Wucan : la magia de un verdadero rock vintage

Desde hace varios años, Alemania nos ha regalado verdaderas joyas vintage que se han convertido en un deleite para los nostálgicos enamorados por los sonidos retros originarios de los años sesentas y setentas. Wedge, Kadavar, Mountain Witch, Heat o Wolvespirit son algunas de las bandas germanas que nos han hecho regresar la mirada al pasado para recordar aquel momento en que los grupos fusionaban el blues, el folk, y el jazz con el rock a punta de guitarrazos y buenos ganchos melódicos. En esta ocasión, la búsqueda por grupos de sabores retros nos llevó al feliz encuentro de una banda que suma en su sonido todo el collage sonoro de aquella época de fusión y ebullición: Wucan.

Desde Dresde, Sajonia surge esta agrupación que suma en sus sonidos el folk psicodélico, el naciente rock progresivo sesentero, el krautrock setentero y el hard rock que sirvió de semilla para el heavy metal. Jethro Tull, Uriah Heep, Black Sabbath y Deep Purple... con todas estas influencias, lo menos que se podría esperar es un magnífico disco lleno de momentos mágicos, poderosos e impresionantes; sin embargo, ¿Wucan cumple con estas expectativas tan altas?

En el año de 2013, los germanos nos regalaron dos atisbos de lo que se traían entre manos, dos singles grabados de manera austera y esfuerzo propio que lograron llamar la atención y les abrió las puertas en su país. Dicho par de canciones fueron grabadas nuevamente para formar parte del EP titulado Vikarma, el cual fue publicado en noviembre de 2014. En esta placa podemos escuchar un progreso musical y conceptual de la banda, una guía que orientó a los sajones en su camino por encontrar una definición propia más allá del simple tilde de "banda vintage".

Finalmente, para septiembre de 2015 Wucan nos presentó su primer álbum completo bajo el nombre de Sow the wind, el cual cuenta con la grabación y mezcla de Richard Behrens (bajista de la genial banda retro Heat), además del soporte en la promoción y distribución de MIG Records (Made in Germany Music). Seis cósmicos temas empaquetados bajo la inspiración del arte abstracto de Rufus Segar y contenidos en 40 minutos de guitarras directas y cortantes, ritmos hipnóticos y adictivos, instantes nacidos del jamming y la introspección, flautas mágicas y una hermosa mujer tomando el control de todo el viaje.

La imagen más clara de Wucan está en su vocalista Francis Tobolsky, quien no basta con llenarnos los oídos con su potencia vocal (misma que nos recuerda en algunos momentos a Elin Larsson de Blues Pills) y de llenarnos las pupilas con su belleza... ella toca la guitarra (como lo hace Rosalie Cunningham de los británicos Purson), nos toma de la mano para llevarnos hacia ácidos viajes por medio de un theremín (así como lo hace Mathiew Devillers de los fabulosos Cheap Wine desde Francia), y por si fuera poco, su aliento toma posesión de la flauta transversal para llevarnos a universos paralelos lejos de nuestra realidad banal (en franco recuerdo a la espectacular Alia O'Brien y a todo lo que hace al frente de los canadienses Blood Ceremony).

Acompañando a Francis encontramos en la guitarra eléctrica a Tim George, un joven de larga cabellera lacia que resbala sus dedos sobre las seis cuerdas para crear tormentas de figuras y rasgueos cortantes. A su costado podemos ver al barbado Patrik Droege entonando su Fender Precision con insistente ritmo y profundidad sonora. Sin embargo, las dificultades de la banda han estado en mantener a un baterista de manera permanente. Para la grabación y parte de la promoción del Sow the wind, Wucan contó con la participación temporal del rizado Leo Vaessen, quien se distingue por sus frenéticas figuras y golpes tribales que redondearon el sonido del grupo.

Para demostrar todo lo que podemos encontrar en este maravilloso tesoro, tomaremos como muestra el track 5 de este cofre llamado Sow the wind. " King Korea" encapsula en sus siete minutos los divergentes caminos del álbum, permitiéndonos dar una idea clara de sus alcances. Según por boca de la propia Francis Tobolsky, esta pieza está inspirada en la poco conocida "No, no, no" de Deep Purple, canción incluida en el Fireball de 1971; aunque sus tambores tribales recuerdan más a "Chasing shadows" del Deep Purple de 1969 con la voz de Nick Evans y la lúgubre batería de Ian Paice.

"King Korea" presenta una larga introducción de sabores asiáticos, místicos y misteriosos muy al estilo de Jex Thoth que poco a poco va abriendo paso a los diferentes instrumentos, los cuales nuevamente guardan silencio para que Francis Tobolsky murmulle algunas frases sobre un mágico palacio en el cielo. Sin ningún aviso, la voz de la rubia cantante lanza un gemido y el ritmo cambia hacia una salvaje melodía de guitarra entrecortada y bajo de insistente figura. Tim George encuentra el suficiente espacio para mostrarnos su gran imaginación con la guitarra aprovechando el término de cada frase. Los tambores tribales se escuchan nuevamente y Francis nos regala un solo de flauta que inevitablemente nos hace recordar al legendario Ian Anderson de Jethro Tull y a la musa Alia O'Brien de Blood Ceremony. Ya hacia el final, los acordes construyen una atmósfera densa muy al estilo de Black Sabbath y el primer doom, donde los teclados hechos por el músico invitado Konni nos teletransportan a los principios de la década de los años setentas. Tras su eco, un ligero rasgueo de guitarra en franco recuerdo de rock progresivo de origenes folk nos sirve de fondo musical para que Francis cierre la historia del rey de oriente y su relación con la naturaleza.

"King Korea" de Wucan, desde la plataforma de Spotify:
https://open.spotify.com/track/5juhtWYud48uMswMtKBOwM

Bien podríamos decir que esta oda de siete minutos podríamos dividirla en tres movimientos: a) la lenta introducción de notas orientales e introspectivas, b) el rock vintage de tambores tribales, guitarras desenfrenadas y una flauta mágica, y c) un breve pasaje folk de guitarra aletargada. Sin embargo, para esta época del internet, posmodernidad e inmediatez, para utilizar "King Korea" como sencillo,  se decidió editarla para convertirla en video promocional, convirtiendo esta versión en un single de tan solo cuatro minutos donde se utiliza un pequeño fragmento del primer movimiento y todo el segundo.

El video fue presentado también en septiembre de 2015 a través del canal de YouTube de MIG Music, mismo que fue realizado por Paul Schlesier y Pallid Eyes Film. En palabras de Francis Tobolsky, en sus imágenes podemos ver un tributo a aquellos viejos programas setenteros de televisión donde las bandas tocaban en vivo. Esta idea surgió después de ver la interpretación de "The Wizard" con Uriah Heep en Beat Club, por lo que se buscó reproducir a manera de homenaje lo que se hacía también en el reconocido Rockpalast, sin ajuste y sin imágenes arregladas con Photoshop.

Como era de esperarse, el baterista Leo Vaessen abandono a Wucan en enero de 2016 para dedicarse al cien por ciento a su proyecto principal, The White Dukes, un power trio de Berlín que ha alternado con gente como Spiders, Siena Root y Travelin Jack y que está por publicar su álbum debut bajo el título tentativo de Say it out loud.  Ahora la responsabilidad de las baquetas recae en un chico de nombre Phil, quien tratará de llenar el vacío dejado por Leo.

Wucan se encuentra en reconstrucción apenas iniciado el vuelo, pero lejos de frenar el ascenso de los sajones, la banda busca nuevos espacios para seguir presentado esta genialidad llamada Sow the wind; un disco que requiere darle varias vueltas para desmenuzarlo y descubrir lo que tiene en sus seis escasos pero vastos temas. Desde ahora, nuestro radar estará sobre esta gran promesa alemana.

Grim Comet : observarse, destruirse y reconstruirse

Apenas hace una semana se publicó el segundo disco de la banda madrileña Grim Comet, un grupo que hace heavy metal con algunos toques doom y stoners, además de una que otra referencia setentera. Tras el explosivo debut Pray for the victims, los españoles le bajan a la intensidad y tiñen de negro cada una de las ocho rolas que conforman el God is dead, let's eat him, creando así un álbum denso, obscuro y lúgubre. 

En palabras del guitarrista, vocalista y compositor de la banda, Willy Black, esta última placa podría entenderse como un regresar la vista para revisar lo que se ha hecho, un descubrimiento y aceptación de los errores propios, una oportunidad para borrar todo rastro y comenzar de nuevo. En tres palabras, God is dead, let's eat him es observarse, destruirse y reconstruirse.

Luego de varios cambios en la alineación de este power trío, para esta grabación Willy Black se encuentra acompañado de Alvarito Arias en el bajo eléctrico y Jorge Mánver en la batería, par de músicos que han construido la aletargada base necesaria para el nuevo concepto de Grim Comet. Con un trabajo realizado durante tres de febrero de 2016 en el Goldfish Studio y la producción, mezcla y masterización de Guillermo Laorga, la banda logra descender a los infiernos para sufrir sus pecados hasta dejar desnuda el alma a punta de riffs poderosos, definidos y sin premura, permitiendo que nos quememos lentamente en su pesadumbre innegable.

Sin ser una banda que calque o imite a otras bandas del pasado, la obscura atmósfera de las guitarras nos llevan a paisajes ya recorridos, que lejos de ser un error o un paso hacia atrás, logra establecer un sonido propio para Grim Comet. Es imposible no aceptar un rompimiento con lo hecho anteriormente, pero si desmenuzamos cada track, podemos descubrir una madurez en la banda al querer romper con etiquetas musicales y realmente utilizar los sonidos del pasado como sencillas influencias sin que éstas se conviertan en obligadas referencias que se conviertan en lugares comunes.

Tras el lanzamiento en noviembre de 2015 como sencillo de dos temas incluídos en el álbum como single (Ghost / Echoes), para la presentación del God is dead, let's eat him se ha escogido a "Overdriven reality" como punta de lanza para la presentación de la placa completa. Canción identificada por una profundo bajo descendente que como enferma espiral en caída libre nos arrastra a los abismos del ser. La batería acompaña a cada paso hacia abajo, pero al entrar la guitarra sabemos que no habrá regreso alguno. El coro explota en una insistente plegaria que implora escapar de esta bajada sin final, pero una vez resignados a la falta de salida, permitimos que el cuerpo se suelte y se derrumbe completamente.

"Ella se ha ido y yo lentamente me voy también. No son necesarias las drogas ni el dinero, así que ¿qué es lo que deseas conservar? ¿qué es lo que realmente importa para ser libre? ¿A dónde voy sin mí mismo? ¿Qué es lo que vendrá? Será mejor que me apartes de tu "mundo ideal" y que me alejes con un soplo de él, porque yo no quiero compartir el mismo aire que el tuyo. ¡Déjame fuera de esta realidad tan desgastada!"

Acompañando el lanzamiento de God is dead, let's eat him, Grim Comet publicó un video para "Overdriven reality" a través del canal de su disquera Art Gates Records en YouTube. Este trabajo gráfico está realizado por Víctor Jiménez Aparicio en el cual podemos observar como el sufrir de una chica secuestrada y su intento por escapar de dicho encierro; la cual está interpretada por la actriz Ayla Amat. Sin embargo, la sorpresa está cuando descubrimos quiénes son sus captores: ¡ella misma! Más allá de la liberación física, lo realmente importante es huir, cortar y romper con la mente, con el alma, con uno mismo.

Es inevitable comparar lo que nos ofrecen los españoles con su "Overdriven reality", pero rascando en sus detalles podemos descubrir ciertos destellos retomados del pasado: la guitarra eléctrica de las estrofas recuerdan las figuras de la sueca Linnéa Olsson en varios instantes del álbum debut con The Oath, la voz rasposa y pasmada de Willy Black nos remite directamente al eterno Dave Mustaine, y el ritmo entrecortado y tétrico nos llevan a los senderos metaleros que fueron recorridos por Danzig en su primer disco.

Poco a poco, Grim Comet comienza a ganar reconocimiento y cartel en la creciente escena española de metal, stoner y doom, lo que los ha llevado a ser banda abridora de gente como los suecos Casablanca, los americanos Night Demon y sus compatriotas Lizzies. El God is dead, let's eat him tiene el suficiente material para que el grupo levante el vuelo, mismo que habrá que escucharlo en vivo y ver cómo Grim Comet lo desarrolla en el escenario. Por lo pronto, nos quedamos con el concepto visual de "Overdriven reality", mismo que nos ayuda a terminar de entender hacia dónde soplan los nuevos vientos que orientan a estos madrileños.

The Claypool Lennon Delirium : pastillas y piedras en una de las lunas de Marte

El encuentro entre dos excéntricos músicos dio origen a un proyecto todavía más alternativo de lo que estamos acostumbrados a escuchar de cada uno de ellos por separado. Les Claypool, bajista y vocalista de los bizarros Primus se encuentra con la atmósfera psicodélica y abstracta de Sean Lennon, guitarrista y vocalista de The Ghost of a Saber Tooth Tiger. El diálogo musical obtenido entre uno de los mejores bajista de la historia y el hijo de John Lennon y Yoko Ono podría generar dudas, extrañeza y hasta reserva, pero ahora que tenemos en los oídos el resultado, el horizonte se despeja para ser saturado por ácidos sonidos y extrañas metáforas cósmicas... ésto es Monolith of Phobos.

El día de hoy, 3 de junio de 2016, se publica a través de ATO Records el álbum debut de The Claypool Lennon Delirium, un proyecto hecho por una pareja ambivalente, quizá distante entre sí, pero que al final del día construyen una obra llena de ensoñaciones galácticas, viajes psicodélicos, líricas nacidas del choque entre distintas realidades alternas, un big bang creativo, caótico y armónico al mismo momento. Lejos de ser  una colección de temas compuestos por cada integrante para unirlos de manera artificial en una sola placa, Monolith of Phobos es una obra conceptual compuesta en conjunto e interpretada únicamente por el dúo.

Tras la presentación de Primus & the chocolate factory with the fungi ensemble, octavo disco de la banda de Les Claypool, se hizo necesaria la búsqueda de una buena banda que fuera la telonera para la gira. El concepto psicodélico del álbum llevó al manager del grupo proponer a The Ghost of a Saber Tooth Tiger, ácido proyecto de Sean Lennon y Charlotte Kemp Muhl, quien es modelo, multi-instrumentalista, cantante y novia del hijo de ex-beatle. Claypool no conocía al grupo, así que buscó en YouTube y se encontró con el video de "Animals", el cual le convenció de aceptar la propuesta.

La convivencia entre ambas bandas en las pruebas de sonido y en los ensayos, llevó a que Lennon participara como músico invitado durante las presentaciones de Primus para que tocara la guitarra en "Southbound pachyderm" junto con Larry LaLonde. La forma de tocar de Sean y sus composiciones fueron llenando el ojo de Les Claypool hasta que, una vez terminada la gira con Primus, lo invitara a los estudios de Rancho Relaxo, lo alojara en el cuarto de invitados, y se sentaran a componer para formar un proyecto juntos. 

El concepto del disco nace tras una plática entre la pareja sobre una entrevista que dio el astronauta Buzz Aldrin en C-SPAN (televisora por cable norteamericana) donde relata la existencia de una gran y extraña roca en una de las lunas del planeta Marte, una especie de monolito como el que se observa en 2001: a space odyssey de Stanley Kubrick ubicado en Phobos, un gran obelisco olvidado en una zona desértica de uno de los dos satélites marcianos que ha sido motivo de muchas historias, especulaciones y fantasias. A la mañana siguiente, Les Claypool le presentó a Sean Lennon una canción terminada sobre esta historia, por lo que decidieron tomarla como idea central para todo el álbum.

En una especie de supuesta comunicación telepática entre Claypool y Buzz Aldrin, los diálogos fluyen mágicamente hasta construir las líricas del disco, mismas que también tienen una influencia en el sabor pop psicodélico derivado por la obsesión de Sean Lennon por la ecléctica película Head de 1968, escrita por Jack Nicholson y protagonizada por el grupo pre-fabricado The Monkees, donde podemos observar un extraño collage de imágenes de la banda dentro de una delirante combinación de elementos simbólicos típicos de la época y clips sobre la guerra en Vietnam, las fanáticas desmayadas en los conciertos, viajes ácidos con drogas psicotrópicas y la vida tras los escenarios de televisión. 

Bajo estas dos ideas principales, Monolith of Phobos nos ofrece un "psychedelic space rock", el cual nace directamente del metal progresivo y funk que hace Les Claypool y el rock pop abstracto que caracteriza a Sean Lennon. Ya con el material compuesto, la pareja se metió directamente a grabarlo con sus propios esfuerzos: el bajo a través de su dueño y domador Claypool; guitarras, teclados y baterías por Lennon. 

A través de la plataforma YouTube, The Claypool Lennon Delirium dio conocer al mundo dos de los once temas que conforman el disco. Para darnos una idea más clara de lo que han creado este raro dúo, presentamos el primer sencillo formal del álbum, "Cricket and the genie (Movement I: The delirium"),  una canción que funde claramente el estilo de cada músico: un mágico riff hecho a partir de las inconfundibles figuras de bajo de Les Claypool y una melodía ácida hecha por Lennon que nos lleva por un lisérgico viaje de pastillas, un grillo grifo y un genio dealer.  

"Esta es la frase que el doctor jamás olvidará: hijo, siempre existirá una pastilla para cada problema en esta pequeña y mágica botella llena con amor.  El pequeño grillo frotó la botella mágica y de ella surgió un genio, el cual dijo: Soy el santo patrono de la prescripción de drogas, así que cuando requieras un abrazo, sólo tienes que recordar que debes cerrar los ojos y frotar la botella. Desde ese momento, el grillo ya no necesitó tener amigos porque tenía en el genio a la compañía perfecta, ya que su terrible madre lo había hecho un muchacho independiente. Cuando el grillo cumplió 23, frotó nuevamente la botella pero ésta vacía, ya que el genio que la habitaba había muerto. Desde ese momento, el grillo fue un chico triste, lo que le hizo buscar algo de diversión, así que se fue a la tienda y se compró una pistola..."

A principios de mayo de 2016, The Claypool Lennon Delirium subió en su canal de YouTube un caleidoscópico video de estridentes colores con la lírica de "Cricket and the genie (Movement I: The delirium"), el cual ha servido de primera prueba al Monolith of Phobos, un disco que fue concebido y grabado en su totalidad en tan solo dos semanas a través de una vieja consola API. Una vez mezclado y masterizado el material, lo tenemos fresco al alcance de un click.

Si ustedes creen que este proyecto quedará encerrado tan sólo en un vinil, les informamos que se encuentran en un error. Les Claypool y Sean Lennon ya tienen una apretada agenda para este 2016 donde compartirán con el público su Monolith of Phobos, pero para reproducirlo en vivo han invitado a su barco a Paul Baldi, baterista de Fungi Band (uno de los tantos proyectos del bajista de Primus) y a Mark Ramos-Nishita quien fuera tecladista de los Beastie Boys desde 1992 bajo el seudónimo de Money Mark. Sólo por curiosidad, revisen la lista de festivales donde ya confirmaron su participación: North Coast, Outside Lands, Vertex y Bonnaroo.

Una ilustración del propio Buzz Aldrin con un tercer ojo clarividente en su frente nos recibe como portada para un intoxicado disco, un álbum que nos arranca los pies del suelo para dar un paseo sideral por ese cosmos lleno de misterios, una grabación llena de voces extrañas que nos hablan al oído para invitarnos a abandonar este plano de la realidad, una colección de bizarros temas que juegan con nuestras neuronas y nos demuestran qué es realmente el concepto de "rock alternativo". Bienvenidos al mundo de las múltiples posibilidades de The Claypool Lennon Delirium...

Troubled Horse : un caballo nacido de la brujería

Örebro solía ser reconocida en el mundo por su castillo medieval y su pasado comercial, pero a finales del siglo XX, esta ciudad sueca comenzó a llamar la atención por ser el lugar que albergaría una incipiente escena de rock vintage que bebía directamente del hard rock de finales de los años sesentas y el naciente doom de principios de los años setentas. De las cenizas de Norrsken (mítica banda de rock de recuerdos psicodélicos y blueseros) surgieron dos de las bandas más influyentes del rock retro de Suecia y de Europa: Graveyard y Witchcraft.

Teniendo en la figura de Magnus Pelander a su líder natural, Witchcraft nació en el año 2000 como un proyecto que buscaba continuar lo hecho por Norrsken pero con un toque de obscuridad al estilo de la legendaria banda Pentagram de Bobby Liebling y por aquel Roky Erickson, guitarrista y voz de los 13th floor elevators y The Aliens. La primera alineación de Witchcraft contó con el guitarrista John Hoyles y a los hermanos Henriksson, Jess en la batería y Ola en el bajo eléctrico. Tras algunos demos, la banda debutó discográficamente hasta 2004, pero Jess Henriksson abandonaría la batería para convertirse en el productor musical de la banda. Sin embargo, durante el periodo de formación  y consolidación de Witchcraft como grupo, otra semilla se estaba germinado dentro de sus terrenos de sonidos tributarios y avejentados... Troubled Horse.

En la búsqueda de un sonido propio más allá de lo dictado por Magnus Pelander, el resto de los miembros originales de Witchcraft  comenzaron a tocar por su lado, maquetando algunas ideas y disfrutando de la libertad creadora más allá del jefe. No fue sino hasta después de la publicación de The alchemist de Witchcraft en 2007 que Hoyles y los hermanos Henriksson decidieron retomar aquel proyecto sin Pelander, llevándolos a tomar la decisión de abandonarlo definitivamente para darle forma a su nueva banda. Ahí es donde entra Martin Heppich, un desconocido y barbado cantante que tenía la capacidad de escribir buenas líricas, redondeando así el concepto musical que buscaban.

De la mano de la disquera Crusher Records, Troubled Horse lanzó un disco de 7" con dos canciones para presentarse ante el mundo. Esta probada les sirvió para que la reconocida Rise Above Records los firmara para la grabación de un disco completo, mismo que tendría una mejor producción, además de difusión. Fue así que para finales de 2012, Örebro regalaba al mundo tres joyas discográficas que definirían el rumbo del hard rock europeo: la reconstrucción sonora contenida en Legend del nuevo Witchcraft de Pelander publicado en septiembre, el definitorio y contestatario Lights out de Graveyard en octubre, y el estreno de Troubled Horse en noviembre bajo el título Step inside.

Bajo la supervisión técnica en el estudio de grabación hecha por Anders Alexandersson (quien tenía experiencia trabajando en lsa consolas con Opeth), Troubled Horse construyó un excelente disco condensado en 10 odas vintage que reconocen plenamente su factura elaborada en el siglo XXI. En el disco podemos el instinto garage de los 60 de gente como The Animals, The Kinks y hasta de The Sonics y MC5; momentos psicodélicos inspirados en Grateful Dead y los propios 13th Floor Elevators; la densa obscuridad de Black Sabbath y Pentagram; y hasta la potencia sonora de Dust. Sin embargo, es innegable el sabor de hijos bastardos de Witchcraft y, en menor medida, de Graveyard.

Una muestra del variado universo sónico del Step inside la encontramos en uno de sus sencillos, mismo que formó parte del acetato de 7" presentado en 2010: "Bring my horses home". Sin piedad ni reparo, un imponente coro de seis momentos descendentes nos deja helados, atentos y dispuestos a escuchar lo que sigue. Una guitarra de entrecortados acordes sirve de base para un ritmo contagioso y una estrofa contundente en la voz de Martin Heppich, aquel barbado desconocido que termina convertidoo en el frontman ideal bajo una gorra policial y una fuerte presencia escénica. Por si fuera poco, un sentido solo de guitarra en las manos de John Hoyles nos lleva al cielo, pero como marca de la casa, Troubled Horse termina cambiando la intensidad por un riff denso de baja velocidad y  nos hace caer por un mágico tobogán introspectivo de bajeo impenetrable hecho por Ola Henriksson y  un ácido teclado interpretado por el músico invitado Jim Lundin.

"Intenta imaginar qué pasaría si la vida fuera más sencilla de lo que conoces, más allá de la mentira y con tus sueños derrumbando barreras. Sin embargo, la vida no es así...te necesito a mi lado, dejando que las cosas ocurran para no seguir cayendo. Cualquiera diría que eso sería muy fácil, pero realmente no lo creo."

Para acompañar la promoción del disco, Troubled Horse publicó un video de "Bring my horses home" , el cual fue dirigido por Jonas Wahlstrand. En sus imágenes podemos observar a la banda tocando en un lúgubre ambiente provocado por la obscuridad de un bosque, mientras algunos reflectores nos permiten ver a un hermosos corcel. Para no ocultar la influencia vintage, el video tiene algunos efectos psicodélicos de caleidoscopios y simetrías que mezclan caballos, amplificadores y mujeres desnudas bajo un velo de misterio y neblina. Si somos un poco observadores, pudimos notar que este video no está el baterista Jess Henriksson (por dedicarse a realizar distintos trabajos de producción musical) ni el guitarrista John Hoyles (quien decidió darle prioridad a su otro proyecto, Spiders, banda hecha con su hermana Ann-Soffie y que se refugia en sonidos crudos, roqueros y garageros en franco recuerdo a los legendarios The Hellacopters). Estos cambios son los que dejaron a la deriva el álbum debut de Troubled Horse, quedándose tan sólo como una joya olvidada de un momento explosivo de la música sueca.

Step inside va desde los acordes agresivos de referencias hard rock hasta texturas francamente pop, pero es precisamente en ese amplio margen el que logra que el disco funcione bien, mostrándonos así qué era lo que se estaba escuchando en Suecia durante 2012. Sin embargo, Troubled Horse se quedó en el limbo por varios años en los cuales Martin Heppich ha tratado de sacar el barco a flote. En la página de Facebook de la banda se anunció que en enero de 2016 habían regresado a los estudios de grabación para trabajar en su segunda producción, así que sólo nos queda esperar cuál será la nueva línea musical que tendrá el grupo luego de tantos años sin saber de ellos y luego de los cambios que han tenido en su alineación.

Miss Lava : el silencioso fantasma de su propia condena

"¿Cuánto tiempo hace que no hablas contigo mismo? ¿Será que no tienes nada que escuchar? ¿Cuántas veces te has tenido que quedar donde has respirado por inercia en lugar de donde hay abundancia? ¿Es apatía la que está en tu puerta? ¿Es el tedio parte de tu decoración? ¿Es la aburrición la que enmarca tu espalda? ¿Estás escondido en la sonrisa de todos tus héroes muertos? ¿Tu vida ya está escrita? ¿Te encuentras entre los estantes llenos de ediciones especiales? ¿Es nuestra condena caminar en círculos? ¿Es nuestra condena aplaudir en secuencia? ¿Es nuestra condena perder nuestros sentidos? ¿O acaso estamos sólo condenados a escoger el silencio?"

Con estas frases recitadas por Rui Guerra de la banda de hard rock The Quartet of Woah! es como nos recibe el segundo sencillo del último disco de Miss Lava, el cual se llama Sonic Debris y que fue presentado en este mayo de 2016 a través de Small Stone Records. Portugal nos comparte otra de sus joyas, en este caso, de rock alternativo de sabores stoners que sacuden la tierra y hacen mover la patita a su ritmo contagioso.

Miss Lava no es nuevo en este negocio... La banda de Lisboa formada desde el ya lejano 2008 ha publicado dos discos anteriormente: Blues for the dangerous miles de 2009 y Red supergiant de 2013. Con un largo camino que los ha llevado a diversas presentaciones en Europa y los Estados Unidos, su experiencia la han ganado a fuerza de esfuerzo, mismo que ha sido recompensado al ser invitados para alternar con gente del nivel de Queens of the Stone Age, Mastodon, Graveyard, Greenleaf, Fu Manchu y Truckfighters.

Luego de ofrecer la desoctavada "In the arms of the freaks" como primer mordida al Sonic Debris junto con su video en animación de "colorida emoción y psicodélica destrucción" (video), para la publicación del disco se lanzó "The silent ghost of doom", una granada sónica que explota en nuestros tímpanos gracias a su potencia de acidez desértica y su crítica al individuo ensimismado, desconectado, apático y olvidado dentro de sus memorias sobre un "mejor pasado".

Tras las palabras abofeteadas sobre nosotros recitadas por Riu Guerra, la guitarra eléctrica de K. Raffah entona un riff arenoso que sólo puede ser seguido por el profundo bajo de Ricardo Ferreira en conjunción distorsionada, mientras los golpes secos de la batería José García sacuden cualquier rasgo de tranquilidad. Con una innegable herencia a Queens of the Stone Age, la melodía se posa en algún polvoriento camino en medio del desierto californiano para devorar millas sobre el ardiente asfalto. Segundo a segundo podemos sentir como el hipnótico sonido nos traga hasta que quedamos absortos con su estructura compacta, amalgamada e impenetrable.

Riu Guerra, grabando con Miss Lava

Mientras los instrumentos saturan el stereo de aquel auto en su loca carrera por el árido paisaje, Johnny Lee (Joao Filipe) y su clara voz nos habla en primera persona de aquel tipo encerrado en sus recuerdos, ese que ha quedado atrapado en el pasado sin la fuerza ni el ánimo para romper la barrera del conformismo y el desgano.

"Observo adentro en mi mente: sólo hay aburridos pensamientos clavados en ideas fijas, obscuros espacios que quiebran mis huesos y relámpagos del pasado. Estoy perdido en el mismo guión, mi voz es silenciada y mi juventud va de regreso hacia el vacío. Estos son recuerdos de otra época, memorias y antigüedad... me siento muerto una y otra vez. Soy el reflejo de un espejo roto, un silencioso fantasma condenado. Existo sólo a blanco y negro, y en esa misma fotografía estamos tú y yo"

Acompañando este sencillo, se lanzó un video promocional hecho por el director  Bruno Simoes con la fotografía de Ivo Cordeiro, la pareja creativa de Drumkick Films que realizó el video de "Black rainbow" , canción incluída en el álbum debut de Miss Lava. En esta ocasión podemos ver a la banda tocando en una sala vintage entre reflectores, amplificadores e instrumentos. Un gran espejo en la pared refleja a Johnny Lee mientras está sentado en un sillón cantando despreocupadamente. El color sepia y los cuadros de celulosa que salen de cuadro nos transportan al recuerdo del viejo Super 8 y los carretes corriendo sobre su riel con el afán de mostrarnos su contenido.

Sonic Debris es el primer intento de reconfigurar el sonido de Miss Lava tras la salida de Samuel Rebelo, primer bajista de la banda. De momento, podemos escuchar un grupo con un sonido muy integrado y conciso, donde el rock alternativo de tintes grunge se convierte en momentos viajes eléctricos de ensoñaciones psicodélicas para pasar de manera salvaje a guitarrazos fuertes francamente stoners. La colorida portada realizada por José Mendes podría confundirnos un instante, pero al pulsar el botón de play las cosas regresan al camino ya andado por la banda.  Sin embargo, este es el resultado de dos años de trabajo entre estudios y escenarios: un disco maduro donde cada integrante tiene el suficiente espacio para mostrar sus capacidades, pero que en su unidad logra convertirse en un macizo intento por sacudirnos las neuronas.

Gorilla Pulp : un espíritu llamado peyote

Aquí está la nueva joya del hard rock italiano, un estruendoso combo de guitarras distorsionada dispuestas a arrancarnos los pies del suelo para llevarnos a un viaje ácido de estridentes colores, fuertes sonidos y mágicas imágenes. Bajo el nombre de Gorilla Pulp, cuatro músicos de Viterbo (Provincia al norte de Roma) nos ofrecen una colección de poderosos himnos que intentan sacudir al más desprevenido oyente para dejarlo caer en un abismo sonoro de adicción segura.

Con el tilde de "Tufo rock", este cuarteto logra hacer explotar un volcán lleno de rock poderoso del que desprevenidos recibimos una lluvia de piedras incandescentes, música al rojo vivo desde el interior de la Tierra, golpes de furia interna que nos muestran al hombre indefenso ante la fuerza natural. Heavy rock en mezcla perfecta con el denso stoner californiano que logra tomar diferentes caminos como ardientes ríos de lava, mismos que pueden recordar lo hecho por la clásica triada Sabbath, Zeppelin, Purple o llevarnos a la pesada acidez de gente como Orange Goblin, Mothership o Mos Generator.

Tras una primera bocanada a través del EP Hell in a can (presentado en diciembre de 2014), Gorilla Pulp publicó en abril de 2016 su primera erupción titulada Peyote queen por medio de Retro Vox Records. Bajo la grabación, mezcla y masterización de Emiliano Natali, la banda trabajó en los Fear No One Studios desde julio hasta septiembre de 2015 hasta pulir lo que ya podemos tener en nuestras manos. Siete poderosas canciones acompañadas de dos remansos instrumentales que logran sacudir la tierra con un hard rock directo, sincero y sin pretensiones.

Nacidos de la unión del guitarrista y vocalista Maurice Flee y el guitarrista Angioletto Mr. Vernati en 2014, la banda terminó encontrando sus cimientos en el bajo eléctrico de Choris y la batería de Giorgio "Bulldozer" Pioli. Con un estilo ya definido y un sonido estructurado, Gorilla Pulp sale de su natal Italia para mostrar al mundo lo que en sus venas corre: las distintas posibilidades del heavy metal masticadas y digeridas para crear una nueva pasta a la italiana.

Peyote queen se puede resumir como el encuentro del hombre con el mundo místico que ofrecen las drogas naturales, una atmósfera mágica llena de hongos se teletransportan las neuronas a universos distantes, ácidos y lisérgicos. Hermosas mujeres se transforman en místicas brujas que enamoran y llevan a la perdición, fuertes alucinaciones que desorientan y engañan la mente hasta derrumbar la realidad. Fantasía ritual que hipnotiza hasta despegar los pies del suelo, viaje psicodélico que estimula la imaginación y muestra los abismos del ser humano.

Como primer sencillo del Peyote queen, se escogió el tema que le da nombre al disco. Esta canción es un tributo a la mágica cactácea, un fuerte viaje con el espíritu del desierto que deja a un lado su posibilidad ritual para transformarse en una arriesgada alucinación relacionada con el mundo del rock, la experimentación y las almas libres. Mescalito se convierte en mujer, tentación, debilidad y sexo que llevan al incauto enamorado a la perdición total. Engañado el espíritu, el alma se queda sin salvación y termina entregándose a la lujuria y a la salvaje libertad.

Para acompañar el lanzamiento del sencillo, Gorilla Pulp presentó en febrero de 2016 un video promocional realizado por Daniele Ercolani de Sbob TV. En su historia podemos ver a un sacerdote hablando con una prostituta, que tras su charla, el hombre quema su alzacuellos y se lanza a una aventura más allá de lo permitido por la moral y su religión. Un dedo arriba para pedir un "aventón" (ride) y comienza un extraño viaje al desierto y al interior del individuo, un "jalón" a la pipa y las neuronas abandonan este plano de la realidad. La transformación se completa y un nuevo hombre seguro de sí mismo y lleno de valor observa a Gorilla Pulp tocando al aire libre, pero una bella mujer al micrófono le llena la pupila  hasta que cae rendido a sus pies. El control se pierde y todo comienza a tornarse extraño: el suelo arenoso mágicamente se convierte en una casa donde se realiza un extraño ritual al peyote, sin embargo, en un lecho del lugar se encuentra a la mágica dama recostada. El bello encanto es roto a través de bofetadas y la realidad cae por su propio peso...

Recuerdo hippie de guitarras fuertes que constantemente cambian de velocidad, "Peyote queen" nos lleva por diversos paisajes que van del hard rock de manufactura bluesera hasta una aletargada ensoñación stoner. Los amplificadores Marshall contienen dentro de sí directos acordes de guitarras de ascendentes escalas y vibrantes solos de guitarra, pero a la vez albergan densos pasos arenosos que reptan en búsqueda del cactus sagrado. Fuerte viaje de constante cambio, mutación que rompe cualquier regla, libertad total que logra regalar sorpresa, zozobra y sobresalto. ¿Te animas a dar una mordida al peyote para que la hechicera que vive en su interior te devore?

Demon Eye : un llamado desde la obscuridad

La luz comienza a desaparecer. El manto de la noche se posa sobre la faz de la tierra para llenarla de obscuridad y misterio, paso a paso, momento a momento. Una espesa neblina comienza a cubrir al bosque que habita en las montañas. La mente comienza a crear demonios, miedos y seres sobrenaturales para que estos habiten las sombras que la noche ha traído consigo. La imaginación y el temor comienzan a tomar el control, hasta que finalmente, la desesperación invade sin remedio al cuerpo indefenso y temeroso del hombre, aquel ser que ha sido devorado por la imponente ausencia de la luz...

Imágenes como ésta son las que nos regala Demon Eye en la totalidad de su Tempora infernalia, segundo disco de la banda de North Carolina, Estados Unidos que se ha convertido en un complemento para lo logrado con Leave the light. Si en el álbum debut todo estaba inspirado en cosas fantásticas retomadas de la literatura de H.P. Lovecraft y de las películas de terror serie "B" de los años 70 donde se podían observar el ocultismo y la magia negra, para esta nueva producción los horrores tendría como único origen al propio ser humano.

Retomando el sonido "maligno" de bandas clásicas como Black Sabbath, Pentagram, Pagar Altar y Witchfinder General, Demon Eye nos lleva de paseo por los lúgubres senderos de las montañas norteamericanas para hablar de aquella obscuridad que el hombre ha creado a su alrededor, de sus propios miedos y de cómo el mundo toma venganza tras un largo proceso de muerte y destrucción. Estos son los tiempos infernales que la humanidad vive gracias a sus propias acciones.

Con esta línea melódica bien definida, la banda de Raleigh nos regala 10 canciones publicadas en mayo de 2015 a través de la disquera holandesa Soulseller Records bajo el ojo técnico del productor Alex Maiolo y la masterización de Pete Weiss con la intención de mantener el mismo estilo sonoro obtenido en la placa anterior. Es así como podemos escuchar un doom primigenio como el confeccionado por las bandas de hard rock profundo setentero en mezcla perfecta con el primer Maiden salvaje y directo de Paul Di'Anno y el sonido vintage y obscuro de las importantes bandas como Uncle Acid & the deadbeats o los suecos de Witchcraft y Graveyard. 

Este sonido no es gratuito, ya que en sus orígenes Demon Eye fue un grupo de covers setenteros que en su momento se llamó Cadillac Summer, pero al plantearse la idea de escribir canciones propias, la banda cambió de integrantes y se bautizó con una de sus rolas favoritas que formaban parte del repertorio: "Demon's eye" de Deep Purple. Es así que desde 2012 la agrupación está conformada por Erik Sugg en las vocales y guitarra. Larry Burlison en la guitarra líder, Bill Eagen en la batería y Paul Walz en el bajo.

Gracias a la calidad de su sonido y el nivel de sus composiciones, las presentaciones para promover sus dos discos los ha llevado a compartir escenario con High on Fire, Corrion of Conformity, Witch Mountain, Valient Thorr, Mos Generator y los propios Pentagram de Bobby Liebling. Sin embargo, todo a quedado reducido a pequeños conciertos realizados en los Estados Unidos, lo que lleva a Demon Eye a buscar el siguiente paso: tocar en festivales y girar por Europa.

Tempora infernalia nació directamente del Leave the light. Los guitarristas Erik Sugg y Larry Burlison presentan a la banda ideas musicales y riffs que una vez trabajados en conjunto se convierten en estructuras definidas. Con dicho material elaborado, el propio Sugg se escapa del mundo algunos días para internarse en una cabaña de las montañas de North Carolina con la intención de escribir las letras de las canciones. Algunos han planteado que por la cercanía entre la publicación de cada álbum, varias de las rolas del Tempora infernalia eran temas descartados del primer disco, sin embargo, el propio Sugg ha declarado en distintas entrevistas que comenzó a trabar con el material de esta placa a los dos meses de haber salido a la luz el Leave the light.

Para acercarnos a estos "tiempos infernales", decidimos escoger una canción que sirve como "puente" entre los dos discos gracias a su sonido y a su lírica: "I'll be creeping". Un feedback de guitarras nos da una lúgubre bienvenida, la cual se vuelve terrorífica por medio de unos golpes secos de tambores y un riff directo, hipnótico e hiriente. Todos los instrumentos se unen a esta "danse macabre" en un ritmo que invita a levantar el puño y hacer la "mano cornuta". Pero si aún la melodía no nos ha calado en el fondo de nuestra alma condenada, el coro explota de manera increíble a pesar de la sencillez de su estructura de ascendente intensidad.

"Yo soy el elegido, éste que ves en su lugar para serlo, el que es de noche, aquél que vive más allá de tu lado. Si tú decides caminar a mi lado, podrás observar las señales que yo puedo ver, entrarás a mi casa y tu vida será de mi propiedad. Seré un reptante, aquél que se arrastra por el suelo, uno mismo con la negra noche que hará que nunca vuelvas a ver la luz. La obscuridad es todo lo que podrás ver, esa obscuridad que nos liberará..."

Cuatro minutos bastan para saber hacia dónde nos quiere llevar Demon Eye. "I'll be creeping" es una himno a la obscuridad, a los poderes de la noche y al hombre resignado a la ausencia de la luz. Soledad, abandono y temor como motor para observarse a sí mismo, para buscar respuestas y para ubicarse en este mundo de tinieblas creadas por la humanidad. Sueltos los demonios y los fantasmas, sólo queda escuchar sus tétricos lamentos y sufrir con ellos las consecuencias de nuestros propios actos...