-o-como-escuchar-una.html">Truckfighters</a> de Suecia, <a href="https://www.earthquakermexico.com/2019/02/taiga-woods-el-retorno-del-stoner.html">Taiga Woods</a> de Noruega, <a href="https://www.earthquakermexico.com/2018/08/deadly-vipers-que-suena-el-stoner.html">Deadly Vipers</a> de Francia o <a href="https://www.earthquakermexico.com/2018/06/dune-pilot-con-las-pilas-recargas-del.html">Dune Pilot </a>de Alemania; pero ahora es momento de escribir sobre los ingleses Psychlona y escuchar detenidamente su última producción titulada <i>Venus skytrip</i>. </div><p> Lo primero que supimos de Psychlona fue a partir de su álbum debut presentado en noviembre de 2018 <i>Mojo rising</i>, un material heredero del original stoner de melodías aletargadas y densas donde cada acorde es arrastrado como una losa sobre la espalda mientras el calor abrasador provoca fuertes alucinaciones. Aquella extraña mezcla entre Kyuss y Hawkwind logró penetrar en el gusto de los amantes del stoner cósmico de manera directa y sin muchas pretensiones... Pero ahora había llegado el momento de dar el siguiente paso. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-I-Ed76R0EMM/X0zq_fVgwXI/AAAAAAAAPGI/sBcTW4sT0YUw4i4mMLktiLhsLpkunLmeACLcBGAsYHQ/s1200/0020596561_10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1040" data-original-width="1200" height="347" src="https://1.bp.blogspot.com/-I-Ed76R0EMM/X0zq_fVgwXI/AAAAAAAAPGI/sBcTW4sT0YUw4i4mMLktiLhsLpkunLmeACLcBGAsYHQ/w400-h347/0020596561_10.jpg" width="400" /></a></div><p>Publicado en agosto de 2020 a través de las disqueras Ripple Music y Cursed Tongue Records, <i>Venus skytrip </i>busca expandir las posibilidades sonoras de la banda originaria de Bradford, al norte de Inglaterra, con la finalidad de brindar un álbum multicolor dentro de diversos ritmos y efectos sonoros que transporten al escucha hacia otras galaxias sin perder el eterno toque arenoso y áspero del fuzz rock. Desde el primer instate en que bajamos la aguja sobre el vinil y por las bocinas se escapan las lisérgicas notas de "Blast off" con su energético riff, sabemos que nos encontramos ante un álbum que tendrá la capacidad de arrancarnos los pies de la tierra para tomarnos de la mano y mostrarnos el universo en un audiorama psicotrópico y potente.</p><p>Más allá del uso de las obvias referencias sonoras de las comunicaciones entre astronautas y naves intergalácticas, el segundo álbum de Psychlona se transforma en un bólido conformado por un poderoso V8 que sabe acelerar por las desérticas y polvorientas sendas californianas hasta que es elevado con sendos cohetes de propulsión a chorro hasta que es abandonado ante la ausencia de gravedad. Sin duda alguna hubo un toque de hierba, una penetración de aquel ácido líquido o hasta una mordida al hongo mágico, pero <i>Venus skytrip </i>tiene la capacidad de mirar hacia el cielo a partir de una noche estrellada a la mitad del desierto.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-FBtBLH-oJQU/X0zthzoq-LI/AAAAAAAAPGQ/06XI8ZpOLl0ajGksc3hDo8a_8-GchEshgCLcBGAsYHQ/s2016/118210728_2763982690514299_170921870143004363_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1512" data-original-width="2016" height="300" src="https://1.bp.blogspot.com/-FBtBLH-oJQU/X0zthzoq-LI/AAAAAAAAPGQ/06XI8ZpOLl0ajGksc3hDo8a_8-GchEshgCLcBGAsYHQ/w400-h300/118210728_2763982690514299_170921870143004363_o.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div>Las guitarras de Dave y Phil tienen la capacidad bipolar de soltar un golpe directo a la mandíbula y al mismo tiempo abandonarte a la mitad del espacio, es decir, provocar un viaje ambivalente entre distorsión y alucine entre saturaciones y ensoñaciones. Una muestra clara de ello es "10,000 volts" con sus claras posiciones contradictorias que terminan explotando por las bocinas sin remedio alguno. Sin embargo, la banda retorna a sitio seguro con su aletargada y constante "Blow" donde el clásico sonido del stoner californiano es imposible de esconder, algo que termina irremediablemente siendo confesado en la sostenida "Star" que nos remite al rock desértico de ritmo constante y potente.<div><br /></div><div>Un rastrero bajo en manos de Martyn nos ofrece la zozobra sonora con la que está creada "Resin", track que provoca la confianza con aquel tufo al Pink Floyd onírico y luego te engaña con su golpe certero sin contemplación. Otro guiño al Kyuss clásico se encuentra en "Tijuana", un tema de cuerdas impresionantes con la batería de Scott golpea sobre el suelo de manera seca como meteoritos sobre la arena. Por si fuera poco, el <i>Venus skytrip </i>cierra con un riff viscoso pero áspero llamado "The owl", una melodía lisérgica de acordes aletargados que saben tronar los amplificadores mientras su paso concreto asemeja el andar de un coloso infernal que llega con su terror cósmico desde algún punto lejano de nuestra constelación. </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/tmfSF31qvVo" width="320" youtube-src-id="tmfSF31qvVo"></iframe></div><br /><div>Uno de los temas más interesantes del <i>Venus skytrip </i>es "Edge of the universe", un track de voces lisérgicas que saben aprovechar el efecto hipnótico de las guitarras en fuzz de figura sostenida y repetitiva que semejan el avance monótono de algún vehículo sobre los rectos senderos olvidados del desierto. Como si se tratara de la marca distintiva de la banda, Psychlona nos ofrece un galáctico puente sonoro que intenta mostrarnos el espectáculo estelar del universo, pero todo retorna a la magia envolvente y áspera de la distorsión sonora que desgarra las bocinas. Mientras escuchamos una lírica que sabe jugar con la metáfora del corcel de hierro que nos transporta a otras galaxias, observamos un trabajo visual que sirve de promoción a través del correr de aquellos club de motocicletas por las polvorientas carreteras como si se tratara de una trasmutación entre el correr motorizado y el viaje espacial.</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-5KFM4a312jA/X0z0Tp3vBfI/AAAAAAAAPGY/tWimJIx1V9YCZgKq3GUEhEbVbil5O6mywCLcBGAsYHQ/s960/72172198_2488621214717116_3902947042275622912_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="720" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-5KFM4a312jA/X0z0Tp3vBfI/AAAAAAAAPGY/tWimJIx1V9YCZgKq3GUEhEbVbil5O6mywCLcBGAsYHQ/w300-h400/72172198_2488621214717116_3902947042275622912_n.jpg" width="300" /></a></div><br /><div>Lejos de lo que se podría creer, el stoner ha encontrado durante la segunda década del siglo XXI un lugar seguro a través de su irremediable encuentro con el hard psych y sus referencias cósmicas. Muchas bandas han explotado esta fórmula y han encontrado un espacio referencias dentro del espacio sonoro, pero es necesario saber discernir entre la amplia oferta para detectar a los grupos que tienen una buena capacidad interpretativa y una gran imaginación para aprovechar los recursos que muchos están empleando sin disimulo. El <i>Venus skytrip </i>nos muestra que los británicos de Psychlona es una de aquellas agrupaciones que requieren ser valoradas dentro de dicha escena gracias a su colección de temas ambivalentes que logran el viaje psicotrópico y el quiebre sonoro a través del encuentro de sonidos oníricos frente a los acordes ásperos del fuzz. Aquí está la invitación a su travesía cósmica, pero en ustedes estará la capacidad y la habilidad para poder distinguir aquellos elementos que los hacen destacar sobre otras bandas construidas bajo los mismos conceptos. Buena suerte, jinetes...</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-n_BrN-j6bSA/X0z2UDwmICI/AAAAAAAAPGg/U9IySLLncK0g6jURFM4uQBRMQNfCZRhVwCLcBGAsYHQ/s636/79806844_2556721651240405_6998915337890562048_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="476" data-original-width="636" height="299" src="https://1.bp.blogspot.com/-n_BrN-j6bSA/X0z2UDwmICI/AAAAAAAAPGg/U9IySLLncK0g6jURFM4uQBRMQNfCZRhVwCLcBGAsYHQ/w400-h299/79806844_2556721651240405_6998915337890562048_n.jpg" width="400" /></a></div><div><p><br /></p><p><br /></p></div>Earthquaker Méxicohttp://www.blogger.com/profile/17910610632163948569noreply@blogger.com0