Black Overdrive : sobre la delgada línea que separa al stoner del metal

Siempre ha existido gente picando piedra para que el hard rock tenga su espacio propio en México. Trabajando desde distintas trincheras, Iván Nieblas ha luchado contra viento y marea para establecer a la música como su forma de vida en un país lleno de prejuicios ante los guitarrazos, la mata larga y las playeras negras. Periodista, locutor de radio y miembro en diversos proyectos musicales, "El Patas" se estableció desde 2012 en Black Overdrive, banda que tiene en el stoner metal y el doom su bandera y que, tras cuatro años, comienza a recoger los frutos por su insistencia, su paciencia y su pasión.

Sin embargo, esta historia no sólo habla del rostro conocido de Black Overdrive, sino también de aquellos compañeros de guerra que desde el inicio de la banda han estado hombro a hombro, desde los primeros ensayos, desde las primeras tocadas, desde la publicación del demo en noviembre de 2012 y desde la presentación del Discord en febrero de 2015. René Villanueva en la guitarra, JC Pintor en la batería y Ángel Castillo en el bajo completan la formación de una de las pocas bandas mexicanas que se han decidido a subirle a los decibeles, apretar el pedal de distorsión y romper tímpanos.

Tras su paso por bandas tan distintas como los thrasheros Obliteration hasta el hard core de 34-D, pasando por la psicodelia pesada de El Diablo, Iván Nieblas anduvo de banda en banda como judío errante. No fue hasta marzo de 2012 cuando terminó por cuajar un grupo donde pudiera sentirse cómodo con el sonido hasta lograr construir cosas poderosas a través del stoner mezclado con algunos pasajes del metal clásico y algunos pinceladas del doom setentero. Sin lugar a dudas, el concepto sonoro del grupo nació de los antecedentes del resto de sus integrantes: Ángel y JC Pintor venían del hard rock de Dirty Woman y René del thrash/death de Shredding Consequence.

Aún sin un nombre definido, la banda armó varios temas propios y con el afán de mostrarlos al público lo más pronto posible. Fue así que tuvieron la oportunidad de abrir a Maligno a finales de agosto de 2012, pero con la urgencia de encontrar su identidad bajo algún apelativo. Bajo el manto sagrado de Black Overdrive, el bautizo de fuego se realizó en el viejo salón Bolívar, instante desde el cual los cuatro integrantes sabrían que este proyecto sería el definitivo.

Tras la fugaz presentación, la banda empezó a mover su homónimo Demo/EP con la intención de hacer ruido en el medio y comenzar a ganar espacios en el limitado circuito de México. Tal fue la respuesta del público, que Black Overdrive comenzó a tener distintas propuestas para presentarse hasta que tuvieron su primer prueba de fuego en el Festival Hell & Heaven de mayo de 2013 en Guadalajara y como banda telonera de Corrosion of Conformity en agosto de dicho año, festejando así un año de su primer tocada.

Gracias a dichas presentaciones, las oportunidades fueron cayendo a sus manos poco a poco, logrando también ser abridores de Spiritual Beggars y Black Tusk hasta establecerse como una de las mejores (quizá de las únicas) propuestas de stoner metal en México. Sin embargo, la ansiedad por tener un material bien grabado creció hasta que todo fue cumplido: en febrero de 2015 se presentó en las plataformas electrónicas de Bandcamp y Itunes su álbum debut bajo el título de Discord.

Bajo la producción de Oswaldo "Oz" Blanco, guitarrista de Calvaria, Arkhe y Lust, la banda se metió a los estudios de grabación para construir lo que sería su primera placa, misma que sería publicada en formato físico varios meses después a través de OZ Music. Acompañado de la mágica ilustración de los simétricos cráneos cornudos de Mike Sandoval, Discord nos ofrecía nueve destructores temas que forman parte del repertorio de Black Overdrive desde hacía mucho tiempo que al fin tenían un soporte para ser escuchados una y otra vez al calor de un buen estudio y un bien trabajado sonido.

Para que podamos tener una clara idea de la evolución de la banda y el trabajo de estudio realizado por "Oz", les compartimos "Soulless", tema que formó parte del demo de 2012 y que alcanza su clímax en el Discord. La batería golpea un ritmo tribal que invoca a los seres de la noche, pero todo se hace realizad cuando aquel bajo lleno de fuzz y wah se derrite en nuestros oídos. Sin más, dos golpes de guitarra rompen con el plano para abrir paso a un riff hiriente y asesino que en sus notas entrecortadas ofrece cabida a una voz directa y sin recelo.

"Tú piensas que eres el fuego que crece y hace que el mundo explote. Piensas que eres genial pero eres un imbécil para mí. Sombra de un sueño, huyes del rostro del enemigo que se vuelve invencible. Tú me vendes tu mierda sin alma, pues bien, te la regreso porque yo camino libre sobre un sendero por el que van algunos elegidos..."

El paso fue dado, pero ahora todo un largo camino por recorrer. Tras la presentación de Discord, Black Overdrive está de nuevo sobre los escenarios para mostrar lo que saben hacer. Gracias a su debut, la banda ha tenido la oportunidad de ser escuchada por más gente, además de ser saboreada por aquellos que sólo tuvimos la oportunidad de oírlos en vivo. Sin duda vendrán nuevas cosas, así que por lo pronto sólo nos queda esperar, coincidir con ellos en algún evento, ponerle nuevamente play al disco y calentar motores para verlos abrir a Radio Moscow en el Foro Indie Rocks de la Ciudad de México a principios de noviembre de 2016.

As de Oros : entre la leyenda de un caballo y el blues sucio

Tras la traición que sufrió el caudillo mexicano Emiliano Zapata al ser emboscado y asesinado en una hacienda abandonada, la leyenda cuenta que su caballo herido siguió andando hasta la que fuera la guarida del revolucionario. Alguien quiso atraparlo, pero el animal escapó para jamás ser visto nuevamente. A partir de esta historia, una pareja chilena retomó el nombre del equino para forjarse de un ideal y dotarse de una identidad que fuera traducida como rebeldía, libertad y perseverancia... Para todos ustedes, As de Oros.

Una guitarra distorsionada y una batería como únicas armas, reducción mínima para crear un rock crudo que confiese el amor por las raíces del blues y la suciedad del garage. Cuerdas y tambores que se desgarran hasta delatar su pasión por las mujeres, el alcohol y la noche. La brújula marca hacia el sur del sur donde el continente se convierte en un estrecho hasta llamarse Antártica, bajo el cielo de la Patagonia chilena nace una banda aferrada a lo básico y Punta Arenas se vuelve su base de operaciones.

Lo acústico y lo natural cedió el paso hacia lo enchufado y lo citadino, obvia transformación que llevó al blues negro a electrificarse, a abandonar los campos de algodón para refugiarse en las fábricas de manufactura. Este fue el mismo paso que llevó a Carlos Díaz a dejar la guitarra de madera por una eléctrica llena de pedales y a Ariel Torres por cambiar su cajón peruano por la batería y los platillos. Ahora ha quedado lejano aquel octubre de 2012 cuando decidieron hacer un proyecto alternativo al que tenían originalmente con la banda de rock y folclore Volantín de Acuarela, para llegar hasta el día de hoy cuando tienen un concepto bien establecido y, a punta de música grasosa llena de tabúes y deseos carnales, han construido una legión de fanáticos que caemos rendidos a su fuerza, a su sentimiento y a su pasión.

Las comparaciones se hacen obligatorias si a un dúo que mezcla el blues y el rock nos referimos. A la mente nos llegan los nombres de The White Stripes y The Black Keys, pero el caso de As de Oros es digno de frenar y escuchar con calma más allá de referencias sonoras. Los chilenos regresan a lo más fundamental hasta reducir sus composiciones a melodías básicas, que de no ser por la mediación eléctrica, podríamos calificar de rústicas; pero es quizá por esta cualidad elemental, que cada riff y cada ritmo son un anzuelo para las almas descarriadas y los cuerpos sedientos.

Luego de presentar un demo y un compilado, la pareja publicó de manera independiente en octubre de 2015 su álbum debut El negro, el blanco y el diablo, un disco que no frena un segundo hasta exprimir hasta el último pecado de nuestra vida mundana. La tentación sirve como sentimiento que orienta las acciones del ser humano, es inspiración y guía por una camino lleno de sexo, vicio y rebeldía. Dios nos regala el libre albedrío y el demonio nos ofrece el fruto prohibido, la música nos seduce hasta romper las cadenas y permitir que todo lo que oculta la noche ocurra sin límite ni freno.

Ante la avalancha de propuestas que nos llega día tras día a través de la vorágine electrónica, la suerte nos ha llevado a encontrarnos con este disco de As de Oros por medio de la disquera de Sergio Chotsourian, South American Sludge Records, quien lo rescató y lo incluyó en su catálogo para promocionarlo hasta que llegue a más oídos. Podríamos esperar que el colectivo argentino se podría dedicar exclusivamente hacia el stoner, el hard rock, el doom y el metal, pero S.A.S. se ha abierto a todas las posibilidades y la inclusión de los chilenos es un ejemplo de ello.

Entre motocicletas, choques de botellas y gemidos, en El negro, el blanco y el diablo podemos escuchar frases memorables como "lo cierto es que no puedo recordar por qué está todo mal, mala mezcla de pastillas con licor" o "¡cómo quisiera abrir tus piernas para darte mi calor!", pero nuestro tímpano queda anclado al estribillo que abre el disco: "A buey viejo, pasto tierno!".

"Pasto tierno" desde la página de Bandcamp de As de Oros:
https://asdeoros.bandcamp.com/album/el-negro-el-blanco-y-el-diablo

En una bocina se escucha un diálogo arrancado de alguna película chilena y en la otra un juego de tambores que ofrece una base rítmica a un riff de guitarra slide. La melodía explota para sumergirnos en un hard blues de gran fuerza ideal para atrapar la atención y quedarse clavado con el resto de la placa. De la distorsión surge la voz de Carlos para contarnos la historia de un ganador, de un tipo al que el paso de los años le ha llegado; pero antes de dejarse vencer, un cambio radical a su vida terminó siendo la mejor decisión que podría tomar: un barrio de clase alta, un auto mejor y buen sexo. Con la sentencia "el diablo si existe" al término del tema, todo nos queda más claro: siempre en el cambio, en la encrucijada, en la bifurcación de caminos está la tentación, la maldad y la posibilidad de estar mejor...

Para darnos una mejor idea de cómo suenan los As de Oros, compartimos un video realizado por Factoría Parlante, una agencia de Punta Arenas que difunde la obra de los músicos de Magallanes y la Antártica Chilena, mostrándonos su áspero clima y la calidad del blues sucio de esta banda. Algunos copos de nieve cubre el pasto de la campiña chilena, pero el sol llega para reverdecer la naturaleza y ofrecer nuevos retoños a los viejos enamorados del rock crudo de letras hirientes.

Las riendas de este caballo están sueltas. Este desbocado equino recorre viejos caminos para encontrar nuevos horizontes, otras posibilidades que la libertad muestra al arriesgado, al descontrolado, al loco. La guitarra y la batería sirven de pretexto, de compañeros y de pasaporte a un par de chicos del otro extremo del continente que han logrado llegar hasta nuestros tímpanos ansiosos de rock salvaje y desenfrenado. Con las cadenas rotas, As de Oros recorre aquella senda olvidada del blues, una que ha sido alimentada por el rayo eléctrico para potenciar su sonido sin perder el sentimiento, la ironía y la suciedad.

The Old Red Wines : sumergiendo neuronas en ácido

La aguja cae sobre el vinil y aquella sustancia multicolor es inyectada al cuerpo, empujamos el émbolo y música entra por las venas creando a su paso un juego de imágenes caleidoscópicas y sonidos místicos que logran crear un viaje ácido del que será difícil salir. La percepción se distorsiona y distintas dimensiones abren sus puertas hacia nuevas experiencias y universos desconocidos, múltiples posibilidades se posan ante los sentidos hasta que la mente fluye hacia su propio interior...

Si hablamos sobre sustancias psicotrópicas, México tiene muchas cosas qué decir (hongos, ácidos, pastillas, etc.), pero cuando queremos abordar su efecto en la creación artística y su influencia directa en el rock, quizá nos podamos quedar muy cortos. Nuestra ansiedad por encontrar bandas que beban directamente del viejo rock psicodélico y de los nuevos intentos sonoros nos hacen encontrar satisfacción en bandas norteamericanas y europeas. Sin embargo, rascamos entre los escombros de la escena independiente y encontramos un lisérgico tesoro: The Old Red Wines.

Su historia comienza en el año de 2007 en la Ciudad de México cuando Paolo Martínez y Augusto del Ángel comenzaron a tocar en un proyecto que pudiera desarrollar su pasión por la música vintage de finales de los sesentas y principios de los setentas (Old) pero que a la vez mostrara el gusto selecto por la buena música (como los buenos vinos), aquella de buena interpretación y gran calidad melódica. Bajo esta idea nace el nombre de la banda y comienza su andar por el duro camino de la música original en este país.

No fue sino hasta 2012 que se unen Germán González y Aldo Cruz Mancilla, quienes al terminar su proyecto propio, fueron invitados por los guitarristas de The Old Red Wines para terminar de definir su idea musical. Las ideas coincidieron y se desarrollaron con el paso del tiempo, los ensayos y el jamming hasta que la banda tuvo la oportunidad de publicar su álbum debut Piel reptil en abril de 2015 a través de Tecolote Records. 

Al material que finalmente pudo ver la luz consiste en diez temas bastante masticados por el cuarteto que sólo fueron plasmados en una placa ya solicitada por el público. Sin embargo, el disco abrió las posibilidades para que fueran conocidos más allá de las fronteras mexicanas, comenzando a recibir elogios de distintas personas de diferentes idiomas. Pero más allá de lo logrado en el extranjero, el grupo tenía la oportunidad con el disco editado para establecerse en el pequeño circuito de la Ciudad de México y comenzar a salir a provincia.

Quizá su fórmula sea sencilla, pero lo logrado es una elixir para los amantes de los fuertes viajes sonoros, los paisajes psicodélicos y la improvisación onírica como fuente de inspiración. Las influencias podrán ser obvias, pero ellos no dudan en citarlas: de los clásicos el Pink Floyd cósmico, los apocalípticos The Doors, el Hendrix de Woodstock y el Zeppelin nacido del blues electrificado, y de las bandas recientes están Black Rebel Motorcycle Club, Dead Meadow, Tame Impala, Radio Moscow, Black Angels y Brian Jonestown Massacre.

Como primer golpe al Piel reptil, The Old Red Wines nos ofrecen "Horizonte", tema de riff seco que es endulcolorado por un teclado retro que trae consigo atmósferas pasadas. El efecto sonoro sobre la voz nos arroja a barrancos desconocidos que terminan obscureciéndose con un fuerte viaje de improvisación que recuerda el "Whola Lotta Love" de Led Zeppelin, que en sus remates dados para salir a respirar de sus aguas profundas, termina por confesar la sospecha. Los pies despegan de la tierra para impactarse sin remedio contras las estrellas, lo que nos hace entender que estamos fuera de este mundo. 

"Una mordida al peyote, una dosis suministrada directamente a torrente sanguíneo, una pastilla pasando por la garganta. El cuerpo sigue de pie pero todo comienza a tornarse confuso. Las horas pasan volando y el viaje comienza a mostrar sus síntomas. No hay miedo, el cuerpo se ha soltado y ahora es el momento de que la mente escape sin freno. Intentamos perseguir al conejo blanco pero el suelo desaparece, los pies no encuentran soporte y caemos sin remedio por una espiral. Las luces relampaguean sin pausa y lo único que deseamos es correr hasta aquel horizonte que se deja ver..." 

Para acompañar el lanzamiento del disco, la banda presentó el video de "Horizonte", trabajo realizado por Marco García de Cargo Collective. En las imágenes que acompañan al ácido track podemos alcanzar a ver paisajes, autopistas, austronautas y antiguos ancestros entre juegos de simetrías y caleidoscopios clavados en la estética de la vieja psicodelia. Tras el vértigo multicolor, la mente abandona al cuerpo hasta quedar suspendido en el cosmos, no hay regreso y no hay final.              

El primer paso ha sido realizado: estamos sacudidos ante el fuerte viaje y todo a quedado plasmado en un soporte. Tras el logro alcanzado, The Old Red Wines busca nuevos caminos. Quizá este país no esté preparado para asimilar la acidez provocada por su música y la opción está en encontrar nuevos públicos más afines a dichos sonidos. Un nuevo disco se está cocinando y muy pronto tendremos nuevos sueños por dónde volar, aunque este momento puede ser el instante para no aflojar y mantener la intención de llegar a más oídos. Hoy nos hemos volado la cabeza con "Horizonte", pero ahora es nuestro turno de invitarlos a caer por su espiral y que, junto con nosotros, aguarden la nueva dosis que nos depara The Old Red Wines y, ¿por qué no?, preparar el terreno para crear una escena psicodélica en la ciudad más grande del mundo...

Death Plays Guitar o las tentaciones del demonio en el desierto

La imagen de la muerte tocando una guitarra quizá podría formar parte del mundo de los sueños, pero con el paso del tiempo, esta idea onírica se convirtió en una banda de rock que desde 2014 no ha dejado de tronar bocinas. Ahora Death Plays Guitar es un power trío que a partir de las guitarras distorsionadas del stoner ha logrado construir poderosos temas que llenan de arena a la escena independiente en México.

Luego de aquel extraño sueño de Bryan Rafaello, el guitarrista se dio a la tarea de crear un proyecto donde pudiera expresar sus gustos musicales a través de canciones propias. Aludiendo a aquellos virtuosos tríos nacidos del hard blues de finales de los sesentas, la banda se conformó con otros viejos conocidos de la escena underground de Guadalajara, Jalisco: el baterista Ciego Sevilla (quien grabara con Caníbales el Doom blues) y el bajista Themo Alonso "King Morla" (quien formara parte de The Mia Zapata). Ahora tenemos aquí algunas palabras sobre una de las bandas con mayor futuro que es obligatorio que conozcamos...

Tras ensayos llenos de cerveza y algunas sustancias prohibidas, la inspiración llegó a la banda hasta que terminaron canciones bien construídas, bueno... así lo dicen ellos. Por lo pronto, Deal at yard sale salió a la luz en julio de 2014 para mostrarnos parte de esas sesiones de composición. Con tan solo dos temas, Death Plays Guitar nos pudo mostrar el camino que deseaban seguir: guitarras de fuertes riffs con una influencia que mezclaba el stoner con el grunge, sonidos clásicos del rock alternativo de los noventas. 

El sonido que buscaba la banda fue logrado gracias a las grabaciones de Gerardo González y el trabajo de masterización hecha por Arthur Seay, guitarrista de Unida, banda de rock desértico creada por John García tras la disolución de Kyuss y el frustrado proyecto de Slo Burn. El contacto para trabajar con Seay se había logrado gracias a sus colaboraciones con The Mia Zapata y Caníbales, asegurando que se interesara por el proyecto de Death Plays Guitar.

Con las expectativas altas sobre sus hombros, Death Plays Guitar publicó en mayo de 2015 Double barrel, material distribuido por Loud Slow and Distorted Riffs (LSDR Records) y conformado por cuatro temas que hacen confluir los sonidos desérticos y la acidez del hard rock setentero, logrando ampliar las posibilidades musicales de la banda. La grabación y la mezcla del EP fue realizada en Punto B Studio por Ugo Armando Muñoz, bajista de Disidente, quien pudo imprimir en las cintas todo el poder del grupo, mismas que fueron coronadas con la masterización hechas por el propio King Morla.

Con la ilustración hecha por BizerArt, la portad de Double barrel nos ofrece un paisaje desértico dominado por un armadillo que de su hocico nace un rifle de doble cañón. El juego de planos nos ofrece una espectacular profundidad al dibujo, permitiendo a quien la  mira internarse en él y descubrir a lo lejos un OVNI totalmente fuera de contexto, una sorpresa igual a la generada con el nuevo sonido que Death Plays Guitar nos ofrece en comparación a su EP anterior.

Pulsamos el botón de play y una voz distorsionada nos recibe... ¿acaso será el propio diablo que nos llama desde sus aposentos? Sin embargo, su voz no se escucha tenebrosa ni maligna, todo parece indicar de que el señor de los infiernos se encuentra de buen humor. Se ha puesto una guitarra al hombro y nos regala un hard blues acelerado que al calor del desierto tan solo busca hacernos perder la razón. El demonio intenta tentarnos nuevamente con el pecado, pero ahora entre sus manos está la música infecciosa llena de adrenalina y agua fresca para nuestros oídos. En esta ocasión, él no volverá a perder...

Un riff descendente nos obliga a bajar, a reptar cual serpiente sobre la arena, a tocar las puertas del infierno para preguntar quién demonios es quien toca con aquella intensidad. Un rock desértico nos hace mover la mata de manera irremediable, y ahora entregados al ritmo infernal, será el momento de entregar el alma sin esperar nada más a cambio. 

Para complementar la promoción de este material, Death Plays Guitar realizó un video para "Devil plays guitar", primer track del Double barrel, de la mano de Adrian Moreno. En dichas imágenes podemos observar algunas viejas animaciones infantiles a blanco y negro mezcladas con escenas de la banda tocando en su cuarto de ensayo y en su presentación en vivo cuando le abrieron a After the fal en el Foro Independencia; en pocas palabras, una muestra de la energía de Death Plays Guitar sobre el escenario. Una playera a la Kurt Cobain y otra con el mítico Heinsenberg de Breaking Bad, una pared graffiteada con el nombre del grupo y un power trío a todo galope.

Quizá los Death Plays Guitar vendieron su alma al diablo en un cruce olvidado de caminos, o quizá tan sólo lograron sintetizar la energía del stoner, el grunge y el hard blues. Ahora alternan con gente como The Wizard, Bloodstone, Caníbales y Pirámide de México así como con la leyenda punk Marky Ramone. Lo único de lo que podemos estar seguros es que son una realidad, una cruda y distorsionada verdad que nos golpea al rostro sin piedad. Ponemos la otra mejilla esperando la siguiente bofetada, quizá la definitiva, a lo mejor esa que logre que todas las miradas y los oídos volteen a uno de los mejores proyectos que tiene México.

Truckfighters o cómo escuchar a una aplanadora en vivo

Para saber realmente lo que tiene una banda es necesario escucharla en vivo, alejada del calor de estudio y de las capas de efectos, mezcla y producción. En directo podemos saber si un grupo tiene la capacidad musical e interpretativa que fue presumida en el disco, sobre el escenario podemos observar las habilidades y la destreza de los intérpretes. Bajo un mismo techo, artista y público se retro-alimentan  y se convierten en uno mismo, logrando así que la intensidad y la sensación única de estar vivos formen un papel importante dentro de la canción...

Pues ahora son los suecos de Truckfighters quienes decidieron lanzarse al ruedo al publicar a través de Fuzzorama Records un disco con su presentación en el O2 Academy Islington del 14 de noviembre de 2014, mismo que formó parte de la gira de promoción del Universe. Aprovechando las condiciones de un lugar íntimo y de buena acústica, el grupo grabó el evento que ha sido publicado en este 2016 bajo el pretexto de los 15 años de la formación de la banda. Para todos ustedes, aquí está Live in London...

Örebro vio nacer en 2001 a Truckfighters al unirse el bajista y vocalista Oskar "Ozo" Cedermalm y el guitarrista Niklas "Dango" Källgren para crear un proyecto donde el fuzz fuera el único protagonista. Influenciados por su adicción al stoner en su versión californiana, este par de locos crearon a la mejor banda del género en Europa, aunque en palabras de propio Josh Homme, ellos son "la mejor banda que haya existido". Sin embargo, para consolidar su identificable sonido, hemos visto pasar un desfile de bateristas con el paso de los años, desde  Andreas "Paco"von Ahn hasta Daniel "El Danno" Israelsson, pasando por Andre "Poncho" Kvarnström quien ahora está con Blues Pills. Para la gira de Universe, el encargado de los tambores fue Axel "Enzo" Larsson, por lo que es él quien firma la grabación del Live in London.

El track que cierra esta celebración enlatada es precisamente el primer éxito de la banda, un tema presentado en su primer EP y que se convertiría con el paso de los años en la canción obligada en cada concierto: "Desert cruiser". Su riff inicial es una tributo al fuzz, una serie de notas que aprovechan la vibración y el eco para hacer temblar las bocinas. El bajo acompaña el ataque mientras la batería golpea sin cesar como si de una máquina se tratara.

La arena caliente del desierto vuela al paso del crucero, un bólido sin freno que transporta a un orgulloso piloto en su interior. Un Mustang '68 corre por la olvidada autopista mientras los litros de whisky mitigan la ardiente sed. El viaje se hace fuerte que todo comienza a transformarse, la velocidad es tan alta que las llantas han dejado el suelo. La hermosa chica que está en el asiento de atrás tan sólo se recuesta para disfrutar la travesía, un paseo que la llevará hasta las estrellas.

El feedback de la guitarra eléctrica llena toda la sala. El sudor sobre la piel anuncia que el concierto se está acercando al final, pero aún queda una as bajo la manga, una última carta para apostarlo todo. Un hombre con su instrumento al hombre y un short de camuflaje se muestra ante el público, así que sabemos que viene el momento cumbre, el clímax de la presentación. Los asistentes exclaman al unísono, han reconocido el riff y se preparan para saltar, este es el momento para soltarlo todo y abandonar el alma con la banda que han venido a escuchar.

"Desert cruise" se escucha en los altavoces, Dango brinca como loco por el escenario y Ozo se acerca al micrófono para recitar la épica frase inicial de la rola I'm out cruising in the desert... it feels so fucking great!. Mientras el bajo y la batería aceleran el paso, Dango se hinca para agradecer al Dios Fuzz por los favores recibidos y sacrifica su arma en honor de los presentes. La intensidad sube hasta el cielo, los instrumentos en el suelo y todos los presentes sabemos que hemos formado parte de un momento sublime...

Tras la euforia por escuchar un material tan lleno de energía, todos los amantes del stoner podemos estar satisfechos de tener esta fiesta al alcance de nuestras manos. Sin embrago, esto no es todo afortunadamente. Truckfighters nos han sorprendido con el anuncio de V, el quinto disco de estudio de la banda que verá la luz el 30 de octubre de 2016. "Calm before the strom" ya está girando en las diferentes plataformas electrónicas musicales, pieza que en su nombre podemos imaginar su atmósfera, quizá ideal tras la explosión que fue Live in London.

Necro : la obscura redención del occult rock brasileño

Maceió es un hermoso lugar brasileño enfrente a las costas del océano Atlántico, un paraíso en las aguas, una ciudad con bellas playas que enamoran a los turistas. Sin embargo, una densa nube se ha posado sobre el lugar, la obscuridad ha tendido su negro manto sobre las cálidas calles urbanas hasta bajar la temperatura idéntica a la que se siente en las criptas abandonadas. La noche toma posesión y todos los seres que huyen del ardiente sol salen bajo la protección de las tinieblas.

Una de esas criaturas nocturnas es Necro, banda vintage que encuentra en hard rock setentero su principal fuente de inspiración. Trío de  bestias indomables que utilizan algunas pizcas de aquel incipiente doom que el heavy metal dió origen, algunos instantes de pesada psicodelia en su faceta pesada y un poco de progresivo tomado de los clásicos maestros. 

Los primeros pasos de Necro se dieron en el 2009 cuando Pedro Ivo Salvador y Lillian Lessa se juntaron para tocar y componer su propio material a través de su gusto musical coincidente. Desde entonces, instrumentos y voces han sido compartidos por la pareja hasta el día de hoy, aunque desde hace muchos años han encontrado en la batería de Thiago Alef al cómplice perfecto para sus viajes musicales. 

Aunque podríamos entender que el nombre de la banda nace de color negro y su obvia referencia hacia la obscuridad y todo lo que ocurre en ella, Necro se refiere más a un reducción o diminutivo de Necronomicón, aquel mágico libro imaginado por H.P. Lovecraft que contenía viejos saberes sobre los poderes ocultos, la muerte y lo sobrenatural. Ahora el terrible texto se convertiría en un grupo que hablaría sobre la muerte, ritos profanos y encuentros místicos. Con la noche como telón de fondo, escuchamos los relatos sacados del tétrico libro hasta que caemos rendidos a sus pies.

La banda presentó en octubre de 2012 su álbum debut titulado The queen of death (descarga libre desde Bandcamp), material que muestra las negras intenciones de la banda pero que queda a deber en su producción. Sin embargo, para septiembre de 2014 Necro publicó su segunda obra, disco de título homónimo que abre las puertas del más allá para mostrarnos la obscuridad, la muerte y lo oculto. Sus seis temas nos llevan por los caminos del mal gracias a su sonido vintage que infecta al momento de entrar por las venas.

Entre criaturas salidas del pantano, aves rapaces que graznan a la mitad de la noche, pentagramas, hechiceras y cráneos, rescatamos a un gato negro que le canta a la obscuridad total. "Dark redemption" fue lanzada como single en mayo de 2014, una primera mordida al Necro con la intención de saborear lo que tendría el material. Acordes de guitarra resbalan por el mástil para marcar una melodía que sin duda un bajo Rickenbacker persigue con su grave sonido que se arrastra por el suelo. La batería mantiene el ritmo y a la vez abre paso para que la voz de Lillian nos hable sobre el poder de la noche, la sangre ofrecida en un sacrificio ritual y la muerte como solución.

"No tenemos tiempo para pelear esta noche. La sombra de la locura nos hará llorar. El ritual va a comenzar, no tardes, no hay escapatoria de la rabia mística . Estamos el templo de piedra que es tan viejo como la Tierra. La puesta del sol ha llegado, la noche se acerca y las estrellas se han alineado para nuestro propósito. Yo creo que esta noche puede salvar al mundo. Tú podrías decir que estoy loco. Yo puedo ver el pasado y el futuro, todo está dentro de esta piedra. Aquí está la verdadera revelación: estoy esperando la ascensión de los viejos elegidos. ¿Puedes ver a los emancipadores? ¿Has visto al ojo eléctrico mirando a través de las puertas del cielo? Este es el preludio de nuestra salvación, entremos a la obscura redención y adoremos la muerte: ésa es la solución..."

El tiempo ha pasado luego de que el trío brasileño se haya entregado a los poderes ocultos. Sus canciones cruzaron el universo y se alojaron en las neuronas de nuestros cerebros. El eco de sus melodías sigue chocando incesantemente sin permitir que el sonido se pierda en el silencio. Sin embargo, nuevos acordes se están dejando escuchar, nuevas odas se han compuesto para acompañar a aquellas que le cantaron a la muerte. Necro está preparando un nuevo disco y desde hace unos días podemos escuchar uno de los temas que lo conformarán. El terreno está preparado para un nuevo temblor, el paraíso se está nublando nuevamente y tan sólo queda esperar que la noche vuelva a tomar el control...

"Deuses suicidas", nuevo single de Necro desde su página de Bandcamp:
http://necronomicon.bandcamp.com/album/deuses-suicidas-single

ZED no está muerto, nena... ZED no está muerto

Al escribir Zed inmediatamente nos viene a la mente aquella escena de Pulp Fiction de Quentin Tarantino donde Fabianne le pregunta a Butch (interpretado por Bruce Willis) sobre el origen de la motocicleta tipo chooper en la que buscan abandonar de la ciudad de Los Ángeles tras el perdón de Marsellus Wallace. En aquella cinta la sentencia era clara: "Zed is dead, baby... Zed is dead", pero con el lanzamiento que se hace hoy 26 de agosto de 2016 del tercer disco de la banda americana, ZED está más vivo que nunca.

Tras la publicación de Desperation blues en 2013, poco sabíamos de ZED, banda originaria de San José, California que gusta de mezclar el hard rock, el grunge y el stoner para crear demoledoras melodías que logran engancharse en nuestra memoria. Quizá era el turno de este cuarteto de su desaparición del mundo musical, pero ahora tenemos la oportunidad de escuchar los primeros guitarrazos del Trobled in eden, disco producido por Tim Narducci y que será editado por Ripple Music.

Nuevamente tenemos la oportunidad de escuchar los pesados riffs de la guitarra de Greg López, el grave acompañamiento del bajo eléctrico de Mark Aceves, los golpes de la batería de Rich Harris y los gritos de Pete Sattari. Este álbum nos asegura fuertes melodías influenciadas por el rock clásicode los años setentas, el hardcore y el metal de la vieja escuela.

Trobled in eden es la oportunidad de ZED para la reflexión, para el cuestionamiento y, finalmente, para la perseverancia. Ante una escena musical muy reñida donde cada nicho guarda celosamente los espacios ganados, los californianos buscan romper el cascarón del área de San Francisco con un material más cuidado, con suficiente fuerza en su interpretación y un mensaje qué ofrecer.

Desde principios de años la banda se dio a la tarea de subir en su canal de YouTube algunos teasers de lo que sería su nueva placa, mostrándonos así algunos momentos del grupo en el estudio de grabación con algunos instantes del sonido que ahora tienen.  Fue así que en el mes de julio presentaron un lyric video de "Save you from yourself", siendo así el primer single que se desprendería del ansiado disco.

El desierto americano, las carreteras y las motocicletas sirven de telón de fondo para una tonada de directo y crudo riff, mismo que se enmudece para abrir paso a la rasposa voz de Sattari con su reclamo sobre el vacío existencial. Mientras observamos cráneos de reces olvidadas en la caliente arena, el volumen incrementa a través de un ritmo insistente hasta dejar al desnudo un solo de guitarra en pedal wah. Vuelta y vuelta sobre el track nos hace disfrutar más y más el tema, su intensidad y su lírica, pero algunas escenas de ZED sobre el escenario en el video terminan despertando nuestra ansiedad por escuchar esta pequeña joya en vivo.

 "Te encuentras en un espacio vacío entre la soledad y el dolor mientras una y otra vez se extiende  sobre tu cerebro. Encontrar la forma de alcanzar y tocar aquello que amas viene desde el interior y no de arriba. Todo lo que has encontrado es un vasto y vacío espacio mientras te pierdes en esa mirada. Deja ese corazón ardiendo porque sabes que la verdad es irónica y extraña a la vez, siempre se transforma y jamás permanece igual. Rezas porque llegue tu dios y te salve de tí mismo mientras vagas en tu infierno, pero tan sólo es la apariencia. Dices que la verdad  es la que nos hará libres, ¿pero acaso éso ocurrió contigo y conmigo? Cuando al final tus hijos te pregunten qué tienes para mostrarles, cuando retengas sus manos con fuerza y cuando sostengas la mirada sobre sus ojos, finalmente podrás mostrarles en lo que crees..."

La sensual dama tiene al demonio por dentro, en sus manos tiene todas las armas para acabar con nosotros. Hipnotizados caemos rendidos en su hechizo sin que nuestra mirada pueda soltar la imagen. El cuarteto californiano logró con el arte de Trobled in eden un punto más a su favor, lo que nos obliga a buscar la forma de escuchar su contenido lo más pronto posible. Por lo pronto, "Save you from yourself" es un gancho directo imposible de esquivar, un tema que demuestra que ZED no está muerto y que queremos verlos en vivo ahora mismo...