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viernes, 27 de octubre de 2017

Picaporters : el retorno de los muertos vivientes


¿Qué se puede escribir de nuevo sobre un disco cuando ya has publicado anteriormente sobre él? ¿Acaso vale la pena regresar a un material discográfico cuando lo has desmenuzado con anticipación hasta dejarlo en los huesos? El cadáver ha despertado y nuevamente camina por las calles desoladas de la ciudad en busca de alimento, un sangriento bocado que sosiegue su necesidad carnívora. Así como el ave fénix, Picaporters ha lanzado el último golpe de vida de El horror oculto para cerrar definitivamente el capítulo y preparar el terreno para un nuevo engendro sonoro.

Hace unas semanas el trío argentino publicó el video promocional de "Zombies", tema que será el último sencillo de su segundo material discográfico; mismo que servirá de puente entre lo hecho por la banda hasta el día de hoy y los nuevos horizontes que se vislumbran en el camino. Como pretexto ideal entre el retorno de Picaportes y las tétricas fechas que reciben las almas de los amigos ausentes, regresamos la mirada a un disco importante dentro de la nueva marea que se gesta en el subterráneo sudamericano. 


Cuando escribimos sobre El horror oculto hace algún tiempo en Earthquaker (reseña-review), nos abocamos al sabor blusero y aletargado de "War is over", pero el álbum no se queda varado en dicho estilo. Picaporters estriba entre el hard rock lento y pesado heredero de las glorias setenteras y el stoner de corte valvular y desértico que sabe rasgar las bocinas de manera concisa y constante. Debido a este concepto auditivo, el power trio ofrece en cada uno de los nueve temas del material que fue grabado en vivo por Patricio Claypole en el estudio The Attic diversas posibilidades sonoras que ofrecen sorpresas contenidas en unos cuantos segundos.

Teniendo como escenario el Centro Cultural El ojo abierto, "Zombies" fue rodado por la casa productora Del Carajo quien nos muestra un obscuro y conceptual trabajo visual donde una hermosa muerta viviente surge de su cripta mientras la una viscosa y extraña sustancia negra invade toda la imagen. Entre sombras vemos a Juan Pablo Herrera , Juan Vazquez y a Pablo Barrue creando el telón sonoro para aquella materia amorfa que inmediatamente nos recuerda a lo relatado por Arthur Machen en su cuento corto Vinum Sabbati publicado a finales del siglo XIX.

"Al despertar solo en la ciudad
creo ser distinto.
Y devorar toda la humanidad:
claro, es mi estilo... es mi instinto"

"Zombies" arranca con un riff incendiario y sostenido para transformarse en una avalancha de notas que cae en espiral a un abismo. La melodía muestra la desesperación del ser que ha regresado a este plano de la realidad con hambre infinita y sed de sangre, venganza que rastrea a sus víctimas con ansiedad, necesidad imperiosa que debe ser saciada a la mayor brevedad. Música rabiosa que busca carne y se desespera, acordes resucitados que han regresado por nuevos tímpanos que roer.


Aunque El horror oculto sigue vigente de manera gratuita en la página de Bandcamp de Picaporters, este disco está editado de manera física por Lucifer Records y por South American Sludge Records; siendo ésta última disquera la fundada por el mítico guitarrista de Los Natas Sergio Chotsourian y que en ocasiones anteriores ya hemos compartido otros materiales de su catálogo como Viaje a Ixtlán, Los Devas, Manthrass, HombreHumano, Comeculebras, Los Planeta Rojo o Mephistofeles.

Ya sean instantes ambientales o arranques momentáneos de furia incontenible,  El horror oculto de Picaporters tiene mucho que ofrecer todavía, así que queda en nosotros sembrada la semilla maldita para encontrar nuevos frutos a un disco balanceado mientras la banda se concentra en el material que en un futuro (esperamos que muy cercano) formará parte de su siguiente producción discográfica.

Bandcamp de Picaporters: https://picaporters.bandcamp.com/




miércoles, 25 de octubre de 2017

Arteaga : entre el éxtasis y la hipnosis


La tierra se agita desde sus cimientos hasta mover a la gran ciudad en plenas tinieblas. El signo funesto de la noche nos hace un guiño que no puede interpretarse como una simple coincidencia. Tras unos minutos de Vinnum Sabbathi en el escenario, un EP llega a nuestras manos y las placas tectónicas se agitan irremediablemente. Las fuerzas de las naturaleza nos hacen un llamado de atención y ahora es el momento de pagar aquella deuda con los antiguos dioses y los poderes de la obscuridad que esa noche nos permitieron tener un momento de encuentro con la energía y la música. 

Existen pocas bandas en la actualidad que logran fusionar en sus proyectos musicales la densidad del proto-doom con la acidez de la psicodelia a partir del áspero y desgarrador sonido del fuzz. Cuando hablados de esta mezcla auditiva, inmediatamente nos remitimos a los irrepetibles Uncle Acid & the deadbeats; aunque en Santiago de Chile desde 2012 existe un grupo que poco a poco a definido su estilo hasta alcanzar una amalgama sonora que logra hacer coincidir los ritmos aletargados del rock obscuro de los años setentas con la psicodelia más lisérgica para lograr hipnosis y éxtasis en un mismo momento. Su nombre es Arteaga...


Originalmente conformados como cuarteto a través de Francisco González en la voz y bajo, Sebastian Morales y Francisco Infante en las guitarras y Francisco Cepeda en la batería, Arteaga trabajó un largo tiempo a través de la prueba y el error hasta que se transformó en un trío, manteniendo a González y Morales en la alineación e incorporando en las percusiones a Domingo Lovera. Dichos cambios provocaron un giro dentro de su estilo, pues de su primer EP de 2015 titulado Vol 1 Agradable donde escuchamos temas fuertes de insistencia marcada, en su segundo material de febrero de 2017 escuchamos melodías pesadas como losas sobre la espalda que encuentran en su densa atmósfera el espacio ideal para sacudir la tierra desde su cimientos. 

Vol II Dios Sol es un animal que repta al amparo de la obscuridad, un cuchillo que entra a la piel y libera el calor de sangre, un tormenta de arena que nubla el horizonte y un aquelarre sensual que desata nuestros más bajos instintos. Las melodías aletargadas como muertos vivientes que se arrastran por las calles abandonadas a la mitad de la noche se confunden con mujeres salvajes que entregan su pecho en sacrificio al maligno. El proto-doom se bifurca hacia los lisérgicos terrenos de la psicodelia como hacia el sendero desértico del stoner, lo que nos lleva a comprobar las influencias de la banda que bien pueden ir desde Beastmaker hasta Fu Manchu, pasando sin duda por Devil's Witches.


Si esta propuesta sonora no los ha obligado a pulsar el botón de play, la estética que acompaña a la banda terminará por convencerlos. Utilizando extractos del cine giallo y serie B de los años setentas, Arteaga logra impactar visualmente a través del misticismo de los rituales satánicos y la sensualidad de las mujeres vampiros y las vírgenes sacrificadas,  salvajes íconos que nos remiten al concepto visual utilizado por bandas como Mephistofeles o Satan's Satyrs. Las musas de Jess Franco y Mario Bava enamoran al espectador mientras la música fluye lentamente hasta inyectar su ácido por las venas. Sangre y torsos desnudos saturan la pantalla mientras los acordes rasposos se internan en los tímpanos bajo una necia melodía que hechiza hasta el embeleso.  


En segundo material de Arteaga reduce la velocidad hasta lograr la sensación de arrastre y letargo, un grillete en el tobillo que por momentos se convierte en una danza frenética ante una hoguera ritual Vol II Dios Sol arranca con una hipnótica y lenta figura de bajo que es seguida por el resto de los instrumentos con el nombre de "Cuicodelia", una crítica a las clases altas a través de una lisérgica melodía que rasga las bocinas, aunque la dosis aumenta gracias a "Chapultepec" y su estridente sonido que sobrevuela lo tétrico. Para suavizar un poco el viaje ácido, la banda nos regala un dulce con la garage "Ruta", tema que nos sube al V8 para cruzar el desierto a velocidad sostenida. Finalmente, el EP cierra con una canción venenosa que le da nombre al disco y que se distingue por su espesa improvisación sonora que nos lleva hasta los mismísimos abismos del averno.

Como prueba al Vol II Dios Sol, compartimos una fuerte píldora llamada "Daga", un tema clavado en un atmosférico riff que nos ahoga en una nube de misticismo y psicodelia densa. El sonido espeso nos envuelve hasta nublarnos el pensamiento, sonidos de baja fidelidad que se permiten jugar con lo oculto, un pasaporte a obscuros parajes que guardan en su interior rituales dedicados al maligno. Los dedos se resbalan sobre el mástil de los instrumentos mientras los cuerpos se entregan a la navaja mientras los tambores marcan el ritmo de una danza macabra que debe ser realizada. La sangre derramada es ofrecida como tributo a las fuerzas ocultas en un suave aquelarre de mujeres desnudas y sacerdotes endemoniados, de las venas abiertas emerge el líquido vital que tiñe de rojo todos los sentidos.


Ya sea en la edición original de la disquera argentina South America Sludge Records o en la versión de la norteamericana  Forbidden Place Records, Vol II Dios Sol nos ofrece una colección de pasmados temas creados a partir de un robusto sonido y melodías narcóticas que logran transportar a realidades alternas y a universos escondidos dentro de los rincones más profundos de la mente. Tras la muralla sonora se resguardan extraños ritos dedicados a los poderes de la naturaleza y a los demonios que los vigilan celosamente. La tierra ha vibrado tras la danza macabra, la noche ha sufrido una ruptura en su tranquilidad y el hombre se ha cruzado el umbral hacia lo desconocido...


lunes, 23 de octubre de 2017

Vinnum Sabbathi : cruzando el horizonte de sucesos


El espacio y el tiempo se unen estrechamente en algún lugar del Universo tras el colapso de una estrella que no ha podido mantener su equilibrio. El brillo de la explosión de una supernova se ha transformado en una singularidad, una pequeña región con densidad infinita y excepcional campo gravitatorio que ni siquiera la luz alcanza una velocidad suficiente para escapar de la atracción. Bajamos la aguja sobre el vinil y nuestras partículas cruzan el horizonte de sucesos para ser tragadas por un agujero negro sonoro que devora todo a su paso, convirtiendo los minutos en años, siglos o quizá una eternidad. Absorbidos por un obscuro monstruo sonoro de campo gravitatorio inimaginable, las neuronas giran a su alrededor al igual que las estrellas torno al centro de las galaxias. Este fenómeno auditivo tiene nombre y es Vinnum Sabbathi.

¿Cómo escribir sobre un disco que todos los especialistas en el tema han reseñado? ¿Qué palabras se pueden utilizar para referirse sobre un proyecto instrumental que materialmente ha sacudido al planeta sin cometer un error al intentar explicarlo? Dice un dicho mexicano que nadie es profeta en su propia tierra, pero poco a poco Vinnum Sabbathi ha colocado su nombre en su país natal; aunque pecando de sinceros, el reconocimiento a su música ha llegado con mayor fuerza de más allá de nuestras fronteras. Es por ello que Earthquaker ha dejado pasar la euforia por el lanzamiento del Gravity works (su primer álbum completo), para que una vez enfriados los ánimos, coloquemos a este pedazo de banda en su justo lugar.


Luego de escuchar de manera insistente Gravity works y el split compartido con Bar de Monjas Fuzzonaut, el deseo por escuchar en vivo a Vinnum Sabbathi creció como una gigante roja; pero la banda pasó gran parte del 2017 promocionando su material en Europa; logrando en dicha ruta llena de esfuerzo y sacrificios un aplauso sincero y un gusto por el concepto musical. Encomendados a los dioses primigenios para lograr presenciar su puesta en escena, el destino nos llevó al aniversario del estudio Vesubio 34 para compartir bocinas junto con Cardiel y The Risin' Sun.

Nos encontramos en la entrada del pequeño lugar con Miguel de Pirámide y saludamos en la recepción a Miguel Fraino, quien produce en el estudio celebrado y también toca la guitarra en Cardiel. Unas cuantas cervezas compartidas con "El Patas" de Black Overdrive (quien sufre un poco el reconocimiento público por ser locutor radial) y frente a nosotros se abren las cortinas para escuchar el denso sonido intraestelar de Vinnum Sabbathi. En tan sólo treinta minutos comprobamos que la banda es mucho más de lo que condesan las grabaciones, que su fuerza es descomunal y que la muralla de sonido que construyen en cada presentación es real e impenetrable gracias al poder de los amplificadores Sunn y los gabinetes que la propia banda ha construido. Salimos con la vibración dentro del cuerpo y el gran Cthulhu sacude la tierra  a la mitad de la noche como recordatorio al favor ofrecido.


Si el nombre de Vinnum Sabbathi nace directamente del gusto de los hermanos Tamayo por Electric Wizard y de la obvia referencia al track inicial de su Dopethrone, también podríamos tomar el cuento corto de Arthur Machen como fuente de inspiración al recordar aquella historia sobre un brebaje maldito derivado de un polvo blanco diluido en agua que transforma al hombre que lo ingiere en una bestia maligna entregada al éxtasis de la noche y sus poderes ocultos.

Aunque en un primer momento la banda de Jus Oborn fue la primera influencia del guitarrista Juan Tamayo para el proyecto alterno a su banda Bloodwitch, poco a poco su sonido dejóa un costado la pesadez lisérgica de la banda inglesa para acercarse a la densidad del Universo que mezclaría en un mismo lugar la imaginación de Isaac Asimov y el rigor científico de Carl Sagan o Stephen Hawking. Su forma de hacer doom sería instrumental, ruidosa y cíclica, pero retomaría algunos elementos del krautrock, el sludge y el drone; lo que los obligaría a recordar a otras bandas ásperas como Monolord, Yuri Gagarin, Bongzilla o Sasquatch.


La historia de Vinnum Sabbathi no ha sido sencilla, pues de ser un proyecto individual de Juan Tamayo en el ya lejano 2012, poco a poco se fue transformando en grupo al unirse el bajista Samuel López (con quien tocaba con Bloodwitch) y con el baterista de Bar de Monjas, Gerardo Arias. Finalmente se integraría su hermano Román Tamayo para imprimir el toque de sci-fi por medio del uso de sintetizadores, efectos de sonido y sampleos de grabaciones originales de la NASA para definir finalmente el concepto sonoro. Sin embargo, por estudios Arias ha estado radicando en Inglaterra por lo que ha compartido su espacio con el baterista de Apocalipsis y Nazareno el Violento, Leonardo "Mico" Cardoso.

El esfuerzo llevó a la banda a grabar de manera profesional sus primeros materiales que hoy se han convertido en objetos de culto, pero que requieren ser valorados y desmenuzados en México (por irónico que resulte). Gravity works ha sido editado por la argentina South America Sludge Records y por la alemana Aim Down Sight, pero para hacerlo sonar en su país se ha editado por medio de su propia disquera: Loud, Slow and Distorted Riffs Records, una plataforma que ha servido de refugio a varias bandas mexicanas para difundir sus propuestas sonoras y que ha logrado también difundir algunos grupos extranjeros


Ofrecemos como primer acercamiento a Vinnum Sabbathi el tema inicial de su Gravity works para quienes no los han escuchado aún. "Weightlessness"arranca con unas lejanas trompetas que anuncian el Apocalipsis que se aproxima, sonidos que llegan del espacio exterior para servir como telón de fondo a una figura de guitarra que se repite una y otra vez como banda de Möebius hasta el infinito. Los segundos van transcurriendo hasta hipnotizar al escucha mientras mientras voces humanas relatan aquello que ocurre más allá de nuestra atmósfera, pero la intensidad va incrementando hasta que el ruido satura las bocinas sin control posible. El orden se convierte en caos y la gravedad se reduce a cero para dejar abandonado a la mitad del espacio sideral al astronauta incauto que se ha dejado seducir por el sonido. La batería golpea sin piedad en una lucha a muerte por conseguir el tiempo y el bajo trabaja una figura grave que logra crear una base a la melodía hechizante, la guitarra se convierte en un furioso rugir que desgarra los tímpanos. Los sonoros truenos no cesan de latiguear el cielo hasta que dejan abandonado su eco en los confines de una estrella abandonada a su suerte en la obscuridad infinita del Universo.


El rabioso sonido de Gravity works fue logrado tras un largo proceso de grabaciones en Vesubio 34 durante los años de 2015 y 2016, pero el material fue finalmente terminado con el trabajo de masterización del reconocido James Plotkin de quien hemos ya escrito por su labor con bandas como Egypt, Conan, Harvester, Haunted, Iron Void y los propios Electric Wizard. Bucles sonoros que cambian de intensidad, audios con baja fidelidad que narran lo que ocurren fuera de los confines de este planeta y riffs lentos de gran volumen que saturan las bocinas hasta quebrar el plano auditivo.


Román Tamayo había hecho partícipe a Earthquaker del aniversario de su Loud, Slow and Distorted Riffs Records, pero un nuevo sismo obligó a posponer el evento. En pleno proceso de reconstrucción y recolección de escobros, Vinnum Sabbathi sale de nuevo al escenario con su ruido cósmico para obtener víveres y recursos para los damnificados y ofrecer al mismo tiempo deleite a los amantes de los sonidos ásperos que logran despegar los pies del suelo. Preparamos las neuronas y los tímpanos para salir nuevamente de la estratósfera planetaria con el cuarteto mexicano y disfrutar de las propuestas sonoras que lo acompañan en la tercera edición de festival de bandas del LSDR Records como Malamadre, Sementales Salvajes, Saturno Grooves y Moonwatcher. México, aquí está tu oportunidad de valorar los sonidos que están moviendo al mundo y de vivirlos sobre el escenario...


viernes, 20 de octubre de 2017

Gorilla Pulp : con la bendición de una luna india


Yeah!!! Gorilla Pulp está de regreso. Luego de su pesado álbum debut publicado en abril de 2016 (reseña - review), los italianos presentan un nuevo material bajo ese estilo muy suyo al que han nombrado como "Tufo rock". Sin embargo, ¿qué es lo nuevo que nos puede ofrecer el cuarteto de Viterbo tras lo alcanzado hace un año? ¿qué es lo que se esconde tras aquellos labios que se antojan morder? 

La banda ya nos había amenazado en marzo de 2017 con el sencillo "Prey on your mind", tema entrecortado e insistente que había servido de adelanto a Heavy lips, segundo material de Gorilla Pulp publicado hace unos días a través de Retro Vox Records. En aquel tema ya podía detectar una gran diferencia con el disco anterior: el hard rock áspero hacía espacio a uno más centrado a la velocidad y la intensidad, retomando de esta manera el metal ochentero a medio camino entre NWOBHM y el Glam. 


Los nuevos riffs de la guitarra de Angioletto Mr. Vernatti alcanzan el calificativo de asesinos, pero sin la profundidad del bajo de Choris no encontrarían el soporte necesario para despegar. La voz de Maurice Flee alcanza nuevos matices al grado de hacernos pensar que varios cantantes participan en el material, ofreciendo de esta manera diversos colores al disco. Para cerrar el círculo virtuoso, los tambores y platillos de "Bulldozer" Pioli logran la exactitud, pero su fuerza logra romper el plano sonoro hasta hacer vibrar la tierra a nuestros pies.

Si en el primer disco de los italianos nos habíamos enamorado de aquel stoner que rasgaba cada uno de sus temas, en Heavy lips caemos rendidos ante su hard rock directo que bebe directamente del primer Aerosmith o del UFO y Scopions de los años ochentas. Sin olvidar el sonido que les generó reconocimiento (como en la obviamente desértica "Cactus killer"), Gorilla Pulp abre sus posibilidades sonoras en este disco gracias al hard rock más clásico ("In your waters" bebe directamente de Kiss) hasta la experimentación sonora (un perfecto ejemplo es la magia cósmica que se respira en "The low song"); aunque quizá el elemento más marcado en el disco es el uso de las "twin guitars" (claramente utilizadas en "The witches twirl" y en "Ape eyes") que son utilizadas para adornar las melodías a base de un millón de notas virtuosas, a diferencia del Peyote queen donde su fuerza radicaba en los acordes secos.


Bajo el cuidado técnico de Carlo Izzo en los estudios Elfo de Piacenza, Italia, Gorilla Pulp grabó su segundo disco durante la primera parte del 2017; pero aunque el tiempo de trabajo de producción fue menor en esta ocasión, los resultados son óptimos. El poder de la banda ya había sido demostrado en Peyote queen, pero ahora era necesario alcanzar la calidad interpretativa y una mayor amplitud melódica, mismas que están registradas en Heavy lips

Con la intención de promocionar directamente este segundo material discográfico, el cuarteto italiano lanzó como sencillo "Bless the moon", tema con el que abre el disco. Un riff de guitarra directo y sin contemplaciones nos pone en alerta ante el vendaval de notas que enseguida se escucha, una melodía acelerada de guitarras gemelas que atascan las bocinas hasta hacerlas explotar. Tras algunos minutos de velocidad, todo se convierte en una tensa calma gracias a un lento ritmo que permite a las guitarras llorar y convertirse en cósmicos sonidos que nos arrastran hasta la luna.

Con un video escrito y dirigido por Daniele Ercolani de Sbob TV, Gorilla Pulp se encuentra promocionando "Bless the moon". Bajo la misma estética lograda en el videoclip de "Peyote queen", en esta ocasión Gorilla Pulp nos cuenta la historia de una mujer que bajo el influjo de una pócima india recuerda el asesinato de un hombre mientras la banda toca al calor de una fogata a la mitad de la noche. Un atrapasueños es robado, pero una sustancia inyectada directamente a las venas logra cobrar venganza contra el ladrón. Magia, misterio y muerte condensadas en una pequeña narración que sirve de telón de fondo a un infeccioso tema lleno de intensidad.


Heavy lips resulta una propuesta arriesgada si se tiene como referencia el éxito alcanzado por Peyote queen, pero lejos de optar por la comodidad del reconocimiento obtenido, Gorilla Pulp se avienta al abismo con la intención de llegar a nuevos territorios. En tan poco tiempo, el cuarteto italiano ha alcanzado una madurez musical que pocas bandas logran tras años de trabajo, aunque la posibilidad de crítica y rechazo es alta por parte de la prensa y el público quienes quedaron engachados por el pasado. Los aires de cambio soplan fuerte en Heavy lips, pero lejos de convertirse en un retroceso, son motores ideales para convertir a Gorilla Pulp en una de las mejores bandas de hard rock en Italia...




miércoles, 18 de octubre de 2017

Old Man's Will : un recuerdo para el hombre problemático


El mundo del rock n' roll es más difícil de lo que parece. Entre grabaciones y giras, la vida personal queda a un lado para dedicar el mayor tiempo posible al proyecto musical con la intención de llegar a la mayor cantidad de tímpanos posibles. Sin embargo, el camino es difícil y en muchas ocasiones se tienen bajas inevitables. Hace poco nos enteramos que parte de los integrantes de los suecos Old Man's Will abandonaban a la banda para dedicarse a otras cosas más allá de la música, dejando en suspenso el futuro del grupo. Por lo anterior, decidimos escribir brevemente sobre lo que había sido este cuarteto hasta unos meses y sobre su próximo futuro.

A principios de 2012, cuatro jóvenes de Umeå, Suecia crearon un grupo donde pudieran hacer hard rock como el que se grababa en antaño, de aquel con algún toque del blues eléctrico setentero. De esta manera nació Old Man's Will a través de la amistad y la química musical de Gustav Kejving en la batería, Benny Åberg en las vocales, Tommy Nilsson en el bajo y Klas Holmgren en la guitarra eléctrica. 


Tras un par de años de ensayos, pequeñas presentaciones y esfuerzos, la banda logró publicar su homónimo álbum entre octubre de 2013 y marzo de 2014. En aquel primer trabajo discográfico podemos disfrutar a un grupo clavado en el hard blues vintage que recuerda por instantes a las primeras alineaciones del Deep Purple revestido con algunos toques del nuevo siglo como lo hecho por Kamchatka. Sus diez temas nos van sumergiendo en su estilo somero que se distingue por la pulcra interpretación y la peculiar voz de Benny Åberg.

En octubre de 2015 presentaron su segundo material titulado Hard times-Troubled man a través de la reconocida disquera RidingEasy Records, disco con mayores matices musicales caracterizados por un incremento de intensidad y sentimiento. Al blues y el rock pesado se suman algunos momentos funky y pop que en conjunto logran abrir el horizonte sonoro de la banda. Desde que escuchamos la desgarradora guitarra de "Fools" con ese ligero sabor que recuerda "Highway star" de Deep Puple, sabemos que tenemos frente a nosotros un disco poderoso. El blues más profundo lo encontramos en "Ratking" y  en "Another seven days", pero si lo que buscamos es una descarga energética con incisivas melodías en necesario acercarse a "How could you know?" o a "Got it", aunque los juegos rítmicos de "Easy rider" nos demuestran las nuevas posibilidades compositivas del grupo.


Una muestra de lo alcanzado por Old Man's Will en este segundo disco es "Troubled man", tema que sirvió de sencillo promocional gracias a su riff certero y su ritmo cortante que inmediatamente logra la atención de los escuchas. Bajo un esencia zeppeliana innegable, la banda juega con los tiempos para crear un track infeccioso que corta como navaja en cada acorde pero que al mismo endulza con su estribillo pegajozo y un puente lleno de blues que permite un ligero duelo instrumental místico lleno de intensidad. Cuatro minutos perfectos que encapsulan el alma de Old Man's Will, ideales segundos que demuestran la capacidad interpretativa de una buena banda de hard blues vintage.


Para redondear el lanzamiento de "Troubled man" como single, la banda presentó un trabajo visual promocional a través del canal de YouTube de la disquera RidingEasy Records. Dicho video nos muestra la imagen "hipster" de los integrantes de Old Man's Will quienes interpretan el tema mientras son grabados en viejas consolas de carrete abierto y observamos cómo se registra el evento en antiguos monitores de video Singer. Rodeado de amplificadores y armado con sus instrumentos, la banda nos muestra un poco de su esencia para dejarnos en la boca la sensación de música directa y grabación lo-fi como se hacía en el pasado.


La gira promocional del Hard times-Troubled man se enfrentó a una inconsistente serie de presentaciones en directo, provocando así una inestabilidad en la banda y una debilidad en la difusión del disco. Finalmente, en julio de 2017 fue anunciada la salida de Kejving y Nilsson de la banda por medio de su página de Facebook; presentando al mismo tiempo a sus relevos: Simon Lundir en la batería y Michael Åberg en el bajo. Sin mayor tiempo que perder, Old Man's Will se metió a los estudios de grabación para registrar lo que será su tercer álbum.

Creemos que era justo recordar lo que un día fue Old Man's Will para tener elementos de juicio con los cuales recibir su próximo material discográfico, siendo además un perfecto pretexto para volver a disfrutar el genial Hard times-Troubled man,  un maravilloso disco que se ha quedado de manera injusta en el olvido. Bajemos de nuevo la aguja sobre los surcos y disfrutemos sus ocho temas, recordemos lo hecho por el cuarteto sueco y preparemos el terreno para el nuevo Old Man's Will...


lunes, 16 de octubre de 2017

Thermate : cuando las arenas del desierto cubrieron Finlandia


Cuando pensamos en Finlandia, inmediatamente llegan a la mente las imágenes congeladas de los impresionantes paisajes de Escandinavia y la maravillosa arquitectura de sus ciudades. Sin embargo, cuando pensamos en su música en pocas ocasiones tenemos la oportunidad de encontrarnos con el rock que se hace allá, de no ser varias bandas cercanas a los diversos caminos del metal como Stratovarius, Children of Bodom, Apocalyptica o Nightwish. Al rascar dentro de las dunas del stoner desértico, hoy tuvimos la suerte de encontrarnos con un gran ejemplar finés digno de compartir con el mundo: Thermate.

A las orillas del lago Kallavesi se encuentra la pequeña ciudad de Kuopio, capital de Savonia del Norte. A los pies de la famosa Torre Puijo y en los bosques que la rodean, un quinteto de jóvenes formaron una banda a principios de 2012 con la intención de mezclar el hard rock de principios de los 70's con el rock desértico de los años 90's que a la postre daría origen a lo que hoy conocemos como stoner. Utilizando como nombre aquella reacción química pirotécnica que bien se puede utilizar en la soldadura que une los rieles ferroviarios como en granadas militares, el grupo se bautizó con un palabra que reuniera en sí misma fuerza, explosividad y unión.


Thermate está integrado por las ásperas guitarras de Mikko Väätäinen y Juuso Honkanen, el profundo bajo de Jere Tirkkonen, la insistente batería de Kimmo Partanen y la penetrante voz de Arthur Thure; quienes en conjunto logran crear sonidos envolventes que como tormentas de arena nublan todo a nuestro alrededor hasta acabar con todo lo que está a su paso. A pesar de esta furia sonora, la banda se permite realizar uno que otro viaje lisérgico como si se tratara de alguna alucinación derivada por el asfixiante sol del desierto.

Delimitado entre estos dos parámetros sonoros, la banda finlandesa establece su estilo para transportarnos a las dunas californianas y hacernos olvidar los nevados parajes escandinavos.  Otros grupos de dicho país han utilizado al stoner como plataforma para su concepto sonoro, pero lo han mezclado con otros géneros para personalizarlo como Laserdrift con el heavy psych y Elephant Bell con el rock alternativo. Sin embargo, Thermate se refugia en el rock desértico de la escena californiana de Palm Spring y en los primeros momentos del hard rock y el proto-doom.


Lo primero que supimos del quinteto fue a través del lanzamiento de su primer EP titulado Off the hades, el cual fue lanzado en mayo de 2016 con cuatro temas basados en riffs definidos de hard rock obscuro y crudas figuras que ya mostraban algunas tendencias stoner. Sin embargo, no fue hasta su segundo EP llamado Black desert highway publicado en marzo de 2017 donde el sonido árido atasca las bocinas para ofrecernos la desolación, la insolación y la ilusión del desierto.

Este segundo EP arranca con una misteriosa y abandonada introducción que inmediatamente nos remite a pueblos fantasmas y bolas de pasto seco cruzando las solitarias carreteras. Sin embargo, el material se convierte en una impenetrable muralla de sonido que rasga los tímpanos como lo que podemos escuchar en el tema que le da nombre al disco o en "Bullets on the feed" con todo y sus monótonos ritmos que denota cansancio y hartazgo. Aunque "The last stand" se mantiene con la misma lógica auditiva, pero poco a poco se va transformando en una épica melodía de proporciones colosales que juega con los tiempos y las figuras, ofreciendo al mismo tiempo una prueba de la gran calidad interpretativa de la banda.


El tema más incendiario del Black desert highway es "Pipe dream", track que golpea sin piedad gracias a su velocidad sostenida que simula a un poderoso V8 corriendo por algún camino rodeado de dunas y cactus. Sobre el hirviente asfalto rueda a salvajes kilómetros por hora un riff áspero que rasga las bocinas y se impregna a la piel como la sal y el sudor. Coraje y rencor transpiran por las furiosas líricas mientras los instrumentos construyen diversas figuras por medio del poder del fuzz, pues cuando creemos que el tema no puede ofrecernos algo más, nos encontramos con un  mágico puente musical donde un distorsionado bajo eléctrico toma el control hasta hacer temblar la tierra bajo nuestros pies.


Dos bellas mujeres desnudas sostienen el espejo que refleja aquel camino abandonado a la mitad del desierto mientras el cosmos cae ellos sin compasión ni freno. La ilustración hecha por el guitarrista Jusso que sirve de portada al Black desert highway inmediatamente nos ubica en el punto de referencia que Thermate utiliza como inspiración, pero al mismo tiempo logre ser un gancho a la vista que despierta el deseo por saber qué es lo que guarda en su interior.

Ahora es el momento de saber cómo se escucha la banda sobre el escenario más allá de lo logrado al calor del estudio Tonehaven y el cuidado técnico de Tom Brooke. Por lo pronto ellos se encuentran recluidos en su país con la intención de hacerse de un reconocimiento local, sin embargo la penetración de las redes sociales han llevado al nombre de Thermate hasta los más inimaginados puntos del planeta. Ojalá y pronto tengamos nuevas noticias discográficas con las que podamos confirmar que este quinteto de Kuopio es la mejor banda de stoner de Finlandia...



viernes, 13 de octubre de 2017

Pradhana : golpe tras golpe


Poco a poco nos hemos acercado en la escena que se ha gestado desde hace algunos años en Lima, capital del Perú. Las recomendaciones han llegado hasta los oídos y el tiempo se reduce hasta lo mínimo cuando deseamos compartir lo que en sus calles ha surgido hasta llegar a la organización de pequeños festivales como el Lima Doom. La calidad de las propuestas sonoras han logrado no sólo ganar espacios en el territorio inca, sino cruzar las fronteras para alojarse en las neuronas extranjeras y aferrarse a la memoria a fuerza de sonidos distorsionados y crudas líricas. Hoy hemos escogido como ejemplo perfecto de lo anterior a Pradhana, así que aquí van algunas líneas para ellos...

En el año de 2014 se integraron cuatro chicos peruanos con la intención de crear una banda con temas propios, mismos que fueron pasado por diversos estilos como el rock alternativo y el new wave hasta ir mutando hacia el grunge y definitivamente al rock desértico de gente como Kyuss y Fu Manchu y el stoner del  nuevo siglo bajo la escuela de Red Fang y 1000mods. A fuerza de ensayo y composición, la banda fue logrando definir su sonido hasta que a principios de 2016 grabaron y publicaron un demo, mismo que ha comenzado ha tener repercusión fuera de su país natal.


Tomando como punto de partida la palabra en sánscrito que denota el principio material que genera y guía al universo, la banda se bautizó como Pradhana con la intención de jugar también con la idea de la fuerza que lleva a la creación musical, una experiencia física del sonido que hace vibrar al cuerpo. Bajo este concepto, el cuarteto de Lima busca reflejar el sonido áspero del stoner con aquella energía primordial que da origen a todo.

Este ruido primordial ha sido creado por la desgarrada voz  de Carlos Rosell quien también acompaña con los acordes de una desgarradora guitarra, la gravedad tonal de las cuatro cuerdas furiosas de Manuel Cornejo, las percusiones salvajes  que golpean sin piedad de Tomás Osores y las figuras ahogadas en wah de la guitarra principal de Paulo Macedo que lloran hasta que las bocinas sucumben ante las insistentes notas.


Con el apoyo de Rula de Carpio de estudios La Arca, Pradhana tuvo la oportunidad de grabar un demo que fue publicado en su página de bandcamp en marzo de 2016 bajo el nombre de Sesiones en el Arca, un pequeño material conformado por cinco temas que logran encapsular el estilo del grupo de manera clara y concisa. La distorsión toma por asalto los parlantes hasta expulsar una muralla de sonido que no queda reducida a un monótono estilo, sino que más allá de su estilo definido, se toma la libertad de tomar diversos caminos para otorgar originalidad e infinitas posibilidades melódicas.

La banda presenta como inspiración directa la pesadez, la obscuridad y la marihuana, pero aun con estos obvios referentes que surgen del stoner más clavado, Pradhana  muestra un sendero multicolor que permite disfrutar su propuesta sin reducirla a un solo patrón melódico. El material arranca con una megalítica y arenosa canción titulada "Viaje", la cual es caracterizada por su aletargado ritmo y su onírica lírica. Lejos de este denso paso, bien podemos escuchar las caprichosas figuras de "Ente Karma" con la que podemos comprobar las capacidades interpretativas de cada uno de los integrantes del grupo, o la reflexiva "Héroes" que aún bordea el origen grunge del cuarteto de Lima. Por si fuera poco, el demo cierra con las notas lisérgicas de "X (gone, Saturn)" y su canto en inglés que bien podría confesar el deseo de Pradhana de cruzar las fronteras hacia diversos públicos.


Sin embargo, el track que bien podría servir de perfecto ejemplo al sonido demoledor y áspero por el que Pradhana ha orientado sus pasos es "Falso ideal". Con una obvia lírica corrosiva de crítica social, el tema contiene un sostenido ritmo que se convierte en veneno, pero al mismo tiempo marca un riff entrecortado y descendente ideal para su estribillo. La eterna historia latinoamericana de implacable control y opresión al pueblo se convierte en una adictiva melodía que termina explotando en un feroz solo de guitarra que por medio del fundamental pedal wah nos hace ver las estrellas mientras su violenta base nos arrasa como una tormenta de arena.
Desde hace tiempo la banda se encuentra realizando maquetas de sonido para lo que será la grabación definitiva de su álbum debut, aunque las actividades personales de cada uno de sus integrantes ha obligado a posponer el trabajo en estudio. Por lo pronto, directamente los integrantes de Pradhana nos han comentado que a principios del 2018 tendremos un EP con dos nuevos temas, mismos que servirán de aperitivo al anhelado primer disco que está pensado su lanzamiento para el mismo 2018.

Sesiones en el Arca es una excelente muestra de lo que tiene el grupo en sus manos, pero quizá sea el momento de plasmarlo en una grabación que sirva de granada en su país con la intención de crear mayores espacios para su difusión y de catapulta de promoción hacia otras partes del continente. Hay hambre en América Latina por bandas con este sonido agresivo de líricas contundentes, así que bien podemos vislumbrar un futuro prometedor a Pradhana... ahora sólo queda ser pacientes y esperar un poquito más por el deseado debut.


miércoles, 11 de octubre de 2017

Devil Electric : rendidos ante la bruja roja


Una misteriosa dama de rojo camina por los desolados bosques, el espacio ideal para guardar un secreto maldito de tan sólo nombrarlo. Un séquito de negras almas escolatn su aletargado paso, resguardan al espíritu maligno que busca abrir los portales prohibidos para liberar las fuerzas obscuras quienes portan fuerza y odio. La sacerdotisa escarlata entrega su sabiduría en olvidados rituales con la intención de rescatar aquella magia condenada por los hombres...

Ya cuando habíamos escrito sobre el EP The gods below, se vislumbraba que la obscuridad del concepto sonoro y visual de los autralianos Devil Electric los orientaría a mejores composiciones y a un mayor reconocimiento por parte del público y la prensa especializada (reseña-review). Ahora que tenemos en las manos su primer álbum completo podemos decir que no estábamos equivocados, hoy la banda es toda una realidad con el viento a su favor para convertirse en un referente obligatorio del occult rock del nuevo siglo.


La banda originaria de Melbourne ha regresado con Devil Electric, su álbum debut titulado de manera homónima publicado en agosto de 2017 a través de Kozmik Artifactz. Este material ha logrado condensar su densa base de heavy blues con el proto-doom de los primeros años de la década de los setentas, un espacio de encuentro que dio origen al primer Black Sabbath y que sentó las bases para otros grupos que han servido de inspiración para los australianos como Graveyard, Blues Pills, Electric Citizen, The Well, Kadavar o The Dead Weather.

Tratando de construir las metáforas ideales que identifiquen a cada uno de los miembros de Devil Electric, bien podríamos describir el sonido del grupo a través de las lineas calculadoras del bajo que reptan como serpientes por el suelo (Tom Hulse: snake-bass), la guitarra hiriente que corta (Christos Athanasias: knife-guitar), los ritmos de percusiones que recuerdan aquellos viejos rituales que se realizaban frente a una mágica fogata (Mark van de Beek: tribal-drums) y una voz hechizada que nos enamora y nos sacrifica a la vez (Pierina O'Brien: the red witch).

Bajamos la aguja sobre el vinil y un fuerte zumbido ahoga la atmósfera alrededor. En su interior se escucha una misteriosa procesión de seres obscuros guiados por tambores paganos que se reúnen poco a poco alrededor del fuego ritual alimentado a la mitad de la noche. Mientras el álbum arranca con esta imagen ("Monologue"), los minutos transcurren hasta hacer el ambiente más denso hasta despertar una sensación lúgubre, salvaje música desgarradora que por momentos nos hace bailar sin control dentro de un maldito aquelarre ("Shadowman") o nos obliga a rendir culto a olvidadas deidades con poderes temidos ("Acidic fire") y al mismo tiempo nos hable sobre encarnizadas batallas entre el bien y mal ("The dove & the serpent"). Las cuerdas arañan las bocinas en un himno fatídico ("Monolith"), mientras una hermosa bruja de terciopelo entona melodías desgraciadas con la intención de robarnos el alma para entregarla a las fuerzas de la noche ("The secret machine").

El primer disco de Devil Electric nos muestra a una banda con una línea conceptual y sonora muy clara. Aprovechando el misticismo y la zozobra que genera la obscuridad, los nueve temas del material condensados en 36 minutos nos sumergen en un lúgubre paseo por un bosque encantado que oculta ritos paganos y poderes sobrenaturales. El álbum fue grabado durante los primeros días de septiembre de 2016 en el estudio Coloursound bajo la supervisión técnica de Tom Glover y la masterización de Matt Sibthorpe, logrando crear un sonido abismal que contrasta con la voz de Pierina O'Brien. Los riffs herederos del Black Sabbath más clásico salpicado con el occult rock que ha surgido en los últimos años por todo el mundo, otorgan al repertorio del cuarteto australiano un juego irónico entre fuerza y misterio.

El primer single del disco fue "Hypnotica", tema presentado en mayo de 2017 con la intención de preparar el terreno y provocar el deseo por tener en los tímpanos la nueva música de Devil Electric. Siguiendo los pasos establecidos en "The dove & the serpent" (primer single del EP The gods below y que ha sido incluido en este material), "Hypnotica" inicia con una tétrica guitarra que se convierte en un rugido feroz, melodía hiriente que aprovecha los cambios de intensidad para generar tensión y sumergirnos en parajes desconocidos que sobresalta en el momento más inesperado. Acordes secos que caen como lápidas, guitarras que murmuran y sobrevuelan como almas en pena, voces que cantan para robar la atención y dejarnos inmóviles ante la imagen hipnótica de una bruja roja dispuesta a sacarnos el corazón y ofrecerlo en tributo.

Con un trabajo visual realizado por Defero Productions, Devil Electric presentó el video promocional de "Hypnotica". Los dedos se posan sobre el mástil para comenzar la lúgubre oda que inmediatamente es seguida con furia por el resto de la banda. Entre sombras y reflejos, el grupo muestra su poder interpretativo frente a las cámaras, otorgándonos la posibilidad de escuchar en plenitud la música más allá de la distracción visual de una historia mórbida o la belleza de la vocalista de la banda.


Gracias a su estilo, la banda a logrado pisar diversos escenarios y participar en distintos festivales junto con grupos importantes del nivel de Truckfighters, Endless Boogie, Fuck the Fitzroy Doom Scene, Motherslug y Kadavar. Lo anterior no sólo demuestra el reconocimiento y e gusto por su proyecto, sino su calidad interpretativa sobre los escenarios. Por lo pronto, desde este punto del planeta nos conformaremos con saborear detenidamente cada segundo discográfico de Devil Electric mientras el cuarteto se anima a compartir su música siniestra en este continente.


lunes, 9 de octubre de 2017

Wucan : hechizando ratas y neuronas


Cuando escribimos sobre el álbum debut de la banda alemana Wucan titulado Sow the wind (review), Earthquaker había amenazado que este grupo se convertiría en una de las mejores dentro de la escena vintage alemana. Hace unos días fue publicado Reap the storm y luego de una primera vuelta a los surcos podemos escribir que el cuarteto de Dresden ha logrado cumplir la profecía.

Lejos de quedarse estancados en el sonido logrado en su primer material, los alemanes buscaron desarrollar su estilo para alcanzar un álbum maduro que servirá de plataforma para su futuro musical. Sobre la base del hard rock fundamentado en flautas e hipnóticos riffs de guitarra, hoy Wucan nos ofrece un disco que sobrevuela el movimiento progresivo de los años setentas desde la mirada del krautrock revestido con algunos instantes psicodélicos. El resultado final es una extensa obra de ochenta minutos encapsulados en tan sólo ocho temas.


Aquel primer disco de Wucan fue grabado con el baterista Leo Vaessen, pero el abandonó el proyecto para dedicarse al cien por ciento con su banda The White Dukes. Desde entonces, el grupo encontró en Philip Knöfel al encargado perfecto de las percusiones tras años de un largo desfile de múiscos en dicha posición. Gracias a esta adquisición en la alineación, el guitarrista Tim George, el bajista Patrik Dröge y la cantante/flautista Francis Tobolsky encontraron el equilibrio perfecto para concentrarse en afinar su estilo y crear nuevas composiciones que alimentaran lo alcanzado hasta ese momento. 

Wucan regresó al Big Snuff Studio para grabar el nuevo material, pero a diferencia del primero, la grabación y producción corrió a cargo de Nene "Porco Dio" Baratto, quien ha trabajado en los discos de Travelin Jack y Kadavar. Para complementar la realización técnica, la mezcla corrió a cargo de Charlie Paschen y la masterización por Andreas "Lupo" Lubich, quienes lograron obtener un resultado alucinante que realmente logra dar un paso más allá a lo alcanzado en Sow  the wind.


A pesar de tener tan sólo algunas horas de ser presentado, Reap the storm tiene todos los elementos necesarios para convertirse inmediatamente en un material de referencia obligada al renacimiento en este siglo del hard rock progresivo clásico. Sin embargo, el disco no se queda en aterrizar en las planicies de los viejos lugares ya establecidos por los antiguos dioses como Jethro Tull, sino que el cuarteto alemán rompe con las fronteras establecidas para regalarnos una obra colosal que logra volarnos las neuronas a través de múltiples imágenes sonoras sin repeticiones ni lugares comunes.

El Reap the storm podríamos dividirlo en dos partes, mismas que quedan claramente marcadas en su edición de vinil: una primera conformada por seis temas "convencionales" con melodías definidas sobre una misma vía y una segunda constituida por dos extensas suites. El primer disco arranca con un misterioso tema cantado en alemán que poco a poco nos va envolviendo en su mágica neblina psicodélica, pero al ofrecernos su "Ebb and flute/The eternal groove", el rock progresivo de flautas maravillosas del primer disco regresa a nuestra memoria; aunque por momentos es imposible no recordar a Alia O'Brien con su Blood Ceremony. Sin embargo, el tema se convierte a fuerza de golpes de bajo en una melodía pop de reminiscencias disco. La cabalgata eléctrica se adueña del sonido en "Out of sight, out of mind" gracias a su guitarra heredera del agresivo NWOBHM. Cuando la aguja se posa sobre "I'm gonna leave you", nos encontramos con un track hecho a base de mezclar una buena canción pop con algunos elementos psicodélicos y soul que desearon hacer los Blues Pills en su criticado Lady in gold pero que no lograron. Esta sección del disco cierra con otro tema en lírica alemana llamado "Falkenlied", el cual se distingue por sus aires acústicos que recuerdan por momentos al Fairport Convention de Sandy Denny.


La segunda mitad del Reap the storm sólo nos ofrece dos temas, mismos que podríamos considerar como dos obras conceptuales estructuradas por diversos movimientos bien definidos. "Aging ten years in two seconds" comienza con acordes acústicos para darle seguimiento al último track de la primera parte del álbum para ir subiendo in crescendo a través del poder de la flauta y cambios melódicos dirigidos por el bajo hasta llegar a energéticas notas herederas del hard rock setentero durante un largo viaje con más de viente y un minutos delirantes. En cambio "Cosmic girl" es una larga experimentación sonora de dieciocho minutos donde podemos encontrar sonidos orientales de sitar y paseos astrales psicodélicos, pero que en su parte media logra arrancar algunos instantes distorsionados para regresar al mundo onírico con el que suavemente arrancó.

El primer sencillo del disco es "The rat catcher", track que inmediatamente nos remite a la antigua fábula alemana de El flautista de Hamelin que fuera rescatada por los hermanos Grimm. La batería y el bajo ensayan un ritmo adictivo, pero tras algunos segundos es quebrado por una guitarra que cambia la melodía de manera brusca. Algunas notas de flauta delimitan la línea melódica para ser seguida por una voz femenina con una agresiva entonación inspirada en el coraje y la venganza. Inesperadamente el tema es de nuevo cortado por una misteriosa e insistente línea de bajo que prepara el terreno a una flauta que sopla una hipnótica figura con la intención de orientar a los inocentes hacia lugares desconocidos. El tema encapsula en sus más de cinco minutos de duración los nuevos caminos tomados por Wucan en su extenso Reap the storm, es una probada ideal que confirma lo alcanzado por una banda en su intento por traspasar sus propias fronteras musicales hacia infinitas posibilidades.

A principios de septiembre de 2017, Wucan presentó el video promocional de "The rat catcher", el cual es un trabajo visual mágico realizado por Caryzma Media que nos muestra a la banda interpretando el tema en algún rincón perdido entre los callejones de una vieja ciudad mientras niños y ratones bailan con la melodía seductora. Entre luces y sombras, la banda explota en un alucinante juego de imágenes que dotan de imaginario a un tema de obvias referencias literarias.

Con la intención de hacer llegar este maravilloso y extenso trabajo, el cuarteto de Dresden ha comenzado su gira europea que tocará Alemania, República Checa, Países Bajos y Austria, misma que inició con un evento compartido con Travelin Jack y Eat Ghosts en su lugar de nacimiento. En el otro lado del Atlántico nos encantaría recibirlos, pero hasta este momento no se encuentra en sus planes, así que sólo nos queda saborear detenidamente esta obra colosal llamada Reap the storm, un disco ambicioso que alcanza sus objetivos al hechizar a los amantes del viejo rock progresivo y al acercar a las nuevas generaciones a un género multifacético que requiere ser nuevamente valorado.


viernes, 6 de octubre de 2017

Black Rainbows : la institución italiana del psych-fuzz


Cuando se escribe de Gabriele Fiori es hacerlo sobre uno de los referentes obligados del hard rock italiano. Hace tiempo habíamos compartido algunas líneas sobre Killer Boogie, una de sus bandas quedó reducida al genial Detroit de principios de 2015 (reseña-review) así como su trabajo a través de su disquera Heavy Psych Sounds; pero era necesario y urgente redactar algo dedicado a su principal proyecto: Black Rainbows.

Con distintos compañeros de guerra desde el año de 2005, Fiori ha creado alrededor de su Black Rainbows una banda dedicada al culto del rock psicodélico en conjunción perfecta con el stoner desértico norteamericano de la última década del siglo pasado, un lugar donde se encuentran MC5, Blue Cheer y Hawkwind con Fu Manchu, Kyuss y Nebula. Desde hace dos años el grupo está completado por Alberto Croce en la batería y Giuseppe Guglielmino en el bajo, tiempo en que la banda se ha dedicado a terminar por establecer su estilo y darlo a conocer más allá de las fronteras italianas.


Con la intención de crear una continuación al Hawkdope de marzo de 2015, Black Rainbows realizó Stellar prophecy presentado hasta abril de 2016. En sus siete temas condensados en cuarenta y cuatro minutos bien podemos escuchar aquel rock salvaje y áspero a través de la fuerza del fuzz que en sus venas corre el cosmos, el desierto y la psicodelia más lisérgica. El disco es un onírico viaje por las neuronas hasta la explosión de supernovas por algún rincón olvidado del universo, una ácida visión que logra despegar los pies del escucha para desmenuzarlo en un millón de partículas extasiadas.

 El quinto disco del power trio italiano comandado por Fiori encuentra en la metáfora del monstruo de doble cabeza la mejor imagen para describirlo. Por un lado encontramos dos largos suites experimentales que nos remiten al viejo space rock de tintes progresivos con la intención de dejarnos  flotando en la gravedad cero como en "Golden widow" y "The travel", pero en la otra cara de la moneda podemos escuchar el psych-fuzz con ese saborcito a stoner con el que ha logrado ganar seguidores la banda como en "Evil snake", "It's time to die" y "Keep the secret". Sin embargo, en el Stellar prophecy existe el suficiente espacio como para que la banda nos regale un pequeño tesoro, un blues eléctrico de guitarra y teclados penetrantes llamado "Woman", tema que te toma de la mano para mostrarte las galaxias bajo un aletargado ritmo que logra hipnotizar y enamorar.


Sin embargo, la mejor muestra de lo que es Black Rainbows es el tema inicial del Stellar prophecy que sirvió de primer single al material. "Electrify" es un pequeño demonio de cuatro minutos de guitarra desgarradora que desde su riff inicial nos hace menear la cabeza a su ritmo mientras el pie pisa el acelerador para que un poderoso V8 corra a toda velocidad por el ardiente asfalto de alguna carretera escondida entre las dunas del desierto californiano. Sus acordes caen como relámpago para iluminar la obscuridad de la noche, tormenta ácida de notas que se mantiene estática sin compasión ni descanso.

Mientras la batería de Alberto marca el tiempo, la guitarra de Gabrielle vomita su figura venenosa que inmediatamente es seguida por el bajo de Giuseppe. Efectos cósmicos se escapan de las bocinas mientras la arena se pega a la piel en una extraña mezcla entre el calor asfixiante del mediodía y el insoportable frío de la madrugada. El ritmo es cortado por momento para otorgar intensidad a la melodía, pero todo regresa a su incansable y sostenido tiempo para demostrarnos que Black Rainbows es una poderosa máquina de sonido imposible de apagar.

Con un trabajo visual realizado por Andrea Labate, la banda presentó el video promocional para "Electrify". En sus imágenes podemos ver al grupo entre psicodélicos colores que remiten al cosmos y, obviamente, a la electricidad. Flashes y luces constantes nos deslumbran pero que al mismo tiempo nos permiten observar al power trio refugiados entre sus instrumentos y sus amplificadores. ¿Acaso existe algo más eléctrico y poderoso que una banda de rock explotando las bocinas mientras todo se derrite a nuestro alrededor?


Desde el año 2016 y hasta el día de hoy, Fiori y su banda se dedicó a promocionar su Stellar prophecy, teniendo la oportunidad de ser los abridores de mítico Brant Bjork durante su gira europea, además de participar en diversos festivales como:::::: y ahora en el Desert Fest que se realizará en Atenas, Grecia.