Electric Jaguar Baby : distorsión a la francesa

Dentro de la pléyade de grupos que han hecho a un lado el bajo eléctrico para recrear los tonos graves con la potencia y la distorsión de la guitarra, nos encontramos ahora con una nueva propuesta formada en París con el deseo de ser incluida entre una de las mejores a lo que en este concepto sonoro se refiere. Con apenas un EP recién publicado bajo el brazo, les compartimos a una de las bandas francesas con mayor futuro en lo que a rock desgarrador se refiere... con ustedes, Electric Jaguar Baby.

Una pareja de jóvenes franceses se juntaron en 2015 para crear una banda que pudiera incluir en su sonido el rock desértico californiano de Josh Homme, los riff deformados de Jack White, los estribillos de The Black Keys y aquel sabor obscuro de los eternos maestros de Black Sabbath. Con tan solo el poder de una guitarra eléctrica y una bateria, Frank y Antoine construyen una saturada avalancha de sonido y rock directo que bebe directamente de otras bandas que han jugado con los instrumentos, los volúmenes y los pedales de distorsión como los canadiendes Death From Above 1979 o los norteamericanos Ty Segal y Deap Valley.

Con unas cuantas rolas bajo el brazo, Electric Jaguar Baby se metió a los estudios Main D'Oeuvre en marzo de 2016 para grabar un EP homónimo de tan solo cuatro temas que desgarran las bocinas y hacen temblar la tierra sin piedad. Una vez registrado el material, el grupo envió las cintas a Benjamin Farque  quien en junio del mismo año se dio a la tarea de masterizar los temas para que finalmente fuera presentado en noviembre con tan solo una tirada de 25 CD's y 10 cassettes con el apoyo de El Diablito Records, Smilodon Music y Creep Purple Promotion.

A pesar del pequeño número de piezas en la edición física del disco, los franceses subieron el material en su página de Bandcamp para que cualquiera puede escuchar sus temas y descargarlos tras proponer un monto libre. Doce minutos y medio de canciones directas y sin mediación que atascan los tímpanos con una estridente mezcla entre acid blues, garage fuzz y stoner que muerde y no suelta mientras una mujer desnuda sostiene un cráneo en sus mano sobre un fondo psicodélico que juega con nuestra mirada gracias a su efecto hologramático.

Uno fácilmente podría esperar que este par de músicos apenas estarían saliendo del garage para meterse a los estudios y registrar ahí sus primeras composiciones, sin embargo, los miembros de Electric Jaguar Baby tienen una trayectoria de diez años entre las salas de grabación y los escenarios luego de haber formado parte de grupos reconocidos en la escena francesa como No Cure y 7 Days Before.

Aun así, Electric Jaguar Baby es un proyecto sonoro totalmente distinto ya que busca en su distorsión y destreza interpretativa inyectarnos de melodías adictivas que nos hagan cantar junto con la banda. Para ejemplificar lo alcanzado en este material, pulsamos sobre el botón de play para escuchar "The sabbath", que tras unos cuantos golpes en la batería, un riff sin freno nos hipnotiza con su fuerza y su intensión mientras le abre paso a una armonía imposible de abandonar. Más allá del muro infranqueable que construye la guitarra de Antoine y su arsenal de artilugios electrónicos, la banda se permite frenar algunos momentos para crear espectaculares segundos de silencio que permiten dimensionar las capas de sonido que conforman al track.

Mientras la voz grave en primer plano de Frank es escoltada por la de Antoine con un tono muy alto, "The sabbath" entra en nuestras neuronas de manera dócil a pesar de sus distorsionados acordes y certeros golpes, lo que nos hace entender porque han tenido ya la oportunidad de alternar con el pop alternativo de Yeti Lane, la psicodelia de Charles Howl y el garage atascado de Death Valley Girls. Con la intención de que podamos darnos una idea sobre cómo suena Electric Jaguar Baby en vivo, compartimos un video con esta canción interpretada totalmente en directo y grabada de manera informal.

Estos son los primeros pasos de una banda nueva, que aunque sus integrantes son viejos marineros que ya han navegado sobre las aguas de la escena alternativa de Francia, nos comparten una propuesta auditiva fresca en la que Europa comienza a experimentar luego de digerir lo hecho en América. Ya hemos escuchado lo hecho por bandas establecidas como Royal Blood desde Inglaterra y The Bonnevilles desde Irlanda del Norte, así como las opciones más recientes de The Heavy Minds de Austria y Hey Satan de Suiza; así que no deberíamos extrañarnos que propuestas como la de Electric Jaguar Baby explote las posibilidades sonoras de la distorsión para crear nuevas atmósferas donde los tonos jueguen con nuestra inteligencia y el ruido con nuestra emoción...

Hey Satan : fuerte rock suizo a sangre fría

Buscando entre las portadas de las nuevas propuestas sonoras del 2017 el encuentro con un torso de una mujer desnuda sobre un fondo negro, irremediablemente la atención cae en la hipnótica ilustración. Los cálidos colores de dibujo hacen arder la mirada mientras en el vértice contrario de la tapa un ojo panóptico logra crear un equilibrio estético, mágico símbolo que con su luz ilumina el nombre de la nueva sensación hard rock que ha llegado desde el país helvético: Hey Satan.

Una vez hechizados con la portada hecha por Amélie Avril y Michaël Jousson, nos adentramos en la propuesta musical de esta banda originaria de la olímpica Lausana, pequeña ciudad suiza asentada a orillas del lago Lemán. Tras unos cuantos segundos de haber apretado el botón de play, una energética batería y un ejército de guitarras distorsionadas nos ofrecen una idea de lo que podremos escuchar durante los diez temas que conforman este álbum debut publicado a finales de enero de 2017 a través de la local disquera Cold Smoke Records.

Dejando en un rincón olvidado al bajo eléctrico, Hey Satan se formó en 2014 con la intención de unirse al exclusivo club de bandas que con tan sólo el poder de los amplificadores y los pedales de distorsión construyen poderosos muros sonoros imposibles de atravesar. Con un sonido cercano a grupos ya reconocidos como Black Rebel Motorcycle Club, Royal Blood o The Blackwater Fever, este trío suizo nos ofrece una mezcla entre rock y metal alternativo al estilo de Dozer o Audioslave y el stoner de la costa este norteamericana de gente como Clutch y Monster Magnet.

Las guitarras de François y Laurent se combinan hasta crear un sonido compacto y directo que puede matar y resucitar con un solo golpe. La batería de Frank nos sacude salvajemente a cada tiempo marcado mientras la voz de Bob Morlock (sobrenombre de François) se desgarra por los altavoces hasta deshacerse junto con el ruido general. En pocas palabras, ésta es la sencilla pero adictiva fórmula de Hey Satan: el certero impacto en los tambores, los acordes diferenciados por tonos en cada bocina y las crudas cuerdas vocales explotando sin control.

Grabado, mezclado y masterizado por Serge Morratel durante el mes de junio de 2016 en el Rec Studio de Ginebra, el álbum debut de Hey Satan es una colección de dardos directos a las neuronas que buscan sacudir el alma, cápsulas que entran al cuerpo como tormenta eléctrica, poderosa carrera que acelera la sangre en las venas y agita las células. Una vez arrastrados por el vendaval sonoro, miramos a nuestro alrededor para encontrar nuestros restos en el suelo aún vibrante.

Uno de los temas que nos llamaron la atención desde el pre-lanzamiento del disco en noviembre de 2016 en la página de Bandacamp del grupo fue "In cold blood", un misil lanzado de manera directa a su objetivo gracias al poder de su riff inicial de figura en caída libre. Percusiones vibrantes de tiempos muy lejanos y tonos graves producidos por los efectos electrónicos sobre las seis delgadas cuerdas. Un pie pisa el pedal de wah y el gemir de la guitarra se transforma en un lamento cósmico, pero lejos de quedar abandonado, el resto de los instrumentos golpean con mayor rabia hasta hacer crecer el tema como si fuera una enorme ola que busca ahogar todo a su paso.

Desde el canal de YouTube del vocalista de la banda podemos observar un collage de sangrientos extractos de películas viejas a blanco y negro mezclados con místicos rituales satánicos a technicolor mientras la banda explota las bocinas con la fuerza de "In cold blood". Sencillo montaje visual que acompaña a la perfección el poder del tema y que permite acercarnos al concepto sonoro de Hey Satan, mismo del que es fácilmente quedar prendido.

Esta ha sido la primera prueba al primer disco del trío suizo, mismo que esperamos que empiece a hacer sonar sobre los escenarios y logremos así saber cómo se escucha en vivo. A la distancia desde este lado del Atlántico, nos conformarnos con dar un click para permitir que los datos electrónicos saturen nuestros tímpanos mientras Hey Satan comienza a establecerse como una de las mejores propuestas del país helvético y se ganan al público europeo...

Mamont : extrañando al mamut de un solo ojo

La nostalgia invade las líneas de este espacio, el recuerdo nos lleva a los senderos recorridos por aquel mamut de un solo ojo que nació en una de las ciudades más vieja de la helada Suecia. Sus cuatro jinetes que alguna vez pasearon sobre el lomo del elefante lanudo de grandes colmillos hoy se encuentran separados, han abandonado al enorme y pesado animal en los valles bajos en una muerte segura. Sin embargo, algunos aferrados hurgan en su memoria hasta recuperar los vestigios de las bandas escandinavas más completas dentro del panorama stoner del siglo XXI.

Bajo el nombre de Mamont, cuatro jóvenes de la antigua Nyköping formaron una banda en 2010 con la intención de crear música a partir de la fuerza y la distorsión del fuzz, recuperando al mismo tiempo ese amor por el hard rock setentero que mezclaba la acidez psicodélica, la intensidad bluesera y los vuelos esterares del progresivo espacial. Con la imagen de un mastodonte cíclope como amuleto, el grupo se lanzó a conquistar las frías tundras suecas con su rasposo rock desértico heredero del coloso norteamericano Kyuss.

Las desgarradoras guitarras de Karl Adolfsson y Jonathan Wardsäter corren como pesados V8 sobre el ardiente asfalto de alguna carretera californiana, aunque al pisar el pedal wha-wha  todo se transforma en un lisérgico paseo cósmico donde es fácil perderse entre las estrellas que cubren la noche desértica. El bajo de Victor Wardsäter golpea con toda su gravedad para envolvernos en una pesada atmósfera como si intentara regresarnos al suelo, pero la fuerza e intensidad de la batería de Jimmy Karlsson nos hace buscar algún refugio posible ante el temblor que se despierta bajo nuestros pies.

En septiembre de 2012 publicaron a través de Ozium Records su álbum debut Passing through the mastery door, disco clavado en lo más clásico del sonido stoner noventero y el jamming psicodélico. Sin embargo, el reconocimiento más allá de las fronteras suecas se logró con su EP The valleys below de mayo de 2014, material que nuevamente fue editado por Ozium junto con la reconocida disquera Napalm Records. 

The valleys below es un disco más crudo lleno de riffs sin contemplaciones y tambores cavernarios que dejan sin respiración. Este sonido se logró gracias al trabajo de Jonas Sundström que metió a Mamont en el Goliat Studio para captar el poder análogo que la banda explotaba sobre los escenarios. Sin embargo, este álbum permite por momentos que todo se relaje a través de mágicas exploraciones sonoras que se habían escuchado en el debut de 2012. 

El recuerdo nos lleva al único sencillo lanzado del EP, tema que abre la placa y que simplemente deja impactado a todo aquel que reciba el golpe de la salvaje melodía en los tímpanos. Ritmo sin clemencia que hace rugir a la bestia peluda  y muestra su furia incontrolable, un animal que hace vibrar el suelo arenoso a cada paso y al mismo tiempo nos transporta a galaxias muy lejanas entre colores estridentes y sonidos envolventes. "Airborne" nos eleva hasta lo más alto del cielo para sobrevolar el paisaje desértico, para derribar distancias a toda velocidad y romper con cualquier frontera que busque interponerse en el camino.

Junto con el lanzamiento de The valleys below se presentó en el canal de YouTube de Mamont el video de "Airborne", el cual es una edición hecha por el propio vocalista Karl Adolfsson de distintas grabaciones realizadas durante la gira de la banda por España durante febrero y marzo de 2014. En sus imágenes podemos ver la intensidad que tenía el grupo sobre los escenarios y cómo era su convivencia en los largos traslados con el público y entre ellos como compañeros musicales.Entre distintos filtros de colores, Mamont muestra su poder sonoro y su capacidad de crear fuertes pasajes oníricos entre instrumentos y amplificadores. 

Al poco tiempo de publicado el The valleys below, Karl Adolfsson tomó la decisión de salir de la banda para hacer otros proyectos, dejando sin voz al elefante prehistórico sin voz. El resto de los integrantes de Mamont prometieron conseguir sangre nueva para mantener en el camino a su bestia de grandes colmillos, pero desde entonces nada se ha sabido del grupo.

Aventamos una moneda al pozo de los deseos y pedimos que Mamont regrese y nos comparta nuevamente de su arenosa música. Si la mítica banda Graveyard resucitó de su sorpresiva muerte, ¿por qué no habríamos de guardar la esperanza para que el viejo mamut de un solo ojo vuelva a sus andanzas? Todo es posible en este loco universo, así que nuestro deseo no morirá mientras sigamos disfrutando de los colosales temas que alguna vez nos sacudieron con su peso, y que irónicamente, nos ayudaron a levantar el vuelo hasta lugares desconocidos...

Heat: sin dejar de contar los días

Luego de escuchar un disco genial que nos has dejado de poner una y otra vez hasta desgastar los surcos en el vinil, comienza la espera para tener algo nuevo en los oídos de aquel grupo que lo grabó. Damos vuelta al reloj de arena para que los granos caigan en el cristal vacío hasta que la impaciencia corroe la calma. De repente, tu banda favorita publica una pequeña sorpresa con toda la intención de calmar un poco la ansiedad mientras que el nuevo álbum es terminado y sale a las tiendas. Un single, un EP o una nueva canción que sólo pueden encontrar su metáfora perfecta en unas escasas gotas que reducen la sed del perdido en el desierto.

Tras el impacto que nos dejó en las células el genial Labyrinth de Heat (reseña-review), segundo disco de la banda alemana publicado en agosto de 2014, los días nos comían poco a poco sin saber nada del quinteto de Berlín. Unas prometedoras fotos de una sesión de grabación en el estudio BigSnuff que fueron subidas a la página de Facebook de la banda a mediados del año 2016, sembrarían una esperanza en sus seguidores y amantes del hard rock vintage alemán hecho durante la segunda década del siglo XXI. Todo se haría realidad en diciembre de 2018 cuando fue presentado a través de This Charming Man Records en 7" el sencillo "Day in day out", una diminuta probada de dos minutos y medio de su próximo disco.

La despintada guitarra Fender Stratocaster de Marco Rischer se escapa por las bocinas al arrancar con la aguja los sonidos del acetato para marcar un riff directo y rasposo totalmente nacido bajo el estilo que ha establecido Heat. Así como lo ha hecho desde que se unió a la banda en la gira promocional de Labyrinth, Matthias Schult acompaña con su guitarra a la cortante melodía. Patrick Fülling entona con su voz una canción sobre el paso del tiempo mientras el ritmo es marcado por la batería de Marcus Töpfer.

Las figuras melódicas del single son completados por el bajo de Gräm Rowland, el nuevo integrante de la banda que ha sustituido a Richard Behrens, pero quien no ha abandonado del todo a Heat. El también bajista de Samsara Blues Experiment grabó y mezcló este nuevo material, por lo que podemos suponer que este músico ha decidido dedicarse al cien por ciento a su trabajo tras los controles técnicos para lograr estupendos materiales como lo ha hecho con varias bandas de la escena vintage alemana como son Kadavar, Wucan, Limestone Whale y Travelin Jack. 

"Day in day out" lo tiene todo para ser el sencillo ideal: un melodía adictiva, el sonido retro nacido del viejo rock setentero, un coro pegajoso y un solo de guitarra que enamora. Sin lugar a dudas es un tema muy pequeño en comparación a los temas que conformaron sus dos disco anteriores en los cuales se permitía la experimentación y los largos puentes musicales, estructuras musicales en las cuales también está basada la cara B del 7", canción que lleva por nombre "Time to believe". Sin embargo, el lado A es un golpe directo, rápido y concreto.

Si nos basáramos en esta rola, bien podríamos pensar que el próximo álbum de Heat será muy energético, pero escuchando "Time to believe" con su guitarra slide y melancólico ritmo quizá este disco sea una puerta hacia nuevos caminos. Por lo pronto, "Day in day out" nos hace mover la cabellera con su eléctrico riff  que cabalga sobre el ardiente asfalto de las viejas carreteras del hard rock.

El sonido de un motor que sale de un túnel al ritmo de las guitarras nos lleva directamente a imaginar una Harley-Davisson rodando sobre el pavimento de la ciudad, pero jamás esperaríamos que fuera una pequeña Hercules escoltada por cuatro bicicletas como si se tratara de una rodada de Hell's Angels sobre las carreteras del Pacífico californiano. Con estas imágenes se promociona "Day in day out", un trabajo visual realizado por Paul Schlesier por medio de Pallid Eyes Films donde podemos observar a la propia banda desplazándose por las calles hasta llegar a un cuarto de ensayos para verse a sí mismos interpretar la canción. Bajo una estética vintage setentera, con la pantalla dividida en recuadros y las imágenes congeladas nos transportamos a un pasado donde la estética visual coincide con la auditiva. Entramos en la cápsula del tiempo y las épocas se fusionan en una mezcla de días pasados que no se quieren olvidar y un presente que busca regresar a viejas glorias.

Heat nos amenaza con un verano lleno de rock, así que sólo nos queda seguir contando los días hasta que el solsticio llegue a nuestras tierras y podamos disfrutar de lo nuevo que tienen los alemanes bajo el brazo. Por lo pronto, la banda ha logrado nuevamente crear un tema que es imposible de soltar. Vuelta y vuelta como las ruedas que observamos en su video promocional, el disco gira para compartirnos lo que guarda celosamente en su interior una y otra vez hasta que llegue lo nuevo de una de las mejores bandas alemanas del género...

Bagual : la historia de una bestia sin domar

Nuevamente South American Sludge Records nos ha compartido un material lleno de poder que nos muestra de lo que se hace en Latinoamerica. La disquera argentina fundada por Sergio Ch., ex-Natas y miembro activo de Ararat y Soldati, editó el segundo disco de una banda nacida del otro lado de la cordillera de Los Andes con la intención de no sólo hacerlos escuchar en el cono sur del continente, sino que pudieran tener un eco en otras latitudes. Desde Chile, compartimos la poderosa propuesta sonora de Bagual.

La banda fue formada en el ya lejano 2012 en la ciudad de Santiago con la intención de crear un proyecto musical que bebiera directamente del stoner y del metal, teniendo como influencias directas a grupos como Kyuss, Black Sabbath y The Sword, además de los propios Natas de Argentina y bandas de su país natal con los que ha construido una especie de escena como lo son Yajaira y Demonauta. Tras mucho esfuerzo y trabajo, Bagual tuvo la oportunidad de publicar de manera independiente su primer disco en mayo de 2014 bajo el nombre de I: Viento sur, material que fue bien recibido en Chile, lo que les permitió ser incluidos en varios compilados.

Como una continuación a lo logrado con su disco debut, Bagual se metió a los estudios Lautaro de su natal Santiago en agosto de 2015 para grabar lo que hoy conocemos como II: Viento norte, material publicado en diciembre de 2015 por medio de TuneLess Records de manera local y con South American Sludge Records de manera continental. Con el trabajo en los controles y la mezcla de Pablo Giadach, la banda nos ofrece un trabajo sonoro más maduro donde el concepto de la banda termina por definirse con melodías infecciosas y las líricas que dejan reflexionando al escucha.

Para este trabajo, Francisco Yañez y Felipe Machuca en las guitarras, Alejandro Clavijo en la batería y Julian Inostroza en el bajo crean un muro macizo de sonido que se levanta inquebrantable a partir de los acordes arenosos del stoner más denso. Los siete temas del II: Viento norte forman parte de una bestia sin domar que en su carácter salvaje rompe con todo lo que se le pudiera poner al frente. Sin embargo, en ciertos momentos el potro bravío abandona su loca carrera desbocada para regalarnos instantes místicos donde el mundo onírico ahoga la realidad y permite que los pies despeguen de la tierra.

Quizá el tema que mejor ejemplifica estas características de nuestro animal indómito sea "Maeses", primer sencillo del II: Viento norte donde la melodía nos golpea sin piedad desde su primer segundo, riff seco y sin compasión que nos arranca la atención y nos hace abandonarlo todo para seguir el embeleso de la potencia y la distorsión. Tema cortante que cimbra la tierra bajo nuestros pies hasta que alcanza su clímax en un mágico y suave puente que nos hace flotar en su misticismo. De la nada, despertamos del dulce sueño para caer vertiginosamente en espiral y sin freno en una cruel realidad, en un abismo lleno de fuerza y desazón.

Como si se tratase de una continuación de la lírica narrada en "Los ojos de Dios", aquel sencillo del primer disco de Bagual, "Maeses" comienza con la frase y entonces pude ver... Sin embargo, y lejos de ser un himno a la redención espiritual, la banda nos muestra su lado más humano al criticar la fe humana, aquella que oculta la razón y termina por clavar la espada sobre su hermano. Las enseñanzas del maestro son incomprendidas y todo es reducido a cenizas. El tiempo se ha escapado como agua entre las manos, pero quizá exista una última oportunidad...

Bagual lanzó en diciembre de 2016 el video promocional para "Maeses", trabajo visual realizado por José Aguirre Maldavsky que nos muestra la vida de la banda entre ensayos, traslados de equipo y presentaciones en pequeños antros mientras un extraño personaje de sombrero entra en su mundo hasta que todo desemboca en una batalla campal, pero que al final del día, termina formando parte de a banda. 

Tras un año de promoción para el II: Viento norte, Bagual se ha concentrado en componer lo que será su tercer disco, el cual esperamos que logre condensar todo lo alcanzado hasta el día de hoy pero sin perder ese sabor indomable que nos ha impactado: guitarras hirientes, un bajo envolvente y una batería implacable. El desértico astado de doble mirada está preparando su siguiente lance, así que lo único que podemos hacer es esperar su nueva estampida mientras dejamos inundar las células con su poder hasta estallar los tímpanos...

Haunted : la muerte sobre diez pies

Al termino de 2016, muchas revistas electrónicas y diversos blogs especializados tenían en sus listas a lo mejor del año el álbum debut de una banda originaria de Catania, una ciudad ubicada en la isla italiana de Sicilia. En las reseñas que se hacían del disco se habla de un grupo que regresaba al viejo doom de lentas melodías y obscuras líricas del pasado setentero, pero que al mismo tiempo recuperaba la frescura e imaginación del resurgimiento del género durante el nuevo siglo a través de su versión más clásica. Luego de tantas menciones, era necesario internarse en los surcos de este material y descubrir por uno mismo si dichas referencias y recomendaciones eran correctas...

Bajo el nombre de Haunted encontramos a una banda conformada por 5 jóvenes amantes de los riffs pesados como lozas y los ambientes profundos como abismos, grupo que se ha tatuado sobre la piel el epitafio "la muerte sobre diez pies".  Con dicha sentencia lanzada, es fácil imaginar que es lo que se escuchará en su primer disco: un álbum titulado de manera homónima que encapsula cinco monstruosas odas de tamaño colosal que caen sobre el escucha como rocas megalíticas, obscuros himnos sumergidos en un espeso banco de niebla que oculta en su interior horrores indescriptibles, terribles marchas fúnebres que escoltan un putrefacto cuerpo que se ha cansado de andar una vida llena de pecados y pesadillas con raíces malditas.

Apenas conformados como grupo en octubre de 2015, estas cinco almas en pena lograron construir los temas que hoy escuchamos a través del material publicado por Twin Earth Records en agosto de 2016. Francesco Bauso y Francesco Orlando en las guitarras eléctricas, Frank Tudisco en el bajo, Valerio Cimino en la batería y Cristina Chimirri en las vocales son los cinco endemoniados duendes que anuncian la muerte por medio de su mórbida atmósfera y su estruendoso sonido inquebrantable.

Haunted se metió al NuevArte Studio de su natal Catania bajo las órdenes de Carlo Longo para grabar su álbum debut durante los meses de marzo y abril de 2016.  Ya con el material mezclado, la banda lo envió a Estados Unidos para que el experimentado James Plotkin lo masterizara durante junio de ese mismo año así como lo ha hecho para los discos de importantes bandas del género como Egypt, Iron Void, Slomatics, Windhand o Electric Wizard. Quizá la magia negra que imprimió Plotkin en estas dos últimas bandas sea la que más se puede respirar en el primer trabajo de los italianos, esa extraña mezcla entre el impenetrable muro de sonido que los instrumentos levantan ante nosotros y las etéreas pero fúnebres voces femeninas que erizan la piel de todo aquel que se atreve entrar a este bosque encantado.

Bajamos la aguja sobre el vinil y un trueno se deja escuchar mientras rompe la tranquilidad de la noche. Ciertas frases de alguna película olvidada de Dario Argento, Mario Bava o Lucio Fulci del viejo cine de horror italiano se escapan por las bocinas mientras preparan el terreno para que un pesado riff de guitarra construya el ambiente ideal de letargo y sopor necesario para que las voces entonen  letanías sobre hechicería, ocultismo y muerte. Distorsión y obscuridad saturan el audio para dejarnos abandonados a la mitad del abismo, música lenta que nos domina hasta la hipnosis y la perdición.

Una vez ahogados bajo el manto pesado de la música de Haunted, una melodía nos arranca del coma inducido y nos enamora como si Escila y las sirenas cantaran hasta hacernos caer en sus redes. El estruendo de las guitarras en "Slowthorn" cae sobre nosotros mientras el bajo y la batería mantienen su ritmo somnoliento como si siguieran a un cortejo fúnebre. La atmósfera se hace a cada segundo más densa hasta que su peso es imposible de cargarlo, los latidos del corazón se hacen tan lentos que peligrosamente se acercan hasta el freno total y los tobillos renuncian definitivamente a seguir arrastrando los grilletes que entorpecen su camino. Aquí está el doom en su máxima expresión, la música de la condena escuchada a través del filtro lisérgico de la psicodelia más ácida y la distorsión más desgarradora. Desollados pacientemente, no queda otro remedio más que morir tras nueve irónicos minutos de tortura  y goce pleno.

Ya en una ocasión anterior nos había llamado la atención el trabajo que realiza Gryphus Visual con los FanVid para diversos tracks de la nueva escena doom a partir de viejas películas de horror y serie b, como lo hecho con la música de Mephistofeles. Entre pequeños extractos de sectas espiritistas y sacrificios satánicos en simetría perfecta y colores psicodélicos, escuchamos "Slowthorn" de Haunted en perfecta concordancia con la portada de su disco, un diseño realizado por Sandro di Girolamo (vocalista de Elevators to the grateful sky) donde observamos a una mujer desnuda y amarrada ista para ser ofrecido al maligno sobre un circulo de inscripciones de alguna lengua olvidada y velas encendidas. Entre las sombras de la imagen podemos ver algunos paisajes tétricos y un gran cráneo superpuesto que abarca la totalidad del cuadro, elementos ideales que revisten de obscuridad la estética de la banda.

Tan sólo se dejan escuchar sus primeros acordes y nuestra mente se transporta a sombríos parajes llenos de maldad y encanto. Sin salvación, caemos rendidos ante el envolvente sonido, que como si de una densa neblina se tratara, nos encierra hasta perdernos irremediablemente. El frío recorre por la piel, el temor toma control de todo a nuestro alrededor hasta que poco a poco sentimos la presencia de los poderes ocultos y de la muerte. Si aún con esta descripción no se han animado a pulsar el botón de play, quizá el morbo de tener a una bella mujer en las vocales y la promesa de escuchar una música apabullante sean los anzuelos perfectos para saltar al abismo...

Sgt. Sunshine : quemando dulces hojas

La imagen de un hombre a un costado de unas rocas megalíticas juegan con nuestra imaginación entre juegos de colores y sombras. Un cielo cubierto de nubes domina la escena mientras dos extraños personajes al fondo se quedan perdidos a la escena principal, pero siguen formando parte de la ilustración. Estas piedras forman parte de los 52 bloques de granito que conforman un barco conocido como "Ales Stenar" en la remota Kaseberga, en Escania, Suecia. La leyenda cuenta  que ahí fue enterrado el rey Ale el fuerte, otros dicen que es un antiguo calendario astral y quizá sea más bien una ofrenda funeraria dedicada a un conjunto de marineros muertos en el océano...

Este enigmático lugar sirve de portada para Plataformas, el cuarto álbum de Sgt. Sunshine, aquella banda stoner de Malmö que ha sorprendido a todos por su potencia sonora y los viajes lisérgicos que propone su música. Así como nos muestra la fotografía, en primer lugar encontramos a Eduardo Fernández Rodríguez, vocalista y guitarrista de origen cubano que ha servido de guía espiritual para la banda, el rostro visible de un proyecto onírico que nos toma de la mano para internarnos a nuestras neuronas en fuertes viajes donde las distorsiones eléctricas sacuden cada una de sus fibras. 

Ocultos a un costado de la imagen, dos figuras humanas nos recuerdan que el concepto sonoro de Sgt. Sunshine está basado en la figura del power-trío. Para su álbum debut, Eduardo se hizo acompañar de Par Hallgren en el bajo y Christian Lundberg en la batería; pero para la publicación de Black Hole de 2007, el guitarrista estaría escoltado por el bajista Michael Mino y el baterista Robin Rubio. La alineación original de Sgt. Sunshine regresaría para presentar en 2013 su disco III, pero nuevamente las cosas cambiarían para su último material. 

Plataformas fue grabado en su totalidad por el baterista Roberto Sundin y por Eduardo Fernández Ramírez en el resto de los instrumentos. El trabajo en el estudio se escucha meticuloso, cuidado hasta la perfección más allá de lo que se oculta bajo las capas de fuzz que una banda amante de las arenas desérticas de California emplea en su sonido. Al escuchar cada uno de los once temas que conforman el disco, la palabra experimentación nos viene  a la mente si previamente se ha escuchado la discografía de Sgt. Sunshine. Sin embargo, si realmente quisiéramos encapsular el disco en una sola palabra quizá la ideal sería groovy, pues el material nos sumerge en una ola de "buena onda", una ensoñación que a pesar de las guitarras rasposas nos eleva suavemente hacia un paseo por el cosmos.

Por obvias razones, cada material de Sgt. Sunshine tiene un concepto propio más allá del estilo que Eduardo le ha impreso a la banda. El stoner crudo a la Kyuss y la escena de Palm Desert en los años noventas del álbum debut se enfrenta con la experimentación del segundo disco y la fuerza directa del tercero. Ahora en Plataformas escuchamos una mezcla entre el rock psicodélico de Jimi Hendrix a finales de los sesentas, el funk setentero con reminiscencias latinas y el desert rock actual cercano por momentos a la propuesta de John García en su disco homónimo de 2014 y sobre todo al Tao of the devil de Brant Bjork; ambos miembros de Kyuss que unieron fuerzas en el excelente Peace bajo el nombre de Vista Chino. 

La primera mordida a este nuevo disco de Sgt. Sunshine es "Mary Jane (Keeps you sane)", fumada melodía que arranca con un genial ritmo marcado de batería para ser seguido por un riff pegajoso difícil de no seguir con el pie. Atravesando el muro de sonido, una guitarra Gibson Les Paul deja escapar un gemido al ser frotadas sus cuerdas con un arco de violín, emulando a lo que hacia Jimmy Page en sus épocas con Led Zeppelin y la interpretación épica de "Danzed and confused". Entre los escombros de la melodía, otra guitarra se escurre misteriosamente para regalarnos un efecto fantasmal nacido por un pellizco al instrumento hasta crear un armónico falso que inmediatamente nos recuerda al orgasmo que logra Billy Gibbons al final del clásico "La Grange". Finalmente, la canción escapa de todo control en un jamming que logra hacernos bailar en un frenesí multicolor que nos lleva a estrellarnos contra el manto estelar... Aquí tienen el tema ideal para prender un porro y dejar de que la vida siga su curso sin mayores preocupaciones.

Para acompañar el lanzamiento de Plataformas hecho en noviembre de 2016, un mes después fue publicado en el canal de YouTube de Sgt. Sunshine el video de "Mary Jane (Keeps you sane)", trabajo visual realizado por Christopher Tolbert donde podemos ver a Eduardo Fernández Rodríguez y a Roberto Sundin acompañados por Michael Mino, bajista que formara parte de la banda durante la época del Black Hole y que participó como invitado en la grabación de este tema en Plataformas, además de acompañar a Sgt. Sunshine en la presentación del disco sobre los escenarios. Las imágenes del video nos muestran al grupo tocando en diversos escenarios mientras un caleidoscopio de formas y colores nos sumergen en un viaje mientras las dulces hojas se queman hasta hacernos perder el suelo suavemente

Las frías tierras de Suecia han servido de refugio a este vikingo con sangre latina, músico que logra transportarnos al inconsciente por medio de la distorsión que funde en un mismo sonido al funk, la psicodelia, el stoner y al hard rock. Las cálidas arenas del desierto rasgan los instrumentos mientras pasan por las bocinas y llegan a los tímpanos, irónica combinación que sacuden al cuerpo y lo eleva hasta la estratosfera. Si acaso no se habían dado la oportunidad de escuchar a Sgt. Sunshine, a partir de este momento dicho nombre no sólo hará referencia a la vieja canción de Roy Harper (aquel múisco folk cercano a Pink Floyd y Led Zeppelin), sino a una mágica y ácida banda que crea a su alrededor una sublime atmósfera llena de guitarras y ritmos hipnóticos...