La nieve se derrite, el pasto quemado por el hielo ahora recibe al tenue sol que nace a través de las altas montañas, un leve viento sopla sólo para erizar la piel. A lo lejos se alcanza ver el paso lento de una extraña figura humana sobre su caballo, acaso un justiciero que busca terminar con la falsa verdad. Mientras se acerca aquella presencia abismal, el ambiente se enrarece y se hace muy difícil mantener el aliento hasta que irremediablemente todo se torna denso. A su paso se respira reclamo, venganza y muerte...
La Patagonia argentina vio nacer a este monstruo sonoro hace un poco más de un año, pero ya para el día de hoy su voz se ha convertido en un clamor de eco profundo. Desde la pesadez que regala el desierto montañoso, escuchamos un gordo engendro que en su estertor reclama a aquellos que con su discurso engañan, pero también contra aquellos que terminan traicionándose a sí mismos. Desde Bariloche llega la fuerte represalia contra los "arrastrados" bajo el obscuro nombre de Comeculebras.
Poderoso trío que tiene en el stoner más profundo el medio ideal para trasmitir su mensaje de inconformidad, quizá una manera de encender la mecha contra la opresión, la desigualdad y la mentira sistemática. Algunos trazos de doom por aquí, algunas gotas de metal por acá. Un personaje creado como identidad, como concepto y como ideal que terminan construyendo un compacto y conciso proyecto de protesta por medio de la fuerza que el rock ha traído en sus venas desde que nació.
La larga cabellera de Fernando Valeria se agita mientras su bajo eléctrico de brutales tonos graves retiembla el suelo bajo nuestros pies. Su voz lleva el mensaje de aquel jinete de aspecto espectral, una queja a través de la garganta contra la devastación del hombre por el mismo hombre. La espigada figura de Emilio Contissa sirve de contrapeso, mismo efecto que sus acordes sobre las seis cuerdas alcanzan sobre la profundidad, acaso una distorsionada luz eléctrica al final de la obscuridad. Aguardando al fondo de la escena observamos a Federico Agüero, esa entidad que marca el lento paso del pesado corcel bajo el ritmo de un vals macabro sin compasión.
Si aún así fuera difícil escribir lo que es Comeculebras, la banda nos ofrece su "Himno", que no es otra cosa más que una declaración de intenciones, un manifiesto que sacude conciencias en búsqueda de lealtad y defensa de los ideales. Potentes figuras infranqueables que al cruzar las bocinas destruyen muros de ignorancia e incredulidad hasta deshacer la represión intimidante y la mentira que nubla la realidad. Ritmo hipnótico de baja velocidad que sumerge en su abismal sonido a quien ose poner un pie en su interior. La tensión sonora aumenta hasta que el coro se levanta en una sola voz con su bandera muy clara: no va a poder neutralizar nuestro poder, nuestra lealtad.
El álbum debut de Comeculebras vio la luz a finales de mayo de 2016 bajo el auspicio de South American Sludge Records, colectivo musical y disquera nacidos por idea de Sergio Chotsourian (ex-miembro de Los Natas y actual cabeza de Ararat). Los siete temas que lo conforman fueron grabados en el H3 Estudio por el grupo junto con Matías Campos Bianchi, quien logró captar la crudeza que Comeculebras tiene en vivo. Mención a parta merece la ilustración hecha por Toro Brizuela y el diseño de la tapa realizada por Julieta Contissa, ya que con su trabajo podemos darle forma a la lúgubre entidad más allá de nuestra imaginación.
"Himno" no quedará solamente en un tema que anuncie el camino ha seguir por Comeculebras, ya que próximamente saldrá su video promocional para dar imagen al aplastante sonido de la banda. En lo que esperamos su publicación, nuestras neuronas se ahogarán en la densidad y el estruendo de el monstruo sonoro que cabalga sobre nosotros, estandarte del poder eléctrico que busca encontrar más voces en el desierto que desean despertar de su letargo y pelear contra la tiranía del engaño y la falsedad.
Tras las buenas críticas que recibió Electric talons of the thunderhawk, álbum debut de los norteamericanos Valley of the Sun, todo parecía que la banda podría ganarse un espacio en el competida escena stoner, pero el destino les tenía preparada una sorpresa. En pleno proceso de composición de su segunda placa, su bajista y miembro fundador Ryan McAllister abandonó al grupo. Lejos de lanzar acabar con este proyecto, la banda originaria de Cincinnati tomó fuerza para mantener su ritmo inicial hasta que en abril de 2016 nos regalaron su Volume rock.
El baterista Aaron Boyer y el guitarrista/vocal Ryan Ferrier se metieron a los Nada Recording Studios en Nueva York para grabar ellos solos su siguiente disco. Con la mano sagrada de John Naclerio en la producción, mezcla y masterización (quien ha trabajado con gente tan distinta como Ruby the Hatchet, My Chemical Romance o Buffalo Killers), tenemos en Volume rock una colección de joyas desérticas que no pueden faltar en el reproductor musical de todo aquel que se jacte de ser un amante del género junto con las influencias sonoras de la banda como Queens of the Stone Age, Dead Meadow o The Sword.
La marca sueca Fuzzorama, casa discográfica de bandas reconocidas como Truckfighters o Asteroid, es quien edita la segunda placa de Valley of the Sun; y como podríamos suponer al cruzar dichos nombres, en la música de los americanos podemos escuchar aquel árido rock desértico atascado de fuzz áspero que raspa las trompas de Eustaquio. Desde el primer rasgueo de guitarra hasta el último golpe en los platillos, Volume rock es una salvaje carrera por las ardientes dunas que nos sacude hasta los huesos, una tormenta de arena que nubla la vista y distorsiona el sonido.
El primer sencillo que se lanzó del disco fue "The hunt", tema con un espectacular riff de guitarra que es una verdadera lanza directa al cuerpo. Una vez infectados con su figura, todo explota en las bocinas sin que podamos hacer algo para evitarlo. Dos minutos y dieciocho segundos de stoner desértico, venenoso y cavernario, una muestra directa de que el género está vivo y todavía tiene muchas joyas que regalar. Una guitarra desbocada, una batería que golpea sin contemplaciones y una melodía que invita a cantarla una y otra vez sin parar.
Si la velocidad y la fuerza de "The hunt" son virulentas, ver el video realizado por el animador gráfico Ari Grabb es simplemente adictivo. Al ver su trabajo a través de una publicación a través de YouTube, Boyer y Ferrier se pusieron en contacto con él para que realizara el trabajo visual a partir de los primeros demos del disco. El resultado final fue una historia animada por medio de ilustraciones que nos muestra a un cavernícola enfrentándose con un grupo de dinosaurios para convertirlos en su cena. La imagen de una lanza como elemento esencial del video surge del título original que tenía el tema ("Spear"), pero la historia respeta el concepto de la canción sobre la persecución derivada por una cacería y la idea sobre cómo el hombre ha obtenido poder y generado violencia por medio de la creación de herramientas para la defensa y el ataque.
Tras la publicación en abril de 2016 de Volume rock, Valley of the Sun se ha dado a la tarea de promocionar el disco por todos lados. Tras anunciar su gira por Europa, la banda sumó a sus filas al bajista Ringo Jones y el guitarrista de apoyo Adam Flaig con la inteción de trasladar la potencia y energía de lo obtenido en el estudio de grabación a los escenarios. Obviamente este es un momento de mutación en la banda que sin duda los llevará a un cambio en su sonido y a nuevas oportunidades cuando se decidan a componer nuevos temas. Por lo pronto, sólo nos queda apretar nuevamente el botón de play para escuchar sin parar este frenético álbum y disfrutar la frescura de su sonido dentro de los cánones que marca el rock desértico.
El reverendo ha mordido el peyote nuevamente, aquel hongo que derrite las guitarras y los teclados en un hiriente fuzz y efectos multicolores. La ácida flor lisérgica ha inyectado su ponzoña. El esclavo del siglo XIX intenta abrir puertas de su mente a esa percepción que pone en duda a la realidad y muestra nuevas posibilidades, otros mundos, otras ideas.
Han pasado quince años desde que Uffe Lorenzen lanzó el Blows your mind! bajo el nombre de Baby Woodrose, alter-ego musical que por necesidades sonoras se transformó en un power trio con el que sacudió toda Dinamarca. Los cambios llegaron con el tiempo, aunque la columna vertebral mantuvo el concepto sonoro de una banda que recuperara lo más ácido de la psicodelia y lo mezclara con el sonido garage sesentero. Hace tan solo unos días (16 de septiembre de 2016), el mundo recibió a través de Bad Afro Records un puño negro lleno de fuerza, energía y pasión bajo el nombre de Freedom, lo más nuevo de Lorenzo Woodrose y los suyos.
La rosa de psicódelicas semillas está nuevamente en el camino con la intención de colorear el ambiente con sus saturadas distorsiones que desquician las bocinas. Pero el barbado pastor no ha regresado solo, ya que nuevamente se hizo acompañar por los músicos que hicieron el Third eye surgery de 2012: Mads Saaby en la guitarra, Hans Beck en la batería y Kare Joensen en el bajo,exclentes músicos a los que se les ha sumado el tecladista Anders "Moody" Skjodt.
Los ácidos acordes son escupidos de los altavoces y nuevamente saboreamos el arco iris característico de Lorenzen, más allá de lo que ha creado en otros proyectos como Spids Nogenhat, On Trail y Dragontears. Sin duda se escucha la influencia directa de Roki Erickson y su viejo 13th Floor Elevators con su dosis de LSD inyectada directamente en las venas, aunque la inclusión de los teclados la dimensión sónica es ampliada hasta aquel agresivo rock de garage sesentero que hicieron bandas como The Seeds, Question Mark & The Mysterians y, por supuesto y valga de redundancia, The Sonics.
Para saber a qué suena Freedom, pulsamos el botón de play sobre el track que Lorenzo Woodrose sentenció desde su página de Wordpress: "Open doors" tenía que ser un obvio sencillo, gracias a su estructura de pequeña canción pop de insistente ritmo e irresistible coro... y no se equivocaba. Tres minutos que se concretan a una figura de bajo que entona una melodía infecciosa y tan sólo una guitarra eléctrica que llega a marcar los tiempos como si de una navaja se tratara. Y es aquí cuando entra otra guitarra llena de pedal fuzz y un teclado Farfisa entonando una melodía mágica, hipnótica y misteriosa para dar soporte al ácido rey y su sentencia: abrir las puertas de la mente.
Con un trabajo visual hecho por Palle Demant y la casa productora Fuzz Cake Film, se publicó a partir de junio de 2016 el video promocional de "Open doors" en el canal de YouTube de la banda. Lorenzo Woodrose cierra los ojos y un baño de fuertes colores nos deslumbra hasta saturar la pantalla. Dentro del caleidoscopio observamos al maestro lisérgico de largas canas y enorme barba que se entrega a la lluvia luminosa mientras critica la vieja filosofía hippie y rescata su única enseñanza: el viaje al interior de la mente para pregunta por sí mismo y por el sentido de la vida ante el desbocado mundo que nos rodea.Tecnología y naturaleza en contradicción mientras su puente de comunicación se piensa a sí mismo y canta insistentemente hasta el final de sus días: open doors in my mind.
Baby Woodrose nos ha regalado una obra redonda que dentro del recuerdo psicodélico hace una crítica al hombre frente al siglo XXI. La música fluye en los audífonos desde el Ipod y escapamos del mundo, nos negamos a los demás y cerramos las puertas a toda posibilidad. Los esclavos tecnológicos se han olvidado del Universo y éste es el momento de despertar para devolverle su poder antes de que sea demasiado tarde. Sumergimos las neuronas en la música psicotrópica y nuevamente volvemos a vivir, a viajar, a soñar...
Ícaro!! Ícaro!! Una voz trata de llamar la atención de un diminuto perro que corre sin control a la mitad del Parque España, aquel que está en la colonia Condesa de la Ciudad de México. La pequeña criatura llega a nuestros pies y a unos cuantos metros atrás podemos observar la silueta de su dueño. Albar, vocalista de Apolo, recoge a su mascota y saluda a quienes lo esperábamos desde algunos momentos antes. Esta pequeña zona verde de la ciudad más gran del mundo ha sido el punto de encuentro para una convivencia entre la banda y algunos seguidores quienes ganaron su oportunidad de conocer al grupo a través de una dinámica por Facebook.
En el último día de septiembre de 2015 se había realizado la presentación de Guardián en el Foro Indie Rocks de la Ciudad de México, era el estreno del primer disco completo de la banda nacida en Chihuahua y que usó a Monterrey como trampolín para conquistar a la vieja Tenochtitlán. Con un arduo trabajo de tres años en su composición y una breve explosión de una semana para grabarlo en Texas bajo las órdenes de Omar Rodríguez-López (At the Drive-In y The Mars Volta), en aquella presentación se escucharon por primera vez los sietes temas que conformaron el álbum más los tres temas que quedaron fuera de la selección final. A un año de esa mágica noche, es momento de desmenuzar el disco, de recordar aquel encuentro con Apolo unos días después y de compartir un poco de una de las bandas con mayor proyección en México.
Nos acercamos entre los árboles del pequeño parque que sirvió de punto de encuentro con Apolo y observamos al par de Ivanes platicando con algunos chicos. "Zurdo" es el barbado guitarrista y muestra a las chicas el nuevo tatuaje que se hizo pocas horas antes. Bajo su tranquila personalidad y sus tímidas lentejuelas, Almanza nos recibe con su amabilidad que lo caracteriza, aquella que nos hace olvidar por un instante su calidad como baterista. Algunas palabras fluyen e inmediatamente brota la alegría de la pareja de músicos por la noticia que acababan de recibir: ellos abrirían el concierto de System of a Down en el Palacio de los Deportes de la ciudad de México a realizarse en esa misma semana.
Para romper un poco con el hielo, entre todos platicamos sobre el toquín de presentación de Guardián y el orgasmo que significaba al fin sacar a la luz su nuevo trabajo, una oportunidad de renovar su set list y de demostrar la maduración que había alcanzado su proyecto musical tras el par de EP's publicados anteriormente (Apolo EP de 2013 y Tercer solar de 2014, reseña-review). Finalmente llega Santiago Villalba, el ensortijado bajista de la banda, y tras algunas palabras, nos invita a su departamento para escuchar el disco completo con ellos.
Apolo, Foro Indie Rocks CDMX, 30 de septiembre de 2015
El concierto del Indie Rocks había logrado su cometido: presentar de manera íntegra a Guardián a su público salpicado de algunos gráficos en la pantalla del pequeño local y compartir con algunos amigos y la prensa la publicación del disco a través de las diversas plataformas electrónicas. Disidente abre el escenario como padrino de lujo, banda que fue acompañada en un tema por Zurdo y en otro por Manuel Suárez (quien fuera voz y guitarra de Guillotina y que ahora está al 100% con su nuevo proyecto Motor). Los ánimos estaban listos para recibir a Apolo...
El público ya tiene tatuadas en la memoria varias de las canciones de la banda tras tantos años de interpretarlas en cuanto lugar son invitados, pero ahora era el momento para escuchar lo nuevo. Ya sonaba en la radio y giraba en YouTube el video de "Loco (Lowiame Ju), primer sencillo del disco. El muro de sonido que los amplificadores de Apolo expulsaron a la gente logró crear una atmósfera ideal para escapar de la realidad por algunos instantes, aunque ello no logró mantener la emoción durante toda la presentación. Escuchar varios temas por primera vez puede ser arriesgado y la banda no dudo ni un instante por mostrar todas sus cartas, aunque muchos sólo estaban esperando que se escuchara por las bocinas las conocidas "Dama del viento", "La noche" o "Lobo estepario".
Mientras caminamos por las calles de la ciudad, los integrantes de Apolo hablan del buen sonido que tuvo el Foro Indie Rocks y de la nueva etapa que inició en ese momento para ellos como banda. Sin embargo, para los que hemos seguido al grupo por su largo recorrido hasta este logro, era necesario escuchar el disco así como salió de las consolas del reconocido guitarrista de The Mars Volta. Unas cervezas compradas en el Oxxo de la esquina y unas pizzas entregadas a domicilio, nos sentamos en la pequeña recepción del departamento de Santi para escuchar tema por tema del Guardián.
Entre los golpes de una pequeña pelota en un futbol de mesa y pláticas de seguidores por saber un poquito más de su grupo favorito, las distorsionadas notas escapan por el IPod conectado al equipo de sonido del lugar. A primera impresión, se puede detectar una unidad sonora y compacta en cada uno de los temas del disco, aunque a la vez se puede saborear un cambio fuerte a lo que estábamos acostumbrados de Apolo. Aquellas reminiscencias por el hard rock setentero se ha diluido para abrir paso a un concepto más propio donde las líricas buscan metáforas más herméticas y la construcción de las canciones muestra rastros de una idea concreta pero que por instantes se nota la mano rebuscada y barroca de Rodríguez-López.
Apolo, Foro Indie Rocks CDMX, 30 de septiembre de 2015
Guardián se escucha mucho más fresco, quizá más actual, quizá más global. Un poco de stoner en algunos momentos, un poco de metal progresivo por otros... Buscar una razón para este nuevo sonido en Apolo sería en vano reducirlo al sabido estilo de su productor, pero al terminar la reproducción del disco aquella tarde de sábado en el departamento del bajista, la banda puso algunas canciones de otros artistas, mismas que mostran parte del camino en su evolución: desde los Deftones hasta Fu Manchu, un espectro musical amplio que refleja gustos, tendencias y aspiraciones.
A pasado un año tras aquella extraña reunión en un departamento de la colonia Condesa, tiempo que ha servido para digerir con calma al Guardián. Salvo a algunos instantes explosivos, el primer disco completo de Apolo es difícil de comprenderlo. Cascadas de notas fuertes en combinación con líricas sobre mitología, síndromes y sentimientos humanos requieren de sentarse un momento para escuchar y permitir que la propia música nos hable. Y sí, en ello radica efectivamente su maduración como banda... Ya no son aquel grupo de provincianos que hacían rock de manera intuitiva, hoy son un conjunto de jóvenes con experiencias (ocho años como banda), con estudios (Albar terminó su licenciatura en la Facultad de Letras de la UNAM, Iván Sotelo es ingeniero de sonido y productor en su estudio La Madriguera, y todos dan clases de sus instrumentos) y con una nueva vida citadina (de aquel cuarto donde compartían el mismo colchón, ahora cada uno tiene un departamento en la zona centro de la ciudad). La visión ha cambiado y su sonido se ha ido adaptando a ello... quizá y ahora falte que su público se transforme junto con ellos.
Apolo en convivencia con fans, 3 de octubre de 2016
Apolo y Earthquaker, 3 de octubre de 2015
TRACK POR TRACK
Júpiter: "El cielo se abre frente a mí, el suelo se transforma...soy inmortal"
Esta es la oda al padre de los dioses y los mortales, un tributo al rayo todopoderoso lleno de pasiones, un canto al eterno soberano. Un riff inicial en la guitarra eléctrica de Zurdo desata el poderoso trueno de Júpiter, un estruendo que es seguido por el bajo de Santi y la batería de Iván. Escalas pentatónicas y distorsionadas herederas al Wolfmother infeccioso chocan directamente contra los remates y el ritmo cortante que los instrumentos entonan al unísono, descargas eléctricas que claramente podemos ver caer sobre el suelo. Un puente cósmico nos lleva a otra dimensión hasta la presencia de la deidad, figuras insistentes que nos elevan por un instante para dejarnos caer de nuevo.
Hiena: "Voy a esperar las horas para poderte esperar..."
Cabalga un ritmo constante y sobre su lomo escapamos de la mala mujer. Lírica directa nacida de la pluma de Albar que muestra determinación, fuerza y arranque. Sobre las figuras de Zurdo que forman un muro sonoro, el fuerte bajo de Santi rompe con todo para ganar un lugar propio, pero la competencia termina en una tormenta de notas que muestra una desbocada carrera, un solo de guitarra fugaz y una desesperada huida.
Polaris: "Al amanecer voy a escuchar tus miedos y al atardecer te cantaré a los cuatro vientos..."
Una explosión cósmica ilumina el manto de la noche, instante exacto para cantarle a la estrella polar, a la luz que sirve de guía nocturna, al hermoso encuentro entre la densa obscuridad y el potente brillo. Riff sin pretensiones que logra servir de telón de fondo a una suave melodía de hermosa lírica y sonido totalmente distinto a lo hecho por Apolo con anterioridad. Sin esperarlo, cuatro remates hacen despegar nuestra cápsula espacial para regresar a la estructura sonora del Guardian. El cielo se abre para permitirnos tomar de la mano al Universo y comenzar una cabalgata eléctrica de guitarra mágica.
Segundo sencillo de Guardián que contiene un video de promoción realizado por Michel Pax a través de Coyote Films. Juegos a blanco y negro que nos muestra a la banda tocando mientras se narra la famosa historia de la tentación bíblica. El hombre, la mujer, la manzana, el árbol, la serpiente, la muerte y la pasión reunidos en un juego visual simplemente deslumbrante.
Loco (Lowiame Ju): "La casa se va a incendiar... soy una oveja del rebaño"
Los dedos de Santi resbalan sobre las cuatro cuerdas de manera frenética al calor de desierto. La batería de Iván lo intenta seguir con sus figuras entrecortadas y todo termina explotando a manos de un juego interminable de escalas pentatónicas en la guitarra del Zurdo. Este tema quizá es el tema más cercano a lo hecho por Apolo en Tercer solar, su material anterior. Su energético estribillo sin freno se convierte en el clímax del disco, aunque el tema completo en sí es un verdadero monstruo sonoro sobre el cual Albar implora por salir de la monotonía, por romper con lo establecido y por enloquecer en todos los sentidos posibles.
Esta fue la primera probada a Guardián, la cual fue compartida desde mayo de 2015 a través de su video promocional dirigido por Ramón Villa y César Rosas en El Paso, Texas. Unos brazos tatuados se posan sobre el volante de un viejo auto que corre por los arenosos caminos del desierto. Juegos visuales llenos de psicodelia muestran a la banda entre cactos, serpientes y tarántulas, elementos que sirven para demostrar la fuerza de la naturaleza árida, el sol y la soledad.
Fariseo (Trinchera): "No somos parte de esta guerra, la tierra es nuestra sin cadenas..."
Este país se ha convertido en una trinchera, pero ésto no se trata de una revolución, sino de una guerra en la que hemos sido todos mandados al campo de batalla. Han tratado de cegarnos a través del famoso "pan y circo", mientras el hipócrita está arriba engañándonos... Este es un canto de protesta contra un gobierno, contra un sistema , contra la propia sociedad ciega. La metralla pasa sobre nuestras cabezas y lo único que pasa por la mente es el deseo por negar todo, aunque la violencia, el terror y la muerte realmente logre provocar la huida. Los salvajes golpes de los instrumentos intentan romper las cadenas, pero sus notas sólo podrán llegar a las conciencias con la intención de despertar al gigante dormido.
Cotard: "Yo no existo, he muerto tiempo atrás..."
A finales del siglo XIX, Jules Cotard anunció en una conferencia el descubrimiento que había hecho sobre una enfermedad mental a la que llamó "delirio de negación" en donde el paciente cree estar muerto y en descomposición. La desesperación se nota en los agitados acordes, demonios internos que buscan escapar de la mente que se destruye a sí misma. Un alma en pena, un cuerpo enterrado vivo y un hombre que no termina de morir. Bajo y guitarra son un asesino eléctrico en potencia que al tomarse de la mano bailan una danse macabre sin final posible.
El pensador: "He perdido la fe en todo lo que fui ayer, pero no me arrepiento de ser..."
Aquí esta el hombre y sus pensamientos. aquel que se vuelve loco poco a poco. Reflexiona sobre lo ha sido su vida hasta perder toda la esperanza, pero al final de todo, seguirá siendo él mismo. Ante su comprensión, lo único que podrá ocurrir es que otro hombre lo entierre hasta el olvido... Sin duda una de las mejores letras de Albar, la cual flota lentamente sobre una suave melodía que termina hipnotizando con su dulce ensoñación. Poco a poco va subiendo hasta explotar en un orgasmo de plenitud, de entendimiento ante la muerte y de soledad total. Un tema que muestra nuevas posibilidades sonoras en el concepto musical de Apolo, un camino abierto a lo que sigue en el futuro...
Aquí están los 28 minutos de Guardián a la luz de un año de haber sido publicado, un canto al rompimiento, al escape y a la transformación. Su existencia tan sólo era electrónica, pero Apolo ha prometido su próximo lanzamiento en físico. En lo que llega a nuestras manos, nuestros oídos se conectan a la memoria, el corazón se agita a cada nota y las neuronas explotan con su estruendo...
Una espesa niebla plateada se postra se eleva hasta ocultar todo a la vista. La subida hacia aquella cima se hace más pesada, aunque a lo lejos se alcanzar a ver las estrellas. Algunos han trazado el camino, pero quizá ese no sea el correcto, quizá no sea el que deseas recorrer. Los pasos se hacen más lentos en este pantano de ignorancia, descalzos en una tierra que no quiere descansar. No existe otra opción, es necesario continuar hasta hasta llegar a cumplir aquel deseo, ese anhelo, este sueño que ha marcado el destino...
Hubo alguna vez una banda de Monterey que hizo mucho ruido gracias a un demo EP, un grupo que tocaba un áspero rock obscuro con el hipnótico canto de un sirena, un cuarteto que tocó en diversos festivales para despertar el deseo por conseguir algo de ellos en las manos. Los años han pasado hasta casi diluirse su recuerdo, pero su esfuerzo está por rendir frutos y ahora es el momento para desenterrarlos de la memoria y escucharlos una vez más. Nuevamente entre nosotros, Spacegoat.
En el lejano 2009, los hermanos Ríos comenzaron a improvisar algunas cosas: algunos riffs de guitarra por parte de Miguel, algunas melodías y voces por parte de Gina. Pero no fue hasta que construyeron algunos temas completos, la pareja decidió conformar una banda para darles cuerpo y alma. Primero llegó Rey Fraga en la batería y, tras algunos cambios, llegó Rigo Vigil en el bajo.
Con una idea clara a través de aquel hard rock setentero de bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin, Cream o Flower Travelin' Band, el grupo fue definiendo un sonido propio donde también se pudiera saborear un poco de stoner, psicodelia y hasta aquel inicial doom. Por ello, no sería extraño que cuando buscaban el nombre para su proyecto, la banda encontró en "scapegoat" (chivo expiatorio) un concepto esotérico cercano a sus líricas, pero al jugar con la palabra y aquella dosis de acidez en su música, todo terminó en Spacegoat.
Con nombre, concepto musical y temas bajo el brazo, Spacegoat se metió entre enero y abril de 2011 a los Sfin-G Studios de su natal Monterrey para grabar un EP que sirviera de demo, una forma de promoción para conseguir eventos y ¿por qué no?, un contrato para grabar su álbum debut. Este material fue grabado por el propio Miguel Ríos y cuenta con el trabajo de Jorge Jaime como ingeniero de sonido y mezcla. Sin embargo, el resultado final fue presentado hasta diciembre de 2012, una colección de cinco temas con producción independiente, sonido concreto y líricas llenas de magia y obscuridad.
El año de 2013 sirvió para presentaciones sin fin a lado de gente como Caníbales, 3 Wheeler Band, The Risin´Sun y The Wizard. La promoción del material se hizo hasta que, a base de picar piedra, Spacegoat comenzó ha ser identificado. Siendo en su momento una de las pocas bandas de tener un sonido retro de occult rock con una mujer al frente en México, las miradas voltearon y los oídos prestaron atención a su propuesta sonora. Gracias a ello comenzaron a caer en 2014 las primeras oportunidades para tocar en importantes festivales del género como: Rock Fest de Irapuato, la primera edición del Avandadoom, la visita del colectivo Lxs Grises a Monterrey, el extraño Jergas Fest que se realiza en un foro abierto del pueblo fantasma de Real de Catorce y el tristemente célebre Hell & Heaven (aquel que fue cancelado por supuestas faltas de seguridad y que terminó pospuesto meses después a la fecha original).
Sin embargo, para lograr entender lo que estaba logrando en ese momento Spacegoat es necesario regresar a aquel material grabado por la propia banda, escucharlo detenidamente y desmenuzarlo para saborear cada uno de los elementos que lo conforman y para conocer los motivos por los cuales ha despertado el deseo del público mexicano y extranjero por escuchar lo que sería su primer disco. Entramos a la página de Bandcamp del grupo, pulsamos el botón de play e inmediatamente escuchamos un distorsionado riff de guitarra y ritmo aletargado muy a la Iommi. El resto de los instrumentos se suman a la ceremonia de "Silver swamo", pero en una distracción, la melodía cambia su estructura y todo se acelera, una loca carrera inicia y caemos sin control en un profundo abismo.
Desde la neblina del tema, la voz de una hechicera (quizá una bruja) nos hace imaginarnos un ambiente hostil que intenta detener los pasos de quien desea escapar de la ignorancia, el dolor y la obscuridad. Su canto nos muestra los horrores que tan sólo observan las estrellas. Se nubla la vista y el cuerpo se niega ha seguir andando, pero una guitarra eléctrica nos toma de mano y nos hace escapar de esta pesadilla.
Esta danza de melancolía y esfuerzo nos muestra de lo que es Spacegoat: un culto al riff pesado y himno al mundo surrealista. La música nos arranca los pies del suelo y en su viaje nos muestra un universo en conflicto que puede ser conquistado con esfuerzo y convicción. Las letras buscan hablar de difícil mundo cotidiano por medio imágenes psicotrópicas dotan de duda y misterio hasta perder al incauto escucha en un laberinto encantado.
Tras una larga espera, una sorpresa fue develada en julio de 2015 a través del perfil de Facebook del grupo: la portada del álbum debut de Spacegoat estaba terminada. Lejos de que la banda hubiera desaparecido en su intento por dejar huella en su lucha contra el tiempo, ésta se aferraba a su deseo por dejar plasmada su obra. El trabajo fue realizado por el artista Vance Kelly quien ha plasmado sus ilustraciones en los disco de gente como The Graviators, Down, Black Capricorn y The Sword, además de carteles para conciertos de Graveyard, Pentagram, Kadavar,Wolfmother, Mothership, Unida, A Perfect Circle, Slayer y High on Fire.
Bajo el título de Superstition nuestras ilusiones quedaban depositadas. Sin embargo, lejos de que el disco saliera pronto, todo fue incertidumbre y silencio hasta que a principios de 2016 Spacegoat solicitaba un favor a sus fans: una donación, un apoyo, una "cooperacha" por medio de indiegoo para obtener ingresos con lo cuales grabar el disco. El objetivo fue alcanzado y en abril de 2016 la banda ya estaba en los estudios de grabación, por lo que ahora sí era inminente tener el ansiado material entre los tímpanos. Aun así, la espera continua y sólo queda aferrarse a la paciencia, que al igual como el propio grupo lo hecho, quienes deseamos escuchar a Spacegoat con su mejor material (el cual ha madurado con el paso del tiempo) tendremos la fuerza para esperar algunos segundos más...
La enorme ola vintage que ha bañado al rock en lo que va del siglo XXI también ha salpicado a México. Sin lugar a dudas estamos bajo las aguas que trajo el tsunami revival, pero como era de esperarse, los sonidos nacionales comenzaron a beber del ácido líquido varios años después tras la explosión vivida en otras partes del mundo. Sin embargo, algunas bandas se arriesgaron a crear nueva música para arrancarnos del presente y arrojarnos hacia finales de los años 60 cuando el pop se mezcló con la psicodelia, el blues y el hard rock. Una de ellas es The Risin' Sun y éste es su viaje por el tiempo.
Una amistad iniciada en la escuela (¿acaso la primaria?) terminó juntando a dos chicos para formar en 2009 una banda de rock lisérgico. Alex Weber en la batería y Rodrigo Desentis en la guitarra y voz se unieron para crear música a partir de su gusto por los clásicos del rock y aquello que estaba sonando más allá de nuestras fronteras. Inspirados por las formaciones de antaño, el par de escuincles se aferrarían a conformar un power trío en toda la extensión de la palabra, encontrando en Jerry Capone al bajista ideal para lo que buscaban.
Como podríamos esperar, el nombre de la banda tenía que estar directamente ligado a un recuerdo del pasado, lo que los llevó a "The house of the rising sun", título de aquel clásico de The Animals basado en el viejo blues tradicional americano que mezcla el sentimiento negro y la fuerza interpretativa británica. The Risin' Sun ahora sería el nombre de guerra para un power trío sin freno que buscaría tocar en cualquier lugar donde se pudiera: fiestas en jardines, casas de amigos, after-party, bares, etc.
Gracias a contactos y coincidencias, la banda tuvo la oportunidad de conocer a Wayner Kramer, guitarrista de los míticos MC5, aquel grupo contestatario de hard rock de Detroit que rompió con todos los esquemas en los años 60. El resultado de este encuentro fue la grabación de un EP con la participación del reconocido productor Peter Malik, quien ha trabajado con diversos músicos de rhythm & blues como Norah Jones.
Con este material y las recomendaciones generadas por la participación de Kramer en él, The Risin' Sun comenzó a llamar la atención de muchos oídos. Sin embargo, más allá de la grabación (y para ser justos con la realidad), el grupo ganó el respeto de todos a base de incendiarias presentaciones llenas de explosiva música de heavy psych, impresionantes ejecuciones y geniales composiciones cantadas en inglés. Fue así que pasaron de tocar en bodas y graduaciones en la Ciudad de México a pequeños festivales y antros en Estados Unidos.
Aún con la calidad que una buena banda pueda tener, quizá algunos golpes de suerte son necesarios para terminar de despegar en el difícil y competido mundo del rock. El destino llevó a que el EP de The Risin' Sun llegara a las manos de Gordon Raphael, quien fuera el productor de los primeros dos discos de The Strokes. El señor tenía planeado venir a México para grabar a los nuevos talentos de nuestra escena, siendo "El sol naciente" los elegidos por los dioses. Fue así que nació en abril de 2014 su álbum debut bajo el título de Think for yourself.
Si buscáramos palabras para describir lo que sonoramente nos ofrece este disco, sólo podríamos escribir que es una tormenta multicolor de notas, una encantadora odisea musical que intenta regresar al Avándaro (aquella versión "hippieteca" del festival de Woodstock), una ácida ensoñación llena de riffs directos que recuerdan la "onda pesada" que alguna vez tuvo México (y que nos colocó en los aparadores de neón de la psicodelia mundial a punta de los guitarrazos de Javier Martín del Campo y La Revolución de Emiliano Zapata con su "Nasty sex"). Pero no todo se queda ahí... Think for yourself es una paradoja auditiva de ocho tracks, que en su arcaico pero poderoso sonido, logra dar nuevo aire a una escena rockera venida a menos gracias al exceso de los sintetizadores, la computadora y los midi's.
Y para muestra, un botón... bajamos la aguja sobre los surcos del vinil y se escucha "Live that way". La batería marca un salvaje tiempo que inmediatamente es seguido un bestial bajeo que sólo podría ser comparado con lo que hacía Leo Lyons en Ten Years After. De la nada se escucha una blusera armónica desde los pulmones de Disentis. sonidos que nos teletransportan a Keith Relf (frente al nido de guitarras llamado The Yardbirds) y al primer Robert Plant (blanco blusero con voz de niña que heredó el legado del hard blues con el nombre de The New Yardbirds, aunque todo quedaría reducido bajo la marca registrada Led Zeppelin).
Si la colección de imágenes en videocamara de los Risin' Sun tomadas por Rafaella Cortes entre camiones, tokines y convivencia con el publico y otras bandas (como Apolo) que sirvieron para la promoción de "Live that way" los sorprendió junto con el sonido logrado en el estudio por Gordon Raphael, no saben de lo que se están perdiendo si observan en algún lugar o si se enteran por las redes sociales sobre alguna tocada de la banda... Y aquí tenemos la prueba: la gente de Toga Records compartió un video sobre algunas sesiones que tienen ellos con algunas bandas que forman parte de su colectivo. En estas imágenes podemos observar a la banda explotando cuando toca en vivo, teniendo la capacidad de la improvisación como muy pocos lo podrían hacer. ¡Boooom! ¡Esto es un power trío, señores!
El año 2016 llegó con varias sorpresas para The Risin' Sun. La salida de Jerry Capone obligó a la banda a reconfigurarse, llevando a que Iván "Pony" Ramos (amigo de Weber y Desentis de la universidad) se integrara para adueñarse del bajo eléctrico. Lejos de que su sonido se perdiera, los Risin' Sun han continuado su camino en el heavy psych hasta que hace unos días compartieron "Girl of a thousand hearts", su último sencillo. Nuevas cosas vienen para el grupo: más presentaciones en México y el extranjero, un ansiado nuevo disco, y nuevas posibilidades que ven al futuro y saben escuchar al pasado...
Hay ocasiones que lo más básico logra cosas extraordinarias y que con lo mínimo se puede sacar el mayor provecho. Con una mirada hacia atrás y con los oídos en radar hacia lo que se oye el día de hoy más allá de la frontera, tres tipos decidieron cambiar las botas y el sombrero para sustituirlos por chamarras de cuero, playeras negras y pantalones de mezclilla. Metemos a la licuadora cerveza, whiskey, tabaco, carne a la BBQ y buen rock pesado de antaño para obtener una banda de Monterrey, Nuevo León que con su disco debut quebró la escena rockera mexicana. Bajo el manto del regreso por lo retro, surge 3 Wheeler Band para presentarnos una colección de diez temas crudos que logran quebrar los tímpanos y colocar al rock n' roll nuevamente en su trono.
El Cerro de la Silla sirve de guarida al nuevo hard rock heredero del viejo southern y del pesado stoner americano a través de la insistencia de tres tipos por crear música propia a partir del clásico concepto del power trío: los hirientes riffs de guitarra, la reptantes figuras de bajo eléctrico y la fuerza de la batería. Idea sencilla pero de ejecución más que difícil, logro que pocos han realizado y que, al escuchar el resultado plasmado en un material independiente, lo único que podemos hacer es ponernos de pie, aplaudir y disfrutar esta maravilla.
Unos golpes en los platillos sólo nos hacen entender que sobre las vías correrá un ferrocarril sin freno dispuesto a romper con todo lo que se ponga frente a su loca carrera. Las notas se dejan escuchar y los recuerdos nos llevan a clásicos como Cream, Blue Cheer, Cactus o ZZ Top en mezcla perfecta con sonidos más recientes de gente como Clutch, Black Label Society, Orange Goblin o Fu Manchu. Guitarras poderosas que confían en sus figuras y acordes llenos de fuerza que hacen retumbar el suelo bajo nuestros pies, combinación ganadora que atrapa rápidamente nuestros sentidos.
La historia de 3 Wheeler Band comienza al desintegrarse un grupo donde tocaban el guitarrista Adrián Girón y el baterista José Maldonado, pero ante la necedad por continuar por el difícil camino del rock n' roll, deciden reclutar en agosto de 2010 a David Carrillo en el bajo para crear un power trío que tuviera la suficiente potencia para tronar las bocinas. Ensayos, improvisaciones y palomazos llevó a la banda a crear el material suficiente para tocar donde fuera y con quien fuera por dos años, lo que los llevó a compartir escena con Maligno, Coda, Ágora, Caníbales, The Wizard y Spacegoat. Gracias a la experiencia lograda, el grupo estaba listo para el siguiente paso: entrar a los estudios para grabar su álbum debut.
Entre agosto de 2012 y febrero de 2013, la banda trabajó bajo las órdenes de Abraham Madera para crear Smoke n' groove, pesado material que refleja la calidad de 3 Wheeler Band en directo y sin efectos de estudio. Con una maquila hecha por DiscMakers en New Jersey, Estados Unidos, el grupo lanzó de manera independiente en septiembre de 2013 su primer disco en formato electrónico y físico. Una bella chica nos recibe en la portada y tres sencillos elementos nos preparan para lo que vendrá: alcohol, tabaco y rock n' roll.
"You ain´t that lucky" es un shot que sacude el cuerpo y nos deja ansiosos por una dosis mayor, tema ideal como inicio del Smoke n' groove, una granada que sin contemplaciones explota en los oídos y vuela las neuronas. Lógicamente se convirtió en el primer sencillo de la banda, carta de presentación que logra enganchar a cualquier ingenuo que en sus redes caiga, melodía directa de escalas insistentes y voz de tragavidrios que sorprende a más de uno.
"Pensaste que caería, que me quedaría en casa y que daría mi vida por tí, pero eso nunca se va a hacer. La vida tiene distintos caminos, pensé que lo entenderías y que seguirías el mío, pero eres una maldita perra. Tú nunca tendrás mi vida sólo para tí, tú no tienes esa suerte..."
Con la dirección de Efraín Pelayo, 3 Wheeler Band presentó el video promocional para "You ain´t that lucky", el cual es una colección de imágenes que muestran a la banda en una especie de garage, demostrando que lo importante es su fuerza, su sonido y su integración. Armados con sus instrumentos y sus amplificadores, lo único que nos queda es sentir el golpe directo de su música y observar a un cholo golpeando la bateria a un costado de una calavera, un Fender Jazz Bass manteniendo la frenética melodía y una Gibson Flying V explotando con su cascada de notas.
La sed vuelve a llegar a la garganta y el recuerdo se agolpa en la memoria... necesitamos algo nuevo de 3 Wheeler Band!! Pero tranquilos muchachos, el grupo nos tiene muy buenas noticias: en este 2016 se metieron de nuevo a los estudios junto con Abraham Madera para grabar su segundo disco, material que contendrá siete temas y que llevará por título Space Tribe. Por si fuera poco, la banda nos promete un sonido más puro (¿quizá más pesado?) gracias a la influencia stoner que tendrá. Por lo pronto, regresamos la mirada al Smoke n' groove para hacer menos la espera y recordar el buen hard rock hecho en casa... porque nosotros sí tenemos la suerte!!
