Luciferian Light Orchestra : un ritual de sangre para el maldito

El mundo de la obscuridad abre sus puertas para mostrar el otro lado del ser, una forma de entrar a las profundidades del alma para descubrir los deseos y los temores más ocultos. La bestia reta a la deidad por medio de los sueños, la magia y lo esotérico hasta que la maldad del demonio pone en duda a lo establecido como verdad  y bondad. Este es el rito de iniciación para demostrar la entrega y devoción al ángel caído, una búsqueda del verdadero conocimiento y la completitud de la existencia, un salto al abismo de la individualidad, la autonomía y la creatividad.

No es un secreto la inquietud de Christofer Johnsson por hacer cosas diferentes más allá de Therion, la banda de metal sinfónico que fundó a finales de los años 80 y con la que ha sido reconocido en todo el mundo. Fue hasta 2015 que su deseo se cumplió al publicar el primer disco de su proyecto alterno llamado Luciferian Light Orchestra, material que busca rescatar el occult rock y el hard rock de los años 70 de gente como Black Widow, Deep Purple, Black Sabbath, Uriah Heep y Scorpions.

Pero para lograr dicho proyecto, Johnsson reclutó a dos bateristas, un bajista, cinco guitarristas, dos tecladistas, tres organistas especializados en el Hammond, cuatro cantantes y cinco coristas. A este ejército de músicos se les ha guardado su identidad para crear un halo de misterio a  Luciferian Light Orchestra, aunque se han liberado algunos datos para satisfacer el morbo de los amantes de la información: algunas canción fueron interpretadas por Mari Karhunen (que ha participado con Therion en algunos temas) y por Mina Karadzic (novia de Johnsson), varios miembros actuales y pasados participaron en la grabación de los instrumentos y varios miembros de la orden mística Dragon Rouge de la que forma parte el propio Johnsson colaboraron con los coros.

A finales de 2014, Christofer Johnsson se encerró en sus estudios de Villa Adulruna, al sur de Estocolmo, Suecia para crear esta versión setentera de Therion, la cual abandonaría las voces femeninas de soprano que identifican los últimos años de la banda metalera para sustituírlas por unas más sublimes; utilizando además los teclados y el mellotron  para crear ambiente oníricos a partir de sonidos vintage de hard rock y psicodelia. Ya con el material grabado, Johnsson contactó a Lennart Östlund de los míticos estudios Polar del grupo ABBA para que realizara la mezcla del disco, ya que él podría darle el toque retro al álbum debut de Luciferian Light Orchestra por su trabajo realizado en In through the out door de Led Zeppelin.

Fue así que el 30 de abril de 2015 se observó en las vitrinas Luciferian Light Orchestra, disco que mostraba en su portada un trabajo visual realizado por Tentacula que muestra diversos elementos esotéricos donde destaca un ser zoomorfo de dos rostros, un indicio que deja patente la ambivalencia y el encuentro entre lo contradictorio para completar la totalidad de la existencia. Para completar este concepto, varias líricas del disco fueron escritas por Thomas Karlsson, ocultista sueco que formó parte del grupo fundador de la orden Dragon Rouge y que ha colaborado también con las letras para Therion.

Para la promoción de este disco, Christofer Johnsson publicó tres videos en el canal oficial de Therion: "Church of Carmel", "Dante and Diabaulus" y "Taste the blood of the altar wine". Hoy rescatamos este último tema, mismo que sirvió de segundo sencillo y que con su sonido abismal logra transportarnos a los recintos obscuros que dan origen al concepto de la banda. Himno sacrílego de melodía adictiva y acordes hirientes como cuchillos rituales en pleno sacrificio, oda negra que rinde tributo a lo maligno bajo sus diversas caretas y múltiples nombres malditos, danse macabre que reúne a demonios y brujas en un aquelarre de luna llena para invocar a la obscuridad.

"Prueba la sangre del vino del altar, una gota de néctar e inocencia. Un santuario para Satán decorado con sangrientas rosas rojas y lirios blancos. Inclínate ante el crucifijo negro, escucha a los demonios cantar un himno para el Señor. El macho cabrío de Mendez y Baphometh, la obscuridad llegará y el maestro Belzebúb volará. Hablando en lenguas la palabra de las mentiras, la verdad secreta del fantasma impío. La eucaristía de Lucifer que regresa a las brujas del Sabbath. Prueba la sangre de las lunas siniestras, celebra la misa de Brakulla. Bailan brujas e íncubos que comparten el vino del altar..."

"Taste the blood of the altar wine" es un canto dedicado a la encarnación suprema del mal donde se relata sobre algunos elementos distintivos de los rituales a su honor y se nombra diversas personificaciones, mismas que está relacionadas con la sexualidad, la rebelión, la magia negra y el sacrificio. Para completar las ideas que la lírica nos inyecta a las venas, Luciferian Light Orchestra nos comparte un video lleno de esoterismo que nos acerca a los ritos satánicos y de iniciación de las logias ocultistas: un cáliz litúrgico, cartas de tarot, máscaras, velas, espejos y viejas construcciones en ruinas a la mitad de la naturaleza. Este trabajo visual fue realizado por Mina Karadzic, quien con escasos recursos económicos, contactó a un amigo suyo para que dirigiera el proyecto y grabara diversas escenas en el balcánico Montenegro entre sombras, símbolos y vestuario antiguo original facilitado por un coleccionista privado.

Christofer Johnsson no quiso que Luciferian Light Orchestra quedara en un proyecto de estudio, así que formó una banda para que llevara el disco a los escenarios, sirviendo al mismo tiempo de evento telonero para las presentaciones de Therion. Entre sombreros y máscaras, cinco personajes dieron vida a una orquesta maldita de tonalidades vintage que bien podrían alternar con bandas como Ghost, Bloody Hammers o Lucifer. Christian Vidal y Nalle Pahlsson en las guitarras, Sixten Jaskan en el bajo y Mari Karhunen en la voz principal hicieron realidad este satánico ritual, aunque el hermetismo alrededor de la banda regresó cuando fue publicado el Black EP en diciembre de 2016; despertando así las esperanzas de ver nuevamente Luciferian Light Orchestra bajo los reflectores con su obscura magia y su encuentro con el lado maldito del universo...

Year of the Cobra : entre sombras y estruendos

Desde lo lejos se alcanza escuchar la furia de los tambores y los platillos. Paso a paso nos acercamos hasta que la fuente de sonido la tenemos ante nuestra mirada atónita. Inesperadamente, un bajo comienza a marcar sus acordes, pero el vómito sonoro que sale de los amplificadores es una avalancha eléctrica que arrasa con todo a su paso, un ejército armado de estruendo y volumen que atemoriza con su poderosa marcha. Una figura hipnótica nos arrastra a los abismos mientas las voces de las sirenas nos hechizan con su canto maldito, embrujo perfecto que nos lleva a la perdición a través de las más densas tinieblas y los océanos jamás surcados.

Buscamos a los responsables de la hecatombe e inesperadamente nos encontramos con tan sólo una pareja, dos músicos rodeados de gabinetes Ampeg construyendo un muro de sonido imposible de atravesar. La ciudad de Seattle vio nacer en 2015 a este monstruo de dos cabeza llamado Year of the Cobra, banda conformada por Johanes Barrysmith en la batería y Amy Tung-Barrysmith en el bajo eléctrico inspirada en las densas atmósferas del doom, el sludge, el stoner y el occult rock para levantar una muralla sonora que puede dejar impresionado a más de uno.

Sin embargo, lejos de encapsular en un estilo musical a esta banda, Year of the Cobra mezcla sus influencias para crear un poderoso estilo propio lleno de distorsión y decibeles. Johanes y Amy se conocieron en 2007, pero luego de varios años tocando cada uno en diversos grupos, decidieron armar su propio proyecto. En un primer momento buscaron un guitarrista, pero al no encontrar uno de tiempo completo, comenzaron a construir su sonido exclusivamente con lo que tenía: bajo y batería. De esta manera, podemos evocar distintas bandas que han utilizado esta combinación para crear grandes cosas (Death From Above 1979, Lightning Bolt, Royal Blood, Om), aunque su estilo termine acercándose a lo hecho por Acid King o Windhand.

Tras la publicación en 2015 de su EP The black sun (trabajo masterizado por Tony Reed, guitarrista de Mos Generator), Year of the Cobra comenzó a ganar reconocimiento hasta la posibilidad de firmar con STB Records y hacer un split con Mos Generator para promocionar la gira conjunta que realizarían por Estados Unidos en junio de 2016. Para este material, la banda grabó "The siege" en una grabadora Tascam de 4 tracks durante una noche; quedando plasma en una cara del promocional para acompañar "Gamma/Hydra" por el reverso.

Sin mayor tiempo que perder, Year of the Cobra se puso a trabar en su álbum debut bajo las órdenes de Billy Anderson, reconocido productor técnico que ha grabado a gente del nivel de High on fire, Sleep y Melvins. Para lograrlo, la banda se trasladó a los estudios Hollowed Halls en Portland, Oregon y se instalaron en su sótano para tener la mayor disponibilidad del lugar. Tras las sesiones de grabación, la banda trabajó a través de correos electrónicos con Anderson sobre las mezclas y la masterización del material mientras rodaban su vagoneta para presentarse en cuanto escenario eran invitados.

Para octubre de 2016 fue presentado ...In the shadow below, un disco ahogado en una neblina de distorsión y líricas sobre misticismo, brujería y personajes mitológicos. Bajo esta misma lógica, Esther Heckerman realizó todo el arte del disco miestras éste se grababa, así que sólo tuvo a su disposición el tema "Electric warrior" para desarrollar su inspiración: un guerrero armado con el trueno lucha contra obscuros demonios ante un lúgubre ambiente natural.

Year of the Cobra & Billy Anderson

A través de un juego de pedales y amplificadores, un estruendoso bajo Rickenbacker truena las bocinas mientras una dulce voz al estilo de Debbie Harris de Blondie o Chrissie Hynde de The Pretenders nos enamora hasta la perdición. Los salvajes golpes de batería impactan en los tímpanos tras dejar un mórbido eco que dota de intensidad y zozobra al ambiente. Contradictorio encuentro que funde en un mismo sonido la densidad y el poder de los acordes graves y la ternura de voces femeninas que nos hablan de luchas épicas, mujeres encantadas y seres místicos.

Para ...In the shadow below se volvieron a grabar "White wizard" y "The siege", siendo esta última el tema que logra condensar en sus cinco minutos de duración lo que es Year of the Cobra. "The siege" es una peregrinación de almas en pena que paso a paso se acerca más y más a nosotros sin una posible escapatoria. La batería golpea sin piedad para marcar el paso a la marcha fúnebre mientras las voces espectrales se escuchan suavemente en contradicción con el hiriente bajo atascado de distorsión y efectos como si se tratara el resonar de una tormenta eléctrica.

"El aire se siente inmóvil ahora y el silencio tan ruidoso. La luna sobre un gris cielo se esconde en miedo y vergüenza. La tierra comienza a temblar en agonía y dolor, el horizonte rojo se hace vacío y el sol canta en pena su último adiós. Blancos rostros vagan como sombras de la muerte que buscan reposo. El olor del humo roba su piel y sólo se escucha su lenta respiración. Vienen por nosotros... prepárense, vienen en marcha directa a través de la puerta."

En estos momentos, Year of the Cobra está realizando su primera gira por Europa para promocionar su ...In the shadow below, además de que participarán en la presentación del nuevo álbum de Mothership junto con Black Pussy, Slow Season y Beastmaker. Por lo pronto, la pareja está dejando todo sobre los escenarios mientras siguen experimentando con su sonido con la intención de crear nuevas cosas, así que no sería una sorpresa que nos regalen temas nuevos antes de que termine el año.

John García : ante la fogata acústica del viejo coyote

El viejo coyote del desierto ha regresado y a su paso ha desconectado al arenoso fuzz eléctrico de las guitarras para aullar a la luna, acústico espejismo que intenta calentar la helada noche con una fogata hecha de antiguos recuerdos y una que otra historia nueva. La experiencia se impone ante el cambio de formato, y aunque sólo es un recuerdo el ardiente asfalto hervido por el sol de mediodía, la voz que estableció las bases para lo que hoy conocemos como desert rock y stoner pisa el pedal de freno para mirar en el espejo retrovisor lo que sus incasables pasos han recorrido hasta el día de hoy.

Antes de resucitar a Slo Burn en el escenario del Freak Valley Festival a celebrarse en junio de 2017, John García a decidido publicar un disco solista de manera acústica con la intención de presentar algunas canciones nuevas de su repertorio y hacer también un repaso por su carrera, la cual incluye diversos proyectos como los míticos Kyuss, Hermano, Unida y Vista Chino, además de participar en la grabación de algunos temas como artista invitado con Luna Sol o Danko Jones.

Acompañado por los mismos músicos que formaron parte de la gira promocional de su último disco de 2014, John García encapsula en una placa la forma en que ha presentado su música desde finales de 2015. Ehren Groban en la guitarra, Mike Pygmie en el bajo y Greg Saenz en las percusiones, la banda de García logra un equilibrio perfecto entre su fuerza innata nacida en la escena de Palm Springs, California y las suaves texturas de los sonidos desenchufados, íntimos y finalmente naturales.

Con la grabación y mezcla de Robbie Waldman y Steve Feldman en los estudios Thunder-Underground y Unit a recording & arts, a finales de enero de 2017 John García publicó The coyote who spoke in togues a través de Napalm Records, material que contiene cuatro versiones a temas clásicos de Kyuss ("Green machine", "El Rodeo", "Gardenia" y "Space cadet"), una versión en vivo de "The blvd" grabada en Croacia y una continuación a "Argleben" de su disco solista, además de cuatro temas nuevos compuestos especialmente para esta ocasión (uno de ellos totalmente instrumental).

Lo primero que escuchamos del The coyote who spoke in togues fue su tema inaugural "Kylie", canción que fue presentada como primer single del disco a finales de 2016. Las guitarras comienzan una loca carrera como si de una estampida se tratara, agitada persecución que sube de intensidad gracias a los atmosféricos teclados del músico invitado Ronnie King. La rasposa voz de John García nos remonta a los años noventas como si el tiempo no pasara sobre el icono californiano. Tras la explosión, todo cae en un aletargado ritmo hasta dejarnos abandonados a la mitad de la nada y en la obscuridad total, pero repentinamente todo se vuelve a encender para arrancarnos los pies de la tierra y reunirnos con las estrellas que iluminan la helada velada desértica.

Con un video dirigido por Douglas Quill, John García promocionó "Kylie", y más allá de sus trabajos visuales previos, el primer corte de The coyote who spoke in togues sorprendió a todo mundo por su historia y por la fuerza de sus imágenes. Un auto llega sigilosamente a la mitad de la noche a una casa tras un largo recorrido por la carretera que atraviesa el desierto californiano, un joven desciende del vehículo y entra al inmueble para secuestrar a la chica que ahí vive. Ya en el calor del día, el raptor suelta a la muchacha, quien corre sobre la arena caliente, pero todo queda en un escape momentáneo. La bella mujer despierta al calor de una fogata ritual donde será sacrificada, pero la historia gira 180 grados hasta terminar en una persecución entre la luz de ardientes antorchas y el manto de la noche.

El terreno está preparado para el regreso triunfal de Slo Burn, pero lejos de que The coyote who spoke in togues quede relegado ha ser un disco de transición, el último disco de John Garcia deberá ser tomado en cuenta como una faceta más dentro del abanico de posibilidades que tiene el músico californiano, misma que ya había sido presumida previamente con "Her bullets' energy", tema grabado a dúo con Robbie Krigger de The Doors hace poco. Por el momento, John García nos ha enseñado que el rock desértico puede ser desconectado de su característica distorsión porque en su interior se guardan líricas mágicas y poderosas melodías más allá de la electricidad...

The Ringo Jets : ¿a qué suena Turquía?

Tener referencia sobre una banda que está a miles de kilómetros es difícil, pero cuando la cultura es distinta lo hace casi imposible. Sin embargo, el mundo del rock rompe barreras para tender puentes de comunicación a partir de elementos comunes y sirve como medio para compartir lo propio, lo diferente y lo único. El caso de Turquía es realmente especial porque este país es una puerta entre lo que entendemos como Oriente y Occidente, un cruce de caminos donde se han librado una infinidad de batallas por el correr de los siglos, un codiciado punto estratégico que enfrenta al moderno mundo tecnológico y al antiguo territorio musulmán aferrado a sus costumbres.

En la importante Estambul, aquella hermosa ciudad que en épocas remotas se conoció como Bizancio y Constantinopla, nace una banda que lleva la contradicción cultural hasta las bocinas para regalarnos un coctail distorsionado de batería y guitarras eléctricas que es imposible que dejemos pasar por inadvertidos. The Ringo Jets se formó en 2011 con la intención de hacer coincidir el gusto por la fuerza eléctrica del mundo occidental y la imaginación de tres jóvenes que viven todos los días el sincretismo cultural de una nación que se encuentra entre la espada y la pared. 

Si se nos hace extraño escuchar música turca, es aún más raro encontrarnos con un proyecto sonoro basado en la mezcla tonal de las guitarras de Deniz Ağan y Tarkan Mertoğlu teniendo como base la fuerza en la batería interpretada por una mujer, Lale Kardeş. Rompiendo con todos los estereotipos, The Ringo Jets se une a la serie de bandas que dejan a un costado al bajo eléctrico y juegan con los amplificadores y los pedales de distorsión para crear nuevos sonidos como Muñoz, The Muddy Brothers y The Red Boots (Brasil), The Heavy Minds (Austria) o The Bonevilles (Irlanda del Norte), inspirados en la unión del hard blues electrificado de los años 60 y 70  el rock garage y alternativo del nuevo siglo bajo el nombre de The White Stripes y The Black Keys como referentes inmediatos.

Gracias al material recopilatorio hecho por Tantana Records a finales de 2016 con el título de Assorted, tuvimos la suerte en este lado del Atlántico de escuchar la propuesta sonora de este trío turco. Confesando que lo exótico de su lugar de origen no coincide con una banda de rock ahogado en fuzz, nos dimos a la tarea de escuchar el material con todo el recelo que puede derivar el escuchar música de un territorio opuesto al nuestro si a cultura se refiere; sin embargo, la sorpresa fue mayúscula...

Assorted resguarda en su interior algunos temas del álbum debut de The Ringo Jets presentado en 2013, los dos singles de 2014 titulados Evil eye y dos temas completamente nuevos: "Blue wind" y "Trippin". Este material sirve de carta de presentación para la banda en el mundo occidental gracias a sus temas infecciosos y estridentes cantados en inglés, dardos directos a los tímpanos ansiosos por escuchar cosas frescas más allá de los patrones impuestos por los géneros y las ideas musicales. Para un mercado dominado por el pop cantado en turco, hacer una banda de rock escandaloso con líricas en inglés rompe con cualquier esquema, pero si pensamos en lo comentado por la banda en una entrevista, sus influencias chocan en mil pedazos en su encuentro: Tarkan esta fascinado por el punk, Lale estudió música donde adquirió su gusto por el jazz y Deniz escucha psicodelia setentera.

Así como la paradoja se adueña del sonido del trío turco, la gente de Big Baboli Print House reflejó en la portada del Assorted el irónico encuentro de elementos contrarios a través de una partida de backgammon entre los dos mayores símbolos antagónicos: la vida y la muerte. Una vez impactados por la mística ilustración, dejamos que la música nos inunda para descubrir como las fusiones explotan los altavoces y pueden crear verdaderas joyas inolvidables.

Las guitarras rugen a través de su figura insistente y la batería golpea sin piedad en compañía de unas mágicas percusiones con sabor innegablemente oriental por cortesía del músico invitado Mauro Refosco . Estamos escuchando a "Tease", un acelerado demonio que se levanta con su escandalosa energía para terminar convirtiéndose en un furioso genio que sale de su lámpara para ofrecernos un baile exótico de tambores que no frenan ni un segundo. La esfera sonora donde The Ringo Jets nos encierran es lograda gracias a la grabación y mezcla realizada por Tomasso Colliva, productor técnico y técnico de sonido italiano que trabajo con gente de la talla de Franz Ferdinand y Muse. Sin embargo, todo llega a su punto culminante cuando un solo de guitarra se escapa entre la tormenta de arena para tomarnos de la mano subirnos hasta el propio cielo.

 "Tease" se publicó originalmente en el álbum debut de la banda y tuvo un video promocional dirigido por Eli Kasivi. En sus imágenes podemos ver en primer plano el interior de un viejo auto al que sube un joven. Arranca el vehículo y en la radio se sintoniza el single de The Ringo Jets, mientras vemos pasar las calles de Estambul. Un mensaje de texto entra al celular y distorsiona el sonido, pero su contenido hac enfurecer al chofer. Una mirada al espejo retrovisor y los celos construyen una escena difícil de aceptar, pero unos cuantos golpes al llegar al destino final, pueden calmar el feroz sentimiento.

Con tan sólo una probada al Assorted caemos rendidos a su cruda estridencia, ruido que les ha valido para compartir escenario con Kadavar y hasta salir de las fronteras turcas para tocar en España y Austria. Este es el momento para que la banda reciba los aplausos y reconocimientos del público de Occidente, más allá de la guerra que han librado en su propia trinchera. Su irónico estilo logra hacer coincidir la tradición melódica de su país y la energía eléctrica de la modernidad desbocada, haciéndonos entender que puede existir un lazo entre ellas para crear música realmente cargada de fuerza y magia.Ya con nuestros tímpanos atrapados, ahora tan sólo queda esperar el próximo disco de The Ringo Jets, quienes ya se encuentran en los estudios grabándolo...

The Purple Elephants : desgarrando al pasado

A un año de haber sido publicado el álbum debut de los españoles The Purple Elephants, es necesario bajar nuevamente la aguja sobre los surcos para descubrir en ellos aquello que los ha convertido en un referente para el nuevo rock español; además de ser un puente hacia lo que está escuchando el resto del mundo. Abandonando el inglés para retomar el castellano, esta banda originaria de Murcia nos mostró en sus poco más de 40 minutos todo lo que puede hacerse en con el rock de manera auténtica, más allá de etiquetas  y posturas, logrando crear un disco rico en texturas y posibilidades sonoras que pocos se atreven a realizar.

Danza funeral vio la luz en febrero de 2016, luego de un proceso para recabar fondos a través de la plataforma de financiamiento Crowdfunding con los cuales se pudiera editar el material, mismo que finalmente fue publicado a través de Son Buenos Artmusic. Con el dinero en los bolsillos, la banda se fue al Puerto de Santa María en Cadiz para meterse al estudio de grabación de Paco Loco y registrar diez temas de manera visceral como sólo este productor lo podría hacer, quien es reconocido gracias a su trabajo con gente como los cantautores Sr. Chinarro, Nacho Vegas y Enrique Bunbury o bandas como Manta Ray, La Costa Brava, Niños Mutantes y Australian Blonde. 

Todo inició con el encuentro en 2014 del vocalista Jorge Bayle y el guitarrista Adrián Carlos mientras estudiaban sonido y cuando decidieron comenzar un proyecto musical original. Con el tiempo, a ellos se unieron el baterista Fran Imbernón, el tecladista Tommy Rocheteau y el bajista Alejandro Jiménez para que juntos le dieran forma a un combo que guardara en su interior psicodelia, hard blues y rock pop. 

Inspirados en las escenas de Dumbo, aquella película de Disney donde se observa una alucinación alcohólica con elefantes multicolores, nace el nombre de la banda con la intención de hacer patente el colorido y acidez de su propuesta; dejando en el idioma de Shakespeare su apelativo debido a que las primeras líricas del grupo estaban compuestas en dicha lengua, mismas que formaron parte del autoproducido EP Flames like ruby gems.

 The Purple Elephants comenzó a ganarse al publico con sus presentaciones, convirtiendo al tema "We will ride the moon until the end" en un pequeño clásico. Sin embargo para su disco debut, la banda se volcó por completo al castellano, y aunque rescató algunas canciones de su EP, las liricas fueron escritas nuevamente por Tommy Rocheteau bajo las líneas melódicas que Jorge Bayle había imprimido originalmente. Finalmente, Danza funeral quedó compuesto en más de la mitad por canciones nuevas y el resto por las reconstruidas.

El álbum debut de los murcianos es una paseo sonoro que bien nos puede llevar a introspectivos parajes del hard blues ("Redención" o "Entre velas") hasta la acidez psicodelia más estridente ("El desierto" o "Maldita sentencia"), pasando por obligados sobrevuelos flamencos ("Noche persa") y cabaretescos ("Danza funeral"). Efectos sonoros y mágicos arreglos musicales por todos lados nos van envolviendo en el universo onírico de The Purple Elephants, donde la distorsionada guitarra eléctrica y el envolvente teclado se convierten por momentos en los protagonistas del disco.

Como primer mordisco al Danza funeral, la banda presentó en diciembre de 2015 como primer sencillo "El halcón", tema de guitarra fuerte que sirve para levantar un muro infranqueable junto con la gravedad de la batería y el bajo. En el momento cuando la canción llega al cenit del estribillo, un teclado se escapa por las bocinas para amplificar la atmósfera hasta convertirla en una nube de sopor de donde es difícil escapar. Una vez que llega al puente, el track se vuelve primitivo y cavernario gracias a las percusiones y las palmas, pero todo termina explotando en una cascada de notas estridentes y desesperadas.

La rasposa voz de Bayle entona una melodía cruda sobre las distintas personalidades que puede desarrollar el hombre dentro de su abismo personal, pero que al mismo tiempo implora por romper las cadenas en busca de su propia libertad. El alma se desgarra por dentro, pero la careta hacia los demás engaña y seduce al igual que un ave rapaz. Los sentimientos ocultos corroen al individuo hasta que la estampida interior resulta inevitable...

Con un video dirigido por Juan y Pedro Poveda a través de Twin Freaks Studio, The Purple Elephants promocionó "El halcón". Este trabajo visual podemos observar a la banda tocando en un completo fondo blanco en contraste con dos enigmáticos personajes sobre un halo obscuro. Esta contradicción visual que logra hacer referencia a la lírica del single funciona a la perfección, llevándole así a ganar el premio del público Rendibú 2016 organizado por el diario español La Verdad en la categoría "Video maquetas música".

2016 fue un año de muchos logros para la banda, pero también trajo consigo algunas bajas, pues Tommy Rocheteau y Alejandro Jiménez abandonaron el barco para convertir momentáneamente a The Purple Elephants como trío. En lo que el grupo se configura de nuevo, a nosotros sólo nos queda seguir exprimiendo todo el contenido del Danza funeral, descubriendo a cada vuelta los secretos que guarda su producción y expandiendo la mente con todas las opciones que guarda en su interior.

Beelzefuzz : las obscuras intenciones detrás de un nombre

Ponerle el nombre de Beelzefuzz a tu banda te asegura que todos volteen y pongan atención a ese peculiar juego de palabras, cosa importante en el tan competido mundo del rock distorsionado de la última década. Sin embargo, para hacer honor a dicho apelativo es necesario crear un proyecto que realmente sacuda el suelo a punta de guitarrazos y que las melodías nos remitan al príncipe de los demonios y al señor de las moscas. Uno podría esperar una banda refugiada en los sonidos arenosos del stoner, pero lejos de esta idea, nos encontramos con un grupo formado en 2009 que explotó la mezcla entre el metal progresivo, el doom y el hard rock setentero.

El paso de los años llevó a los integrantes originales de la banda por distintos caminos musicales que terminó en un rompimiento en 2014. El vocalista y guitarrista Dana Ortt quiso continuar bajo el sugestivo nombre de Beelzefuzz el proyecto con el baterista de la banda Darin McCloskey, quien entró con los de Maryland en 2011 luego de formar parte de Pale Divine, grupo clavado en el doom. Esto provocó una disputa legal con el bajista Pug Kirby, teniendo que bautizar momentáneamente a la banda como Righteous Bloom.

Dana Ortt ha ganado en los tribunales y nuevamente nombró a su banda como Beelzefuzz, integrándose al conjunto el bajista Bert Hall y el guitarrista Greg Diener, otro miembro más de Pale Divine. Este difícil trance ha quedado inmortalizado en el título del disco más reciente del grupo The righteous bloom, material editado por The Church Within Records y Restricted Release en septiembre de 2016 que fue grabado en Diener Manor Studios por el propio guitarrista recién sumado y mezclado por Richard Whitaker, quien ha colaborado con gente como Lord Vicar y Orchid.

Si el propio nombre de la banda es suficiente para despertar el intereses del público ávido por música interesante y fuerza en su interpretación, la portada del The righteous bloom también logra dicho cometido gracias a la ilustración de una alada mujer desnuda sobre un onírico fondo que une a la tierra con el cielo. Este espectacular trabajo artístico fue realizado por David Paul Seymour, dibujante que ha realizado distintas tapas para bandas como Wo Fat, The Vintage Caravan, Goya, Lowburn y el tributo a Jimi Hendrix publicado por Redux Records.

The righteous bloom es un disco que continua con lo hecho en el debut de Beelzefuzz en 2013, donde el gusto por bandas clásicas del hard rock setentero como Deep Purple, Black Sabbath y Uriah Heep se funden con otros estilos como el proto-doom de Pentagram, el revival sueco de Graveyard y el doom-metal de Earthride. El resultado final es un disco de riffs de guitarra hechizados, uno que otro teclado ambiental, un bajo envolvente, una batería directa y voces que recuerdan los colores de David Byron de Uriah Heep, Mark Farner de Grand Funk y John Lawton de Lucifer's Friend. Al termino de las once pistas que conforman el disco, un sabor a stoner metal progresivo queda en la boca,  lo que obliga a remitirnos a los grupos suecos Spiritual Beggars (proyecto alterno de Michael Amott a Arch Enemy), Luciferian  Light Orchestra (proyecto alterno de Christofer Johnsson a Terion) y Year of the Goat.

El primer single que se desprendió del segundo disco de Beelzefuzz fue su tema inaugural "Nazzriff", canción inspirada en el cuento de misterio The repairer of reputations de Robert William Chambers publicado en 1895. La figura de la guitarra inicial es hiriente, cortante y asesina, un lugar a donde el resto de los instrumentos terminan por seguir hasta crear un sonido colosal. La guitarra de Diener se abre paso para mostrarnos sus mágicos juegos sobre las cuerdas mientras la imponente voz de Dana Ortt nos habla de un juego de influencias y obscuras intenciones que terminan en el límite entre la cordura y el delirio. El aire teatral de la melodía completa la mística escena y logra darle a la canción una fuerza dramática coincidente con poder de los acordes, mezcla perfecta para convertirse sin lugar a dudas en un track inicial.

"Nazzriff" se publicó como sencillo en marzo de 2016 como previo al lanzamiento de The righteous bloom y en ese mismo momento fue presentado el video para dicho tema. Este trabajo visual fue realizado por  Pat W. Dougherty y Brad Wallace a través de CineMavericks Media, los mismos que hicieron los video para "Reborn" y "Lotus jam", los dos singles que se desprendieron del álbum debut de Beelzefuzz. En esta ocasión podemos observar a la banda vestida elegantemente mientras le rinden culto a un maniquí de mujer a través de un juego multicolor y onírico de imágenes. Velas,  cráneos, guitarras, lluvia y muerte se encuentran en un mismo espacio visual donde la intensidad se entremezcla con el misterio.

Beelzefuzz está sobre los escenarios presentado The righteous bloom, un material que ha costado sangre, sudor y lágrimas pero que ya está a nuestro alcance. Ahora es momento de ir recorriendo sus intrincados senderos y disfrutar su calidad interpretativa, ya que "Nazzriff" tan sólo es la punta de lanza. Es sencillo perderse en los densos abismos sonoros que ha creado la banda, pero sin lugar a dudas este paseo por el laberinto es gozoso para el oído, y una vez que encontremos la luz al final del túnel, las neuronas le darán forma a esta grandiosa obra...

Horisont : un eléctrico regreso en el tiempo

Con más de diez años de trayectoria, Horisont se ha convertido poco a poco en una de las bandas vintage nacidas en Suecia más importante. Hoy es número uno en las listas y logrado realizar su primera gira norteamericana junto a Electric Citizen con la intención de preparar el terreno para About time, su quinto álbum recién publicado el 3 de febrero de 2017 a través de Century Media Records. Si acaso existe alguien quien no haya oído hablar de ellos, le damos la vuelta al viejo de arena para repasar lo hecho por estos bigotones de Gotemburgo.

Teniendo como punto de partida las clásicas armonías de las twin guitars que establecieron gente como Wishbone Ash y Thin Lizzy, Horisont creó su sonido en base a un rock adictivo heredero del New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM) y los ritmos pesados de principios de los setentas hasta lograr una marca propia. "Electrical", primer sencillo para About time, tributa ese estilo de la banda y termina por convertirse en un pequeño homenaje a su propia carrera al condensar en sus tres minutos y medio lo que ha sido toda su paleta de sonidos luego de cuatro excelentes discos.

El tiempo ha pasado y el estilo de Horisont se ha ido alimentando de todas las posibilidades sonoras que la década de los setentas puede ofrecer, logrando así que en cada álbum de los suecos obtengamos una dirección determinada dentro de los límites que ellos mismos han impuesto: Tva Sidor Av Horisont de 2009 está basado en el clásico hard rock setentero de Deep Purple, Cream Led Zeppelin y Grand Funk Railroad; Second assault de 2012 es un tributo al rock revival sueco de Graveyard y Witchcraft que mezcla el aletargado hard blues con arranques desenfrenados de riffs electrizantes; Time warriors de 2013 reafirma el NWOBHM del grupo y sirve de inspiración para otras bandas suecas como Black Trip, Hypnos y Saturn; y Odyssey de 2015 recuerda al space rock por medio del uso de sintetizadores y líricas centradas en la ciencia ficción al estilo de UFO.

Ahora para About time, Horisont dirige sus pasos hacia el AOD de finales de los setentas (Adult Oriented Rock) de bandas como Boston, Foreigner, Toto y Journey gracias nuevamente al uso del moog y los sintetizadores, instrumentos que al mismo momento ayudaron a crear un cierto sabor progresivo al disco. Este cambio podríamos entenderlo como una reconfiguración en el sonido de la banda tras la salida del guitarrista Tom Sutton, quien dejó al grupo para dedicarse al cien por ciento a su proyecto The Order of Israfel tras la publicación de su segundo disco Red robes y gira de promoción junto con Year of the Goat.

El nuevo compañero en las seis cuerdas para Charles Van Loo es David Kalin, quienes junto con Magnus Delborg en el bajo, Pontus Jordan en la batería y Axel Söderberg han creado este quinto disco bajo el nombre de Horisont a través de diez diferentes temas que suenan distintas entre sí, por lo que está muy lejos de convertirse en un álbum conceptual. Así es como podemos escuchar  desde melodías clavadas en el AOR como en la obvia "Boston gold" y "Airrance" hasta power ballads al estilo de Scorpions como en "Hungry love", pasando por el aquel pegajoso boogie de Status Quo en rolas como "Night line" y "Dark sides". Sin embargo, fácilmente podemos encontrar una coincidencia en las canciones del About time gracias a las fundamentales armonías de las guitarras gemelas y al uso de los sintetizadores con su suaves tintes progresivos (como en la abridora "The hive" y "Without warning"). 

Para preparar a los fanáticos de la banda, Horisont ofreció "Electrical" como primer sencillo de su nuevo disco, single que se convierte en una cápsula en el tiempo idéntica a la que se encuentra en la portada del About time, mágica imagen creada por Henrik Jacobson quien también realizó el artwork para el anterior Odyssey. "Electrical" regresa al rock infeccioso de los primeros discos de los suecos, que lejos de la fuerza de temas como "Nightrider" o la magia melódica de "Writing on the wall", nos teletransporta a una época del Thin Lizzy cuando los riffs entrecortados y atascados de escalas fundamentales para hacer temas espectaculares de grandes posibilidades interpretativas. Obviamente merece mención aparte el duelo stereo de guitarras que sobrevuelan al track, explotan y terminan cantando en una misma voz y distinto tono la figura original.

A finales de octubre de 2016 se presentó "Electrical" como sencillo del About time y un trabajo visual se lanzó para acompañarlo. El video publicado en el canal de YouTube de la banda fue realizado por Magnus Delborg, bajista de la banda, y en él podemos ver a los integrantes de Horisont como androides o seres robotizados entre viejos instrumentos que representan tecnología pasada, quizá analógica como el propio sonido del grupo. Bajo un estética vintage blanco y negro, observamos primeros planos sobre los brazos de las guitarras, permitiéndonos admirar las figuras del impresionante duelo entre Fender y Gibson hasta que un mono entra a la batalla y gana tocando su violín.

"Ella se ve azul cuando baja por la pista. Me toma ahí y me lleva de regreso. Toma los boletos si quieres viajar a través de la ciudad de lado a lado. Ella está a tiempo siendo lo que tiene que ser y sirviendo a su propósito. Se siente bien estar en su interior para perderse y ser transferido. La máquina corre sobre la línea mandando escalofríos por mi espina dorsal y sintiendo el ritmo en contra, pero ella te reconforta cuando todo cae porque ella es eléctrica. Ella conduce conectada a los cables del amor y en una sola dirección. Ella es eléctrica, pero incomprensible..."

Horisont está de regreso y sobre los escenarios, compartiendo su nuevo material y demostrando por qué son actualmente una de las mejores bandas suecas. Con About time, el grupo busca conquistar el resto del mundo y regresar la mirada a sus trabajos anteriores. Más allá de su sonido francamente revival, Horisont ha refrescado su estilo con la intención de no encasillarse como muchas otras agrupaciones terminan haciéndolo. Dejemos que el tiempo pase para que coloque este nuevo disco en su justa dimensión y que la banda nos muestre su verdadero potencial frente al público, lugar donde seguramente explotarán los amplificadores con el excelente rock que hacen y que fácilmente enamora...