Godsleep : recuperando el control de uno mismo

Ya en ocasiones anteriores habían desfilado por las líneas de Earthquaker distintas bandas de Grecia que utilizan al stoner y el rock desértico como medio para mover los tímpanos y explotarnos las neuronas. Desde la pequeña Chiliomodi tuvimos a 1000mods, desde la capital griega a Lord 13 y de la mítica Lamia a Out of the Earth. Ahora es momento de regresar los oídos al país helénico para disfrutar a otro de sus hijos pródigos: Godsleep.

Bajo la protección e imagen de Hipnos, deidad griega del sueño, cuatro jóvenes de Atenas formaron en 2010 una banda basada en el hard rock, el psych y el stoner, géneros que desde hace muchos años han tenido gran aceptación en el antiguo país; motivo por el cual ha sido sede de algunos festivales y ha recibido a varias bandas internacionales. A través de la grabación de Demo/EP de cuatro temas, el grupo comenzó a girar para darse a conocer y establecer su nombre en los distintos carteles y eventos.

Con el paso de los años, Kostas (vocales), Johnny (guitarra), Fed (bajo) y Dennis (batería) fueron estableciendo su estilo propio hasta ganarse su lugar en distintos festivales de Europa como los alemanes Aquamaria y Freak Valley, el Yellowstock de Bélgica o el Fuzztastic Planet Fest de Grecia. Esto les permitió alternar con distintas bandas reconocidas como Radio Moscow, The Vintage Caravan, Kadavar, Karma to Burn, Loney Kamel, Siena Root, Mars Red Sky y Limestone Whale.

En el verano de 2014, Godsleep se metió a grabar a los Shakti Studios lo que sería su álbum debut, el cual fue publicado hasta mayo de 2015 a través de Rock Freaks Records bajo el título de Thousand sons of sleep; material que fue masterizado por Bill Lagos y mezclado por George Leodis, quien trabajó como ingeniero de sonido en el Vultures de 1000mods (reseña-view). Para acompañar el gran sonido de la banda encapsulado en los siete temas del disco, una sorprendente ilustración realizada por Tessa Najjar de un imponente Hipnos nos jala al vista para terminar de despertar el deseo por escuchar lo que guarda en su interior.

Thousand sons of sleep es un álbum que viaja desde las oníricas "The call" y "Feel like home" hasta las estruendosas "Thirteen" y "This is mine", pasando por la especialmente abismal "I want you". Las guitarras quiebran cualquier cosa que se les ponga enfrente mientras el bajo crea un muro sonoro imposible de atravesar. La batería golpea con toda la fuerza mientras una áspera voz se escucha poderosa sobre todo el ruido y la saturación creadas por la banda.

Quizá el track más sencillo de digerir, a pesar de la fuerza y la distorsión que lo distingue, es "This is mine". Un riff de guitarra se abre paso a través de una hipnótica figura, misma que se repite hasta la intensidad que logran todos los instrumentos tocando al unísono. La desgarradora voz de Costas explota por las bocinas en preguntas y cuestionamientos hasta sacudirnos el alma y reclamar todo para sí mismo. Cada célula del cuerpo tiembla con cada rasgueo de las cuerdas, poder destructivo sin miramientos ni piedad, acordes que hieren y ponen en duda cualquier cosa.

"Tú dices que todo es muy bueno, tú dices lo que no se debe de hacer. Ha llegado el momento de elegir lo que es mejor para mí y así encontrar la libertad, ha llegado el momento de cambiar todo, hasta los recuerdos. Sepulto el pasado para ver la verdad. La luz al final del túnel es bastante clara ahora. Es momento de tener algo para mí, porque el tiempo pasa y arruina todo. ¿Qué está mal? ¿Qué es lo correcto? Tú no puedes decir nada, pero ésto es mío..."

Si lo capturado en el estudio de grabación los sorprendió, recibir la potencia de Godsleep debe ser completamente una locura. Sin embargo, para no quedarnos con las dudas, compartimos un video que muestra todo el poder de la banda interpretando en vivo su "This is mine". Estas imágenes fueron captadas en una de las presentaciones realizadas para el segundo aniversario del programa 2 Smoking Barrels Radio Show de los productores Harry Zervos y Kyriakos Palilis que se trasmite en Grecia a través de M-Word Radio.

Desde la publicación de su álbum debut, Godsleep no ha dejado de presentarse en cuanto escenario se le presente. A finales de 2016 compartieron escenarios con Brutus, Wedge, Lucifer, Valley of the Sun, Greenleaf, Fatso Jetson y Dopethrone, lo que nos habla del nivel que están obteniendo estos chicos de Atenas. Sin embargo, todos los que hemos quedados prendidos con el proyecto de esta banda deseamos que pronto presenten un nuevo disco... ojalá y 2017 nos dé esa sorpresa!!

Tourette Boys : criticando al poder desde los terrenos de Hipnos y Morfeo

Un buen día, inesperadamente un correo electrónico llegó a la bandeja con una solicitud. Entre las líneas se encontraba el link para escuchar una propuesta musical hecha en Alemania. Abiertos a todas las posibilidades que el maravilloso mundo de la música nos ofrece, pulsamos sobre la opción y nos encontramos con un blanco europeo de penacho sobre la cabeza y playera negra donde se puede leer Kaiser. Otro click más y una misteriosa melodía se escapa por las bocinas, atmosférico sonido que sorprende y nos hace preguntar quiénes son los culpables: Tourette Boys.

Bajo el nombre de un síndrome que refiere a un trastorno neurológico que se caracteriza por tics motores y vocales, tres jóvenes radicados en Dresden conformaron una banda desde 2012 que a partir de la magia del blues psicodélico creara lentos temas donde los densos ambientes dominaran y el alma escapara suavemente en el sopor de acordes hipnóticos. Benjamin Butter en las vocales y una guitarra, Paul-Willy Stojan en la otra guitarra y Conrad Brod en la batería iluminan la obscuridad de la noche con una tenue luz eléctrica que explota en una distorsión sonora que sacude las neuronas.

Tourette Boys tienen un sonido abismal, enigmático y etéreo. En una música que mezcla el blues electrificado más pantanoso que puede existir y la psicodelia más quimérica, el power trio nos sumerge en un denso paseo en el cual es fácil perderse. Bajo la influencia directa de bandas norteamericanas como The Flying Eyes y All Them Witches, los alemanes entran a los terrenos de los antiguos dioses Hipnos y Morfeo hasta un punto sin retorno, idea que inspira a su álbum debut, publicado de manera independiente en 2014.

Desde entonces, la banda se ha dado a la tarea de tocar por toda Alemania para dar a conocer su proyecto, además de publicar algunos materiales en compañía de otros músicos, como el Past con Tim Holehouse y Folter & strafe con Gaffa Ghandi. Durante el verano de 2015 se metieron a los estudios de grabación bajo el mando de Bernard Camelleri en Berlín para registrar lo que sería su segundo disco, el cual fue publicado hasta mayo de 2016 con el nombre de Kaiser, mismo que también ha sido editado de forma independiente. 

Con lo hecho en Point of no return, escuchar el Kaiser es avanzar un paso más allá al mundo onírico gracias a las atmósferas creadas, mismas que se vuelven tan pesadas que logran desprender los pies de la tierra de quien anima pisar en sus terrenos. A través de las seis extensas odas que conforman el disco, Tourette Boys nos muestran su gran calidad interpretativa, donde el sentimiento llega a lo más hondo del ser para sacar a flote aquello olvidado en las profundidades. 

Como primera prueba a este material, los alemanes nos ofrecen "Heirarchy", un tema de acordes impresionantes y aletargado ritmo, tal y como si se tratara del penar de un condenado a muerte que arrastra su grillete que tiene atado al tobillo. A través de la combinación de las guitarras eléctricas y la serie de efectos sonoros que las acompañan, la banda logra abarcar todo el espectro tonal que van desde los graves más profundos hasta los agudos necesario para delimitar la melodía. Cortejo fúnebre que acompaña a esta queja sobre el poder y la jerarquía que caracteriza a las sociedades en el mundo, una densa crítica a las diferencias que separan a los pueblos y enfrentan a los hermanos

"Una y otra y otra vez.. Yo no soy suyo y ni siquiera de su amigo. Soy más grande de lo que podrías ser y tú estás muy abajo como lo podrás ver. Por debajo intentas disimular, la tierra que defiendes está quemada. Te cansarás de lo que quieres ser y la gente comienza a sangrar fácilmente..."

Con un video realizado por Artourette/Foto Görner y presentado en abril de 2016 a través de su canal de YouTube, Tourette Boys promociona "Heirarchy". Dicho trabajo visual muestra diversos personajes enfermizos mientras el teclado que sirve de introducción al tema ahoga todo a su alrededor. Las guitarras comienzan su tétrico lamento y un baile de extraños personajes se presenta ante nuestros ojos. Locura y paranoia se pasean frente a la cámara mientras la sangre comienza correr sin control entre cadáveres y amplificadores, apocalíptica pesadilla que sencillamente podría confundirse con la realidad.

Este es el proyecto que nos comparte el trío alemán, que a través de sus paseos por los abismos muestra los horrores de la humanidad, pasajes obscuros que la distorsión del sonido hace temblar a su paso y sacude a fuerza de golpes certeros en la conciencia. Tourette Boys busca crecer más allá de lo que han logrado hasta este momento, pues dos discos propios y dos EP's compartidos apenas es el comienzo. Ya han tenido la oportunidad de alternar con gente del nivel de Siena Root, Naam y Black Lung, pero ellos saben que este es tan sólo el arranque. Si ustedes buscan un espeso viaje de guitarras impenetrables y batería colosal, no duden en escuchar Kaiser hasta quebrar su consistencia sólida y saborear lo que hay en su interior...

Fuzz Evil : rock desértico que quema al Sol

El árido desierto de Arizona se muestra ante nosotros con toda su majestuosidad, imponente territorio lleno de magia y misterio. Entre los secos matorrales podemos distinguir a una extraña criatura que infecta el deseo hasta mostrar sus malvadas intenciones. Las ásperas arenas se filtran por las bocinas hasta llegar a nuestros tímidos tímpanos develando así al demonio que intenta atraparnos con el poder de la distorsión que sacude a la propia tierra... aquí está para todos ustedes, Fuzz Evil.

En 2014 se formó un escandaloso trío en Sierra Vista, pequeño lugar cercano a la frontera que divide a México y Estados Unidos. Nuestro radar detectó al grupo gracias a la publicación de su homónimo disco debut lanzado en septiembre de 2016 por medio de la pequeña disquera Battleground Records. Al indagar un poco sobre ellos descubrimos un sencillo presentado en octubre de 2014 en compañia del dúo Chiefs y un single que salió a la luz en julio de 2015, así que ésto era un indicio de una banda con la ansiedad de compartir su proyecto.

Fuzz Evil nació de la inquietud de los hermanos Rudell de crear una banda basada en el poderoso efecto fuzz, aquella saturación sonora que hace vibrar lo emitido por los amplificadores hasta lograr una distorsión rasposa y áspera como si cada acorde se desgarrara en nuestros oídos. Wayne en la guitarra y Joseph en el bajo se unieron con el baterista Marlin Tuttle para construir un power trío que lograra explotar las bocinas por medio de su gusto por el stoner y el desert rock.

El disco debut de estos chicos de Arizona nos muestra una colección de seis crudos temas que van desde el más sincero tributo a bandas como Queens of the Stone Age, Truckfighters y Fuzz hasta los viajes lisérgicos bajo la escuela de Black Mountain donde los jammings nos dejan abandonados en el desierto a la mitad de una estrellada noche, sin contar la participación especial de Arthur Shay de la legenda desértica Unida. Si somos seguidores del género, con seguridad quedaremos prendidos de los cuarenta minutos que nos ofrece Fuzz Evil, pero si acaso somos de aquellos enamorados exigentes y ocasionales de las melodías pegajosas y los quebradizos ritmos, la banda nos ofrece varias canciones bajo dicha estética.

Precisamente es en este tenor que escogemos a "Killing the sun" como muestra de este álbum, venenoso tema que muerde como un monstruo de Gila para intoxicarnos y matarnos con su arenoso sonido. Un riff hipnótico nos golpea sin previo aviso para dejarnos desnudos ante la distorsión de los instrumentos bajo el calor asfixiante del desierto, galope eléctrico que no frena hasta levantar el vuelo y chocar contra el cosmos. Tal y como si fuéramos serpientes reptantes, la vibración instrumental recorre nuestro cuerpo para hacernos descubrir la potencia sonora que Fuzz Evil guarda en su interior, ruido intencionado que rompe con el silencio y satura al aburrido espectro que la música comercial ofrece, golpe directo al vacío a punta de guitarrazos pedregosos e hirientes.

La banda decidió lanzar a un mes de la publicación de este álbum un lyric-video de "Killing the sun" a través de su canal de YouTube, trabajo visual que fue editado por el propio bajista Joseph Rudell de la animación From destination Earth realizada por Sutherland Productions en 1956. Mientras podemos seguir las letras de la canción, tenemos la oportunidad de disfrutar de unos pequeños marcianos paseando por el sistema solar hasta llegar a nuestro planeta.

"Soportando el calor, estamos esquivando al Sol. Estamos quemando la escena y huyendo de ella. Cortamos la arena del desierto con los dientes y nuestro puño va mano a mano. Los ojos rojos desde lo borroso, estamos tomando nuestro tiempo para regresar a la sal de nuestro principio. No tenemos tiempo para llorar nuestra muerte, somos buitres volando sobre tu cabeza. Esto no significa comenzar una guerra, hemos visto nuestro día en el Sol y estamos listos. Estamos matando al Sol, lo pondremos en llamas hasta su caída..."

Sin embargo, las cosas han cambiado para Fuzz Evil. A pesar de estar girando por toda la costa oeste norteamericana a bordo de una camioneta alternando con bandas como Mountain Tamer, Slow Season, Mondo Drag, Lo-Pan, The Atomic Bitchwax, Ape Machine, Fu Manchu y Electric Citizen, los hermanos Rudell han cambiado de baterista, siendo en estos momentos Orgo Matínez quien se hace a cargo de los tambores del grupo. Sin lugar a dudas, la endemoniada distorsión tendrá que reconstruirse, pero su primer disco nos da muestras de los caminos que puede tomar una banda joven como ésta, misma que jamás abandonará la bandera del rock desértico y que, quizá, sólo se alimente de otros géneros y propuestas sonoras para complementar el espectacular combo que han logrado construir hasta el día de hoy.

Svartanatt : entre demonios, tigres y vintage sueco

Un tigre cornuto camina a través del manto obscuro de la noche mientras nos muestra sus fauces para intimidarnos y hacernos retroceder un paso hacia atrás. Al igual que el extraño ser, el demonio que todos tenemos en nuestro interior ruge para demostrar su poderío y tender nuevamente su trampa de tentación y pecado que irremediablemente nos llevará a la destrucción. Aquí está nuevamente la afrenta, un reto contra la débil alma que pelea todos los días contra sí misma...

Branca Studio nos regala de nuevo una hipnótica portada con la que nuestra atención es enganchada sin remedio, tentando así al deseo por saber que tesoro musical guarda en sus adentros. Así como lo hizo con las tapas para los discos de Honeymoon Disease, Dead Lord, Hypnos, Psychedelic Witchcraft, Duel, Beastmaker o Mountain Witch, ahora nos ofrece esta bella ilustración para la nueva sensación escandinava: Svartanatt. Bajo el sigilo que sólo un felino puede tener, esta banda llegó a los oídos del mundo para sacudir neuronas, arrasar con las recomendaciones de las distintas revistas especializadas y ser nominados al Gaffa-Priset como la mejor banda de rock sueco del 2016.

A través de The Sign Records, Svartanatt publicó en agosto de 2016 su disco debut, albúm que claramente bebe directamente de dos aguas distintas: por un lado el hard rock setentero de Uriah Heep, Hawkwind, Thin Lizzy y UFO que construyó las bases para el llamado New Wave of British Heavy Metal; y por el otro la herencia directa del mítico "Nicke" Andersson (con sus The Hellacopters y Imperial State Electric) y el hard rock vintage sueco, encontrando un punto intermedio desde las guitarras de Graveyard y Horisont hasta los teclados de Siena Root y los primeros discos de Greenleaf.

Esta banda originaria de Estocolmo se convirtió en la revelación del último año dentro de la fascinante escena retro de Suecia, pero a pesar de sus obvias referencias sonoras, logran construir un concepto propio donde los teclados atmosféricos y los riff de guitarra se entre mezclan para enamorar a cualquier buscador de rock vintage en el mundo. Sin embargo, no todo es una sorpresa, ya que las vocales y la guitarra corren por cuenta de Jani Lehtinen, quien formara parte de la distorsionada banda The Scrags.

Acompañando al viejo tigre sueco, cuatro felinos más se suman a los sonidos de la noche negra: Felix Gasste en la guitarra eléctrica, Mattias Holmström en el bajo, Daniel Heaster en la batería y Martin Borgh en el órgano. Una vez conformados como quinteto, Svartanatt se metió a los estudios de Slow Beat junto con Jonas Strömberg en la primavera de 2015 para grabar algunos temas, mismos que fueron mezclados por Konie Ehrencrona en el Studio of Cobra. De dichas sesiones, tan sólo tres temas quedaron plasmados en el disco debut: "Demon", "Dead mans alley" y "Secret of the Earth".

Los restantes seis temas del álbum fueron grabados posteriormente en SAE Institute Stockholm por Emil Drougge, sin contar con las voces y los teclados que fueron registrados en el Studio Marlux por el baterista de la banda. Finalmente, el disco fue mezclado por David Zackrisson en el Studio Famous, logrando unir el disco así como lo escuchamos en este momento, pero retrasando su lanzamiento. Sin embargo, "Demon" había sido lanzado como single a las redes electrónicas desde noviembre de 2015, creando una fuerte expectativa sobre la banda.

Dicha primera probada al primer disco de Svartanatt prepara el camino para lo que los suecos tienen como concepto musical, aunque quizá nos queda a deber la fuerza de los teclados que terminan siendo fundamentales para la banda. "Demon" es un tema de twin-guitars que nos inyectan una dosis letal con sus suaves figuras con la intención de voltear la mirada hacia uno mismo y revisar nuestros actos. La intensidad se eleva poco a poco hasta que nos vemos obligados a llevar el ritmo con los pies y agitar la cabeza. La batería juega con los tonos graves de sus tambores ante el fuego de un aquelarre interno, danza maligna que termina por explotar a través de un fundamental solo de guitarra.

En palabras de la propia banda, "Demon es un tema sobre un hombre, que tras haber encontrado el camino correcto, es libre de las tentaciones". La lírica de la canción habla sobre el intento por alejarse de la eterna lucha de la vida, bien y mal en un enfrentamiento constante que ahogan al ser humano en un mar de dudas y tentaciones. El libre albedrío del hombre termina siendo su propia condena, decisiones que poco a poco construyen su destino final.

Con un trabajo visual hecho por Vincent "Pussel" Widegren, Svartanatt presentó el video de "Demon" con la intención de hacer ruido alrededor de su nombre. El tema es adictivo sin lugar a dudas, pero el poder de la imagen termina por enganchar nuestra ansia por aquel vintage sueco que tanto nos gusta. Siluetas tras diversos fondos multicolores nos hipnotizan mientras la banda toca bajo su estética retro a blanco y negro. Barbas, bigotes y largas cabelleras se agitan al ritmo de la canción, una agitada persecución tras esos demonios internos que buscan hacer caer en los malos actos y perversos pensamientos.

Luego de escuchar el Svartanatt de principio a fin, los suecos logra resumir lo que ha sido el rock escandinavo en lo que va del nuevo siglo, un poco de recuerdo nostálgico de los sonidos pasados y otro poco de imaginación hacia los nuevos horizontes del futuro, lugares donde se coloca al hombre enfrentándose contra sus deseos, sus pensamientos y sus acciones. Indudablente, Svartanatt se coloca dentro de las grandes ligas de Suecia y su rock vintage, aquel que ha seducido al mundo y que sigue produciendo pequeñas joyas. Bajemos nuevamente la aguja sobre el vinil y desmenucemos poco a poco todos los secretos que esta maravilla guarda en sus surcos...

The Heavy Minds : bajo las aguas del hard blues psicodélico

La batería marca un ritmo y con él rompe el silencio que lo precedía. A lo lejos se escucha un conteo y el golpe de las guitarras inundan el horizonte sonoro con sus acordes ahogados en fuzz, riffs al unísono que en su cuerpo escoden la gravedad del bajo y la amplitud de los teclados. La pesadez de un duro blues electrificado cae sobre nosotros, uno que nos recuerda aquellos sonidos de finales de los años sesenta gracias a su mezcla con lo lisérgico de la psicodelia clásica y que desde hace algunos años ha resurgido para inundar el panorama auditivo del mundo. 

Encerrados durante varias semanas en algún sótano de Linz, Austria, un joven trío llamado The Heavy Minds se dio a la tarea de componer y grabar su álbum debut titulado Treasure coast con el que lograron sumarse ácido tsunami del hard psych y el rock vintage, por medio de siete alucinógenos temas que hacen cimbrar la tierra desde sus cimientos un nuevo power trío nos toma de la mano para llevarnos a un fuerte viaje sin retorno hasta las estrellas.

Europa central no pudo aguantar la tentación de crear música a partir de los sonidos retro del viejo rock del siglo pasado, y The Heavy Minds son un ejemplo de ello. Su primer disco publicado en julio de 2015 a través de StoneFree Records contiene todo lo que está sonando en el planeta desde hace algunos años, desde el hard blues sesentero de gente como The Yardbirds, Hendrix, Cream y Led Zeppelin hasta la distorsión psicodélica de garage que hacen las bandas norteamericanas como Radio Moscow y The Black Angels, pasando por los experimentos binaurales de The White Stripes, The Black Keys que han emulado los grupos brasileños The Red Boots, Muddy Brothers y Muñoz, así como de otras partes del mundo como The Bonnevilles de Irlanda del Norte.

The Heavy Minds se formó en 2013 por Chris Hofer en la batería, Tobias Hochwagen y Lukas Götzenberger en las guitarras eléctricas, siendo precisamente en la combinación de éstas la que crea el ambiente sonoro particular de la banda. La combinación de pedales y amplificadores recrean un ejército de sonidos que abarcan los graves del ritmo hasta los agudos de la melodía, acordes cósmicos que forman a su alrededor una atmósfera mágica de fuerte intensidad y luces multicolor.

El track inicial del Treasure coast fue utilizado por la banda como su primer single, perfecta carta de presentación que nos muestra la propuesta sonora de The Heavy Minds a través de los juegos en la tarola de Chris y la fuerza de la melodía que interpretan las guitarras eléctricas a una sola voz. Mientras los acordes graves del zurdo Tobias sostienen al tema, un mágico solo escapa de las manos de Lukas para acompañar sus ásperas cuerdas vocales. No hay bajo y no hay teclado, pero su fantasmagórica presencia se hace sentir para crear un muro sonoro infranqueable que muestra su poder en cada pausa de la lírica.

Así como el aura que desciende desde lo más alto según la portada del disco hecha por Thomas Gasperlmair de Aplacefortom, la luminosidad de "Rivers" aclara el camino que recorrerá la banda a través de la placa. La destreza de la batería muestra la implacable fuerza y ritmo del mismo, la combinación sonora de las guitarras que se levantan triunfantes ante el silencio nos preparan para el resto del material. Dulce psicodelia que utiliza al viejo blues eléctrico para explotar las neuronas en un frenesí de colores e imágenes que se conjuntan con la música y las metáforas de la lírica.

"Ella vino del río de los dioses, mi nena se ahoga en el río de los perros. El arte de la muerte es perverso, los forajidos huyen tristes. El cielo refleja la ira y todo el odio también..."

Junto con el lanzamiento del disco, The Heavy Minds publicó el video de "River", un trabajo visual realizado por Christian Fischer que muestra a la banda haciendo lo que mejor saber hacer: hacer ruido con sus instrumentos. Resguardados en el calor familiar de un desván bajo un techo de madera, el grupo enciende sus amplificadores para golpearnos con su aplanadora sónica que han creado con arduo trabajo, mismo que los ha llevado a tocar con gente como Blues Pills, Dead Meadow, Asteriod, Earthless y Limestone Whale, además de participar en el festival local de stoner Lake on Fire 2014 junto a los reconocidos Colour Haze, The Vintage Caravan, My Sleeping Karma, Stoned Jesus y Red Fang.

El escenario vintage ha sido robado por las bandas norteamericanas y suecas, aunque otros países de Europa, América y hasta Asia buscan un espacio propio a través de propuestas frescas, gran poder interpretativo e intrincadas letras que despierten el interés del público ante la creciente oferta. Sin lugar a dudas, The Heavy Minds es uno de esos grupos a los que debemos poner atención gracias a su calidad sonora, a su ingenio lírico y a sus temas infecciosos. Por lo pronto, hace algunos meses lanzaron como single el tema "Footpath to fortress", mismo que tan sólo hace despertar más el ansia de tener en los tímpanos el próximo disco de los austriacos... ojalá y sea pronto!!!

Muñoz : distorsión que queda entre hermanos

Hace varios meses escribíamos sobre el camino realizado por la banda brasileña Son of the Witch para llegar a la publicación de su abismal Thrones in the sky (reseña-review), y en dichas líneas se hablaba del apoyo realizado por la productora Abraxas quien los había llevado a alternar en septiembre de 2015 con Kadavar y dos bandas locales más: Monster Coyote y Muñoz. Ya con la espina clavada sobre lo que está ocurriendo con la escena independiente del país sudamericano, los oídos no han dejado vibrar con todo lo surgido desde la amazonia y el resto del territorio carioca, por lo que nos dimos a la tarea de investigar sobre una de estas bandas...

Abraxas a organizados diversos conciertos con Cattarse, Ruinas de Sade, Necro o Muddy Brothers, pero otra banda ha sido la encargada de abrir las presentaciones a gente del nivel de los norteamericanos Radio Moscow, los franceses Mars Red Sky, los suecos Truckfighters o The Vintage Caravan de Islandia. Unos cuantos click a través del océano de la internet nos llevó a lo creado por un par de hermanos originarios de Mineiros, Goiás alrededor del blues electrificado, el stoner y la psicodelia más cruda posible: Muñoz. 

Los hermanos Mauro y Samuel Fontoura formaron en el año 2012 a Muñoz cuando ellos radicaban en la ciudad de Uberlandia, en el estado brasileño de Minas Gerais. Inspirados para varios dúos que a partir del blues electrificado desarrollan su propio sonido como lo hecho por The White Stripes, The Black Keys o Royal Blood, diversas bandas brasileñas han creado sus proyectos musicales como The Red Boots y El Negro, donde la distorsión y el estruendo se convierten en un instrumento más para crear monstruos sonoros de gran calidad; pero al escuchar lo hecho por Muñoz sabemos que este par de músicos han construido su nombre con su esfuerzo propio.

Por medio del apoyo de las disqueras Chezz Records e Infrasound Records, Muñoz publicó en octubre de 2014 su álbum debut bajo el título de Nebula, disco grabado por Rafael Vaz en el Caverna Estúdio. Los ocho temas originales y el cover a Cactus que conforman el material discográfico son una muestra de lo que se puede hacer con arsenal de efectos de distorsión para una guitarra eléctrica, la fuerza bruta para golpear la batería y el sentimiento de un par de hermanos aferrados a explotarle las neuronas a quien se atreva poner un pie en sus terrenos. Sin piedad ni compasión, los Fontoura nos sorprenden por su gran imaginación y gran capacidad interpretativa que sin duda hacen temblar la tierra desde sus cimientos. 

El reptil ha mostrado sus fauces a través de las aguas obscuras del río de la distorsión y el efecto eléctrico, analógico lamento que se combina a la perfección con aquellas percusiones que siempre han acompañado al hombre. El ruido se llena de energía y en un solo rugido se hace escuchar para demostrar su poderosa presencia, sonido ensordecedor que guarda en su interior una melodía, un sentimiento de pesadez que encuentra su liberación en la explosión y el grito.

Sin prisa ni temor, Nebula nos sumerge en el blues pantanoso más distorsionado posible donde también se puede saborear el calor desértico del stoner californiano, permitiendo además que la acidez de la vieja psicodelia entre por las venas para llevar a un fuerte viaje lisérgico del cual será difícil salir. Desde el sosiego de la inaugural "Run" hasta la explosión sonora de "Snowball" pasando por el mágico blues lleno de slide guitar de "Change my ways", el álbum debut de Muñoz lleva al escucha por las diferentes posibilidades del ruido convertido en música gracias a la deformación del sonido eléctrico y el riff alterado

La primera muestra que Muñoz hizo pública de su Nebula fue "Hey ya", tema que no puede negar su origen en el blues más negro y que aprovecha el poder del eco y la reverberación para regalarnos una obra llena de intensidad. Riff directo que es acompañado por una batería sepulcral, marcha fúnebre que permite los vuelos de una guitarra ácida mientras juega con la melodía vocal, densa sonata que libera los demonios internos a través de su lamento.

"Una mujer me llama por mi nombre mientras dice que sabes toda la verdad. Ella lo lee todo en la mano, pero no tuvo nuevas noticias. Tú vives mientras yo miento. El techo cae sobre mi cabeza, el frío invade la habitación y el muro no esconde mi pena, tan sólo corta mi raíz..."

Con un trabajo visual realizado por Luiz Soufe y Sandrow Almeidan a través de Ancora Filmes, Muñoz promocionó "Hey ya" como sencillo de su primer material. El video nos recibe con el cadáver de una mujer tendido sobre el suelo mientras un hombre de sombrero y pala en mano cubre los restos humanos con una manta. El asesino decide tomar un relicario del pecho de la mujer, enciender otro cigarro y arrancar su auto deportivo para escapar de la escena del crimen. Un solo golpe en el rostro fue que el logró desprender la vida a la bella dama, ahora sólo queda el recuerdo del momento y el correr del carro por los polvorientos caminos. Un viaje ácido hace perder la noción al monstruo hasta que un golpe sobre el toldo hecho por un policía de caminos lo regresa a la realidad. El relicario delata los hechos sangrientos, pero la furia de una bestia de fuerte mordida logra la huida del criminal.

La erupción caótica que dieron origen a los sonidos que crearon a Nebula, con el paso del tiempo ha toma su cauce para conformar Smokestack, segundo disco de Muñoz publicado en septiembre de 2016 que bebe directamente del stoner del nuevo siglo. Sin embargo, el calor del fuego original regresa a nuestros oídos para degustar la potencia de una banda que comienza a tener nombre propio en su natal Brasil y que está logrando llamar la atención fuera de dichas fronteras gracias a su calidad sonora, fuerza interpretativa e imaginación creativa a las que no debemos dejar de poner atención...

Lucifer in the sky with diamonds : una nueva cuenta en el tiempo

¡Oh, qué gran problema es el tiempo! Para algunos pasa tan lento como un peso imposible de cargar  así como para otros se les escapa como agua entre las manos. La arena cae sobre el recipiente de cristal y todo se va quedando atrás, golpes de reloj que no cesan de caminar hacia el futuro. El hombre descubrió al monstruo que mide la duración de las cosas, dios implacable que es capaz de castrar al cielo para tener el control sobre todo. A su merced, la humanidad entrega su destino sin más remedio que el de esperar su propia muerte...

Cada año que inicia es una nueva oportunidad, que tras analizar todo aquello que ocurrió en el anterior, las expectativas plantean otro comienzo para alcanzar lo deseado. Pretexto humano, justificación sin sentido que orienta el rumbo de sus pasos, idea que intenta atrapar lo efímero de su existencia. Reflexiones que pasan sobre el tamiz de Lucifer in the Sky with Diamonds, agrupación originaria de Moscú, Rusia que hoy utilizamos para reiniciar la cuenta desde el cero original.

Esta banda nació en julio de 2010 como un proyecto paralelo de Igor Suvorov, guitarrista de la reconocida banda fuzz The Grand Astoria. El resto del grupo se conformó por el vocalista y guitarrista Oleg Sakharov, el bajista Ilya Gorokhvodatskiy y el baterista Ramis Cervantes quienes "diabolizaron" el clásico y polémico tema de The Beatles para dotarse de una personalidad propia que inmediatamente llama la atención.

Lucifer in the Sky with Diamonds es un grupo que utiliza las bases del stoner a la forma que dictaban los cánones del viejo rock desértico californiano de los años noventas y lo adereza con la potencia del metal del siglo XXI , por lo que nos remite directamente a lo hecho por gente como Queens of the Stone Age, Mastodon, Red Fang y Rage Against the Machine. Si estas influencias quedaran cortas para hablar de estos rusos, la banda utiliza como referencia sonora a Black Rebel Motorcycle Club si a ambientación ensordecedora se refiere. 

Para lograr dicho sonido, Lucifer in the Sky with Diamonds se metió a los estudios Destroy The Humanity para grabar siete temas que conformarían el The Shining One, álbum debut de la banda publicado en agosto de 2014. La mezcla y la masterización del material corrió a cargo del sueco Magnus Lindberg, quien ha trabajado con gente como sus compatriotas Cult of Luna y Black Trip, además de las españolas Lizzies. El resultado final es un poderoso disco que sabe tronar el sistema de audio de cualquier lugar, abismales instrumentaciones que ahogan todo a su alrededor y ensordedoras melodías que atrapan inmediatamente por su ritmo y poder.

Tras un estruendo que sirve de introducción al The Shining One, el disco se abre paso con la inicial "Counting time", track de marcado ritmo que marcha sin freno como los segundos, poderoso sonido de guitarras estridentes por su distorsión arrasadora que arrasan todo a su paso. La batería golpea sin piedad mientras el bajo le sigue a su lado, aunque iniciada la pieza, el ritmo se acelera para sentir una melodía inspirada en el stoner metal. Una muralla sonora se levanta frente a nosotros, implacable como el tiempo establece su peso para sumergirlo todo en su abismo...

"Demasiado tarde para irse, demasiado tarde para arrastrarse de regreso al agujero. Mantén tu cabeza agachada, éso es un buen intento para dejarles los ojos cerrados. ¿Por qué siempre requerimos una razón? No creo que estés solo, no hay necesidad de que escondas tu demonio interno. Cuando todo está bien nunca contamos el tiempo, pero una vez en la tormenta terminamos sin luz, sin brillo. Podemos esperar por siempre para tomar una decisión, siempre y cuando cada latido esté lleno de significado. No olvides de mantenerlo cerca de tu corazón, ya que nunca dejaremos de creer..."

La recepción del público y la crítica al The Shining One fue en general buena, aunque la difisi+on del mismo quizá no tuvo la fuerza que merecía. La banda tuvo la oportunidad de mostrar su trabajo junto a gente como Blood Ceremony y Red Fang, pero quizá hubiera sido bueno tener el apoyo de un trabajo visual que sirviera de plataforma. Sin embargo, la música por sí sola funciona y por ella hemos regresado las manecillas del reloj hacia atrás para recordarlos. Buscamos un poco para saber nuevas noticias de Lucifer in the Sky with Diamond tan sólo para enterarnos que Igor e Ilyan han abandonado el grupo, teniendo por el momento como nuevo guitarrista a Sergey Starykh. Nada permanece ante el paso del tiempo, tan sólo nos queda la fuerza del recuerdo para regresar a los instantes que la memoria no olvida...